da I Fratelli Karamazov di Fëdor Dostoevskij

adattamento e regia César Brie

con César Brie, Mia Fabbri, Daniele Cavone Felicioni, Gabriele Ciavarra, Clelia Cicero, Manuela De Meo, Giacomo Ferraù, Vincenzo Occhionero, Pietro Traldi, Adalgisa Vavassori

musiche originali Pablo Brie
costumi – assistente alla regia Mia Fabbri
luci Paolo Pollo Rodighiero
pupazzi bambini Tiziano Fario
maestra di musica Paola Sabbatani

Attore, regista e pedagogo argentino, Brie ha scritto una pagina importante del teatro italiano e internazionale, puntando sempre sulla forza espressiva dell’attore e sui grandi temi che da sempre riguardano l’umanità. KARAMAZOV nasce dalla riduzione teatrale di parte del romanzo russo: con i giovani allievi del Cantiere delle Arti, Brie si avvicina a uno dei grandi capolavori della letteratura europea per sottolinearne, ancora una volta, l’enorme lascito etico e spirituale.

Nei personaggi dell’ultimo romanzo di Dostoevskij, completato qualche mese prima di morire, César Brie rintraccia tutti gli aspetti dell’animo umano: la passione e l’istinto (Dmitrij), la ragione e il dubbio (Ivan), la bontà e la purezza (Aleksej), il risentimento e la vendetta (Smerdjakov), la cattiveria, il sentimentalismo, l’egoismo e l’edonismo (Fëdor il padre), la santità (lo Starets) e, anche, tematiche profonde come la delusione verso il mondo cattolico, i dogmi sulle idee del divino, la giustizia sociale e il fallimento dei miti della salvezza dell’uomo, tutti affrontati con estremo umorismo e delicatezza. Brie lavora su una scena totalmente spoglia, lasciando parlare i pochi oggetti che la abitano: corde che delimitano gli spazi, vestiti appesi sulla scena, pupazzi di bambini e panche ai lati dietro cui sparire ed emergere. Il risultato è uno spettacolo evocativo, che mette in scena un Dostoevskij del nostro presente e che affronta i suoi grandi temi con grande intensità interpretativa.

27 aprile ore 17
FOYER TEATRO TESTONI DI CASALECCHIO
Incontro con César Brie
In occasione di KARAMAZOV
intervengono Paola Bignami (DMS, Università di Bologna)
e Laura Mariani (DMS, Università di Bologna)

lunedì 23 aprile dalle h.15 alle 18
martedì 24 aprile dalle h.18 alle 21
mercoledì 25 aprile dalle 18 alle 21

segui lo streaming da qui

ECO è anche su Pietrobabina.net, Fondazione Romaeuropa www.romaeuropa.net
e ogni Sabato e Domenica alle 19.30 e alle 00.30 su Lepida TV (Canale 118 Digitale Terrestre della Regione Emilia Romagna)

ECO – electronic cooperation online,  è progetto di ricerca sulla scrittura drammaturgica per il teatro, cinema e audiovisivi, interoperativo e intercreativo online della Mesmer an artistic association!
L’indagine di ECO si sviluppa inoltre in ECORAMA, il primo prototipo di Augmented Reality applicata al Teatro

ECO è una produzione Mesmer an artistic association
con Fondazione romaeuropa
Teatro Comunale Alfredo Testoni di Casalecchio di Reno (Bo), Centrale Fies, Regione Emilia – Romagna, Comune di Bologna.

CAST
Regia e ideazione: Pietro Babina
Dialoghi: Chiara Lagani, Jonny Costantino, Pietro Babina
Attori: Francesca Mazza e Mauro Milone
Fotografia: Claudia Marini
Organizzazione e Promozione: Viviana Vannello

Collaborazioni Speciali
Ricerca su Augmented Reality:  C.A.T.T.I.D. – Centro per le Applicazioni della Televisione e delle Tecniche di Istruzione a Distanza, Università di Roma1 La Sapienza
Il Digital PR legato ad ECO:  cattedre di Forme e linguaggi del teatro e dello spettacolo e Sociologia dei new media del Corso di laurea in Informazione, media, pubblicità dell’Università degli Studi di Urbino Carlo Bo
Affiancamento storico – critico: Silvia Mei, Università di Pisa
Mapping: Professor Alberto Scocco

Sostenuto da
Baco Productions; Fanny e Alexander; Rifrazioni da cinema all’oltre;  LepidaTV; Santarcangelo 2012-2014. Festival Internazionale del Teatro in Piazza; Teatro i;
Associazione di Promozione Sociale
Urban Experience.

INFO e CONTACT: Viviana Vannello_ ph: +39 340 4058992 _ e.mail: info.pietrobabina@gmail.com _ skype: viviana.vannello

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drammaturgia Antonio Latella e Linda Dalisi
con Caterina Carpio, Daniele Fior, Giovanni Franzoni, Massimiliano Loizzi,
Candida Nieri, Maurizio Rippa, Valentina Vacca
scene e costumi Fabio Sonnino
disegno luci Simone De Angelis
assistente scene e costumi Graziella Pepe
sarta realizzatrice Cinzia Virguti
realizzazione scene Marco Di Napoli
assistenti volontari Maria Conte e Davide Calvaresi
regista assistente e movimenti Francesco Manetti
regia Antonio Latella
produzione Stabile/Mobile, Compagnia Antonio Latella

Don Giovanni, mi spaventa perché è un vampiro della vita: dove vede amore si butta per nutrirsi e vivere, non credo per amare, ma per innamorarsi di quello slancio di amore ancora incontaminato e possederlo, per poi gettarlo via una volta posseduto. Solo linfa, solo ossigeno, solo carne fresca da togliere ai denti di altri… Come fa Don Giovanni ad amare Dio se tutti amano Dio? È come se egli stesso volesse essere quel corpo da venerare, e solo così ottenere la vittoria sulla preda inerme; e fino a quando non avrà vinto non troverà pace. Ma anche se si dispererà, sarà nell’illusione di soffrire pene d’amore. È un teorema spietato sull’inganno e sulla matematica dell’amore e non sul sentimento dell’amore. L’amore è il divino: io credo che nell’amore esista Dio. Nell’amore è racchiusa la possibilità più alta che l’uomo ha a disposizione: l’amore è un dono divino che non chiede e non pretende nulla in cambio. In questo teorema sovversivo e oscuro, Sganarello è Molière che accompagna il bestemmiatore, sedotto egli stesso dalla bestemmia ma con la sola differenza che per lui l’amore è il mondo che frequenta, non le donne, ma la vita stessa, il teatro di cui si nutre e per il quale accetta ogni compromesso. Molière muore per il suo teatro, non c’è atto più fondamentalista di questo. La critica violenta fatta a lui e al suo teatro è la statua che si erige al di sopra di tutto e punta il dito su ciò che è giusto o no, partendo da un punto di vista che troppo ha a che fare con la chiesa che dice “ama un solo Dio”, e cioè: “ama me e basta”. Parole parole parole.

Si ringrazia per la gentile collaborazione l’Alliance Française di Bologna

Programma della giornata:

ore 17
MAMIE OUATE
di Joël Jouanneau e Marie-Claire Le Pavec
classi IV A e IV B  della scuola primaria Carducci
a cura di Rascia Darwish

Costruire assieme un corpo gigante per Kadouma, il gigante nero, e un corpo minuscolo per Mamie Ouate e trovarne una  voce. Il testo di Jouanneau è diventato pre testo per lavorare su aspetti concreti: creare in molti un unico corpo, cercare di parlarsi con una nuova lingua, fatta di suoni e parole inusuali e arrivare comunque a capirsi.

ore 17, 30
Incontro
TEATRO E INFANZIA
Interventi di Pietro Babina, Regista/Federica Iacobelli, autrice/

L’obiettivo del progetto Scritture per l’Infanzia e teatro  è stato quello di portare nelle classi autori francesi tradotti in italiano e, attraverso una serie di  laboratori, realizzare delle letture di drammaturgia contemporanea francese dedicata all’infanzia.  Questo lavoro ha radici nel percorso sull’infanzia che è stato condotto in questi anni con le scuole di Casalecchio e della Zona Culturale Bazzanese.  Spettacoli, laboratori, incontri, formazione delle insegnanti e attività culturali hanno costruito un pubblico maturo, seppur giovane, in grado di capire i linguaggi della scena contemporanea e di confrontarsi con esperienze laboratoriali di grande spessore.  Obiettivo dell’incontro è aprire un confronto tra insegnanti, genitori  e operatori sulle esperienze laboratoriali svolte in questi anni e su possibili modelli futuri.

Ore 20
MISE EN ESPACE
IQ E OX
Di Jean Claude Grumberg
Mise en espace con ombre e bambini dagli 8 ai 10 anni
a cura di Pietro Babina

Una mise en espace nata in un laboratorio fatto  con un piccolo gruppo di bambini affidato a Pietro Babina, artista residente al Teatro Testoni. Il testo di Jean Claude Grumberg è  riflessione sotto forma di fiaba sull’integralismo religioso e sui conflitti nati da un’ottusa applicazione di dogmi e restrizioni, ma il vero obiettivo di questo laboratorio è stato quello di offrire ai bambini un’esperienza formativa ad ampio raggio e un momento di collaborazione e di apprendimento del concetto di agire insieme.

Abbiamo cercato fin da subito di segnare una differenza; impiegando uno staff qualificato, offrendo ospitalità e valorizzando giovani compagnie, proponendo un progetto artistico che avesse al centro la qualità, la tradizione, l’innovazione e la formazione del pubblico.

Un progetto culturale preciso, che attraverso una costante relazione col territorio, ha inteso segnalare da subito il Teatro Testoni come un luogo di riferimento per Casalecchio, per i Comuni della Zona Culturale Bazzanese, per la città di Bologna, ma anche per l’intero territorio regionale.

Le proposte in cartellone, l’accoglienza, le attività culturali e di formazione, un intenso rapporto con le scuole e le altre Istituzioni culturali del territorio, oltre alla progressiva adesione del pubblico, ci dicono oggi che gli obiettivi che ci eravamo prefissi sono stati in buona parte raggiunti.

Vogliamo qui ringraziare innanzitutto i nostri abbonati e gli spettatori che ci hanno seguito in questi anni ma anche il Dipartimento di Arte Musica e Spettacolo dell’Università di Bologna, i docenti delle Scuole di Casalecchio e dei Comuni della Zona Culturale Bazzanese, la Fondazione Del Monte, l’Alliance Française, i Teatri del territorio  e tutti coloro che a vario titolo in questi anni hanno affiancato e sostenuto il nostro progetto artistico.

Un sentito ringraziamento va inoltre ai lavoratori impiegati presso il Teatro Testoni per il contributo fondamentale che hanno dato all’organizzazione delle attività e alla gestione complessiva della struttura e per i quali  inizia un periodo difficile che ci auguriamo duri il meno possibile.

Alla fine di questa stagione il Comune di Casalecchio avvierà i necessari lavori di ristrutturazione e predisporrà il Bando per la futura gestione; l’ auspicio di tutti è che il Teatro Testoni torni ad aprire le sue porte appena possibile, per garantire un servizio pubblico importante, in continuità col lavoro svolto, frutto anche della condivisione  e della proficua collaborazione che Ert ha avuto con il Comune di Casalecchio di Reno in questi anni.

Il Direttore
Pietro Valenti

Dal 30 aprile novità nella gestione e nella struttura del Teatro Comunale A. Testoni

Il prossimo 30 aprile scade la convenzione che lega l’Amministrazione Comunale a Emilia Romagna Teatro Fondazione per la programmazione del Teatro Comunale A. Testoni. La convenzione, secondo la normativa vigente, non può più essere rinnovata e non sono più rinviabili alcuni interventi di qualificazione del teatro per restituire alla cittadinanza e al pubblico una struttura migliore di quella avuta ad oggi.

Nei sette anni di gestione di ERT Fondazione la programmazione teatrale si è contraddistinta per la qualità dell’offerta rivolta alla nostra comunità e all’intera area metropolitana; è stata una risorsa e un punto di riferimento per lo sviluppo del sistema di Casalecchio delle Culture. Il Teatro Comunale A. Testoni è oggi un luogo di cultura aperto, plurale, partecipato, innovativo per i bambini, per le scuole, per le famiglie, per gli anziani, per le associazioni, per i tanti appassionati del buon teatro.

Per questi risultati dobbiamo ringraziare ERT Fondazione e i suoi dipendenti e collaboratori, persone, nomi e cognomi, che con professionalità e passione culturale e civile hanno lavorato in questi anni nella struttura, a contatto con il pubblico, con le compagnie, con gli artisti, con i tecnici.

L’Amministrazione Comunale, nonostante la crisi economica e i forti tagli alle risorse pubbliche per la cultura, non intende disperdere questo patrimonio teatrale, non intende rinunciare ad una programmazione di qualità, attenta ai bisogni della propria comunità, facendo però attenzione alla sostenibilità economica che i tempi difficili impongono.

Il tempo necessario per gli interventi sulla struttura verrà utilizzato al meglio per la procedura di selezione per la futura programmazione teatrale, per far sì che la chiusura del Teatro Comunale A. Testoni sia la più breve possibile. Ci auguriamo che ERT Fondazione a questa selezione voglia partecipare e dare il proprio contributo.

A tutti voi, arrivederci in Teatro!

Il Sindaco – Simone Gamberini
L’Assessore alla Cultura – Paola Parenti

nell’ambito di Face à face, parole di Francia per Scene d’Italia
un’iniziativa di Institut Français Italia, Ambassade de France en Italie

L’obiettivo di questo laboratorio, realizzato nell’ambito di Face à Face, Parole di Francia per scene d’Italia, è quello di comporre, insieme ai bambini, una mise en espace del testo IQ e OX di Jean – Claude Grumberg, riflessione sotto forma di fiaba, sull’integralismo religioso e sui conflitti nati da un’ottusa applicazione di dogmi e restrizioni.

L’obiettivo è offrire ai bambini un’esperienza formativa ad ampio raggio e un momento di collaborazione e di apprendimento del concetto di agire insieme.

Si comincia con un giro per l’edificio  teatrale: la platea, la galleria, il palco, dietro le quinte, i camerini, gli uffici, etc.  Poi, tra palco e platea, il gioco, la sperimentazione, il gioco e la relazione con gli elementi del teatro visto come macchina e come luogo pensato e costruito per manovrare e utilizzare gli elementi scenici, per raccontare una storia, per trasformare le fantasia in realtà.

IQ e OX di Jean Claude Grumberg  ha una scrittura semplice e corale così come semplice e corale sarà il lavoro con i bambini.
Si leggerà il testo collettivamente.
Si parlerà per capire quali siano gli elementi principali.
Poi si registrerà tutto il testo, facendolo leggere ai bambini.
Alla registrazione i bambini dovranno aggiungere i suoni mancanti, producendoli dal vivo, facendo i vari rumori e cercando insieme di capire come si possano creare.
Una volta fatto questo, si potrebbero creare delle scene molto semplici, mettendo i bambini dietro un telo e usando la tecnica delle ombre, la quale permetterebbe ai bambini di fare sia le figure adulte che quelle dei bambini ed anche quelle degli animali o delle piante.

Sono previsti 8 incontri:

2 aprile, ore 16,30:     passeggiata per il teatro, BUIO LUCE, APERTO CHIUSO
3 aprile, ore 16,30:    DENTRO FUORI, ALTO BASSO, LONTANO VICINO
4 aprile, ore 16,30 :     SUONO SILENZIO, PRESENZA
5 aprile, ore 16,30:      leggere e registrare
6 aprile, ore 16,30:     creare i suoni che mancano
11 aprile, ore 16,30:     provare le ombre
12 aprile, ore 16,30:      le ombre con i rumori
13 aprile, ore 20,00:      mostrare cosa si è riusciti a fare

La partecipazione al laboratorio è gratuita
Iscrizioni da lunedì 26 marzo a venerdì 30. Saranno accettati i primi 10 bambini iscritti
Per info e iscrizioni 393/3196932  e  maxsironi.andrea@gmail.com

di Carlo Lombardo e Virgilio Ranzato
Adattamento e regia  di Corrado Abbati

InScena -Compagnia Corrado Abbati

“Luna tu non sai dirmi perché? Luna tu non sai dirmi cos’è?”. Così si canta ne Il Paese dei Campanelli. Scritta e musicata dalla mitica coppia Lombardo – Ranzato, questa operetta andò in scena il 23 novembre del 1923 al Teatro Lirico di Milano. Già il giorno dopo la prima rappresentazione, mezza città fischiettava i motivi più indovinati. Ancora oggi sono in tanti a conoscere, e magari fischiettare, l’arcifamoso “Fox della Luna”, motivo che, come l’intera operetta, gode di una lunga giovinezza. Il Paese dei Campanelli è veramente un’operetta “senza tempo”, sia per la sua ambientazione, in un’Olanda da favola, sia per il consenso che continua a guadagnare.

In una immaginaria isoletta olandese esiste Il Paese dei Campanelli dove sopra ad ogni casa c’è un piccolo campanile che custodisce un campanello.
Secondo la leggenda, questi campanelli suonano ogni volta che una donna tradisce il marito : ma ciò non è mai accaduto, perché nel paese regna da tempo la tranquillità.
A seminare il disordine arriva una nave di militari, costretta all’attracco da un’avaria. I marinai scendono a terra e subito cominciano a corteggiare le graziose donne del paese e, com’è facile prevedere, accade l’inevitabile : il comandante Hans fa suonare i campanelli con Nela, moglie di Basilio, il marinaio Tom con la bella Bombon, consorte di Tarquinio ed il buffo La Gaffe, per un imperdonabile errore, con Pomerania, la donna più brutta del paese, sposa del borgomastro Attanasio.
Ma La Gaffe, il cui nome dice tutto sulle sue caratteristiche, continua a fare “gaffes” : la prima è quella di rivelare a Nela che Hans è già sposato; la seconda, e decisiva, è di far arrivare in paese, per un malaccorto scambio di telegrammi, tutte le mogli dei marinai, a cominciare da Ethel, la signora del comandante. E la storia si ripete, ma questa volta a far suonare i campanelli sono le mogli dei cadetti con i pescatori Attanasio, Basilio e Tarquinio. Dopo questa specie di pareggio, i marinai ripartono con le loro mogli e Bombon, una donna con un “passato”, non se la prende tanto. Sa bene, infatti, che non bisogna cedere all’amore dei marinai… magari le resterà solo il ricordo di una vorticosa “giava” ballata con La Gaffe mentre a Pomerania resterà il ricordo di essere “piaciuta”. La più disperata è Nela ma ben presto tornerà a sperare. Tutto come prima, dunque, ma c’è da giurare che i campanelli non suoneranno più ?

16 e 17 marzo ore 21

di Chiara Guidi e Scott Gibbons
su testi di Claudia Castellucci

con la collaborazione musicale di Eugenio Resta e Sara Masotti

e le voci dei partecipanti al Laboratorio condotto da Chiara Guidi presso il Centro Culturale Il Funaro, Pistoia(2/8 marzo 2012): Stella Addario, Samuela Bacchereti, Alessandra Battaglia, Alice Bologna, Alessandro Cafiso,Federico Calistri, Guia Camarri, Marialuisa Capurso, Chiara Causa, Agnese Donati, Massimo Finelli, Fabrizia Frizzo, Alice Keller, Lucia Mazzoncini, Alema Morelli, Pius Moser, Loredana Scianna, Anna Unterberger,

fonica di Marco Canali
Sartoria: Carmen Castellucci
Produzione: Socìetas Raffaello Sanzio – Emilia Romagna Teatro Fondazione

Il madrigale è una forma classica di componimento poetico e musicale, mutata nel tempo nel numero di voci e nei temi trattati, che ha mantenuto però in ogni epoca il collegamento con l’espressione del sentimento, restituito attraverso l’intreccio tra suoni e parole già presente nei primi madrigali del ‘300.

Con Madrigale appena narrabile Chiara Guidi crea una nuova forma di madrigale, una forma contemporanea che contiene il nostro tempo e le parole che lo nominano.

L’opera nasce dalla fusione tra una narrazione esile, breve, a ridosso del silenzio, che racconta dell’incontro fortuito con un cane, e una partitura sonora che la accerchia, la trattiene e la interrompe, per restituirla in tutta la sua vivezza sinfonica.

8 – 9 marzo, ore 9.30 e 10.45

testo di Marina Allegri
regia di Maurizio Bercini

con Ilaria Commisso, Francesca Grisenti, Paolo Codognola
scene e pupazzi di Maurizio Bercini, Donatello Galloni, Ilaria Commisso
costumi di Giuseppina Fabbi
musiche originali suonate dal vivo di Paolo Codognola
video di Giacomo Agnetti e Ilaria Commisso
voce fuori campo di Alberto Branca

Nel libro “La storia di Pik Badaluk” si racconta una storia molto semplice, la storia del bambino Pik che apre il cancello del recinto, scappa dall’orto di casa e si trova in mezzo ai pericoli della foresta. Viene inseguito dal leone e si rifugia…sopra un albero di mele!
L’Africa di Pik è un paese di fantasia: inutile cercare il Politically correct.  E’ un’Africa molto ingenua, più immaginata che conosciuta. Grete Meuche, autrice del libro pubblicato per la prima volta  nel 1922, scrisse questa storia con quello sguardo ingenuo  che ben si coniuga con lo stupore infantile verso un popolo ed un paese lontano ed assai differente, pronto forse  ad essere esplorato e conosciuto dietro le finestre delle nostre cucine.  L’idea di Africa è assolutamente fantastica: al posto della savana, Pik trova un albero di mele dove rifugiarsi per sfuggire al leone, come se dall’orto di la casa o dalla finestra della cucina entrassero all’improvviso i profumi ed i misteri delle foreste africane.
Per aiutare questo sogno collettivo di Africa ad occhi aperti, lo spettacolo utilizza pupazzi, immagini animate,  musiche dal vivo, un testo scarno ed essenziale, tante canzoni … per  far tornare giocosa e privata la scoperta di ciò che è “diverso da se”, nel bene e nel male.

Sarà possibile seguire la diretta su:

www.teatrocasalecchio.it

eco.pietrobabina.net/Eco/streaming.html

www.romaeuropa.net

Lo streaming seguirà i seguenti orari:

lunedì 12 dalle h.15 alle 18

martedì 13 dalle h.18 alle 21

mercoledì 14 marzo dalle 18 alle 21

Vi ricordiamo inoltre che E-C-O va in onda ogni sabato e domenica alle ore 19.30 e 00.30 su Lepida TV (canale 118 del digitale terrestre in Emilia Romagna).

di Molière
ideazione Marco Martinelli e Ermanna Montanari

traduzione Cesare Garboli
musiche originali Davide Sacco

in scena Loredana Antonelli, Alessandro Argnani, Luigi Dadina, Laura Dondoli, Luca Fagioli, Roberto Magnani, Michela Marangoni, Ermanna Montanari, Alice Protto, Massimiliano Rassu, Laura Redaelli

regia Marco Martinelli

produzione Ravenna Teatro in collaborazione con AMAT (Associazione Marchigiana Attività Teatrali) e ERT (Emilia Romagna Teatro Fondazione)

Il regista Marco Martinelli porta in scena “la più tragica delle commedie di Molière”: L’Avaro. La veste nera e priva di fronzoli di Arpagone (costume usato già nel 1668 da Molière stesso) è il simbolo del clima che si respira in una casa dove tutti spiano tutti, vivendo con la speranza di riuscire ad ottenere lo scettro del potere che detiene l’avaro capofamiglia, per prendere il suo posto e diventare così uguali a lui. Il denaro, pur essendo l’oggetto della commedia, non è presente sulla scena, è un fantasma impalpabile che gira tra uomini.

L’universo costituito dai personaggi di questa commedia nera mostra un’umanità che ha dei tratti negativi intrinseci al proprio carattere e che porta avanti la propria battaglia per il successo personale fino alla felice conclusione d’obbligo, la quale assomiglia molto alla finta realtà che ci propone la televisione dei nostri giorni.

Il legame con l’attualità è molto forte: Arpagone, il cui nome è etimologicamente legato alla rapacità di certi uccelli, rispecchia l’avidità che ci appartiene come società (quanti sono gli Avari del nostro mondo Occidentale?) e come individui. Ermanna Montanari, tre volte vincitrice del premio Ubu come miglior attrice, usa la sua voce inconfondibile per giocare con suoni bassi e amplificati, dando vita ad una trama fonica evocativa che rende “la voce del padrone” in tutta la sua autorevolezza. Il fatto che Arpagone sia interpretato da una donna non deve stupire: l’identità sessuale del personaggio è secondaria e dunque non è rimarcata da travestimenti fisici o vocali. Questa scelta inoltre permette di elevare il vizio del protagonista ad una dimensione tragica prima che comica e contemporaneamente di suggerire, come ha affermato la stessa Montanari, che l’avarizia ha tratti femminili, essendo intrinsecamente legata ad una dimensione di possesso e di controllo totale.

Dal punto di vista drammaturgico, lo spettacolo rispetta il testo nella traduzione di Cesare Garboli, con piccoli tagli, ma ne rende attuale la durata, velocizzandola con l’abolizione della divisione in atti. Il livello metateatrale si gioca soprattutto sulla duplicità fra recitazione teatrale e ripresa cinematografica, come in una moltiplicazione della costrizione a guardare e farsi guardare, e trova la sua naturale conclusione con l’ingresso finale in scena del regista, al quale è affidato il compito di guidare l’agnizione finale e di chiudere lo spettacolo.

Poesie, storie e canzoni di Ferruccio Filipazzi e Giusi Quarenghi
Immagini di sabbia Massimo Ottoni

Scene Giulia Bonaldi
Regia, progetto luci Piera Rossi

Uno spettacolo di poesia che racconta visioni, emozioni e pensieri di un bambino. Un bambino che si muove dentro una costellazione di canzoni e poesie, passando dall′uno all′altro come fossero sassi su cui poggiare i piedi verso il proprio futuro.
Nel buio e nel silenzio, come a proporre una sorta di vuoto e di svuotamento, la voce dell′attore porta le parole a prendere la forma di brevi racconti fatti di canzoni e poesie che Massimo Ottoni rende ancora più evocativi con le sue immagini di sabbia, realizzate in diretta e proiettate su di un grande schermo che arricchisce il centro della scena.
La poesia, le parole della poesia per raccontare i sentimenti del vivere nella stagione in cui  si è più vicini alla terra e allo stesso tempo più portati ad aprire gli occhi e ad alzare lo sguardo: la stagione dell′esistenza bambina.Uno spettacolo di poesia per i bambini, in parallelo al loro percorso di apprendimento linguistico ed emotivo, e alla ricerca di un modo di esprimersi e di comunicare sottratti alla distrazione e al consumo di modelli preconfezionati.Uno spettacolo di poesia per i bambini, in parallelo al loro percorso di apprendimento linguistico ed emotivo, e alla ricerca di un modo di esprimersi e di comunicare sottratti alla distrazione e al consumo di modelli preconfezionati.

12 e 13 marzo ore 10

testo e regia di Francesca Cavallo

con Renato Avallone, Elisa Bottiglieri e Marco Ripoldi

Fascia d’età: dai 13 anni
Tecnica utilizzata: teatro d’attore
Durata: 70 minuti

La compagnia Kilodrammi porta in scena tre sedicenni diversi tra loro, ma uniti dalle circostanze: Nerone sequestra la scuola, Erri è il suo ostaggio e Lucia è bloccata con loro, suo malgrado, perché non è riuscita a uscire dalla scuola, dato che i compagni l’avevano rinchiusa nel bagno della palestra. L’esperienza porterà i giovani ad una reciproca conoscenza, ma la loro voglia di cambiare la realtà si trasformerà in tragedia. Somari è un testo che vuole indagare il mondo dell’adolescenza e della scuola senza cadere in semplificazioni di comodo.

Il terreno su cui si muovono gli adolescenti è quello che possono toccare e che li può toccare. A sedici anni ci si sente al centro del mondo e la propria sofferenza è diversa da quella di chiunque altro, mentre la propria rabbia è rivolta verso cose che nessun altro ha capito. Per questo motivo il loro mondo è visto come irritante da chi ne è fuori e come misterioso da chi lo vive: i tre giovani attori realizzano uno spettacolo dedicato a quanti hanno sedici anni oggi nel nostro Paese, vittime di una società che non prospetta per loro alcun futuro.

La forza della drammaturgia di Francesca Cavallo risiede nella capacità di non cadere in un’analisi dell’adolescenza che parta da un’ideologia, dall’idea di un adolescente arrabbiato, vandalo, disadattato: l’osservazione dei protagonisti è portata avanti invece come se si dovesse scoprire di quale rivoluzione essi siano portatori e che tempi stiano preparando.

Somari si è imposto all’attenzione di critici e pubblico ed è risultato finalista al premio Scenario Infanzia 2010 prima di vincere l’anno successivo la menzione speciale del premio Hystrio per le scritture di scena under 35.

Inseriamo qui di seguito la scheda e foto dello spettacolo

PIK BADALUK una favola in musica

testo di Marina Allegri
regia di Maurizio Bercini

con Ilaria Commisso, Francesca Grisenti, Paolo Codognola
scene e pupazzi di Maurizio Bercini, Donatello Galloni, Ilaria Commisso
musiche originali suonate dal vivo di Paolo Codognola
video di Giacomo Agnetti e Ilaria Commisso
voce fuori campo di Alberto Branca

Nel libro “La storia di Pik Badaluk” si racconta una storia molto semplice, la storia del bambino Pik che apre il cancello del recinto, scappa dall’orto di casa e si trova in mezzo ai pericoli della foresta. Viene inseguito dal leone e si rifugia…sopra un albero di mele!

L’Africa di Pik è un paese di fantasia: inutile cercare il Politically correct.  E’ un’Africa molto ingenua, più immaginata che conosciuta. Grete Meuche, autrice del libro pubblicato per la prima volta  nel 1922, scrisse questa storia con quello sguardo ingenuo  che ben si coniuga con lo stupore infantile verso un popolo ed un paese lontano ed assai differente, pronto forse  ad essere esplorato e conosciuto dietro le finestre delle nostre cucine.  L’idea di Africa è assolutamente fantastica: al posto della savana, Pik trova un albero di mele dove rifugiarsi per sfuggire al leone, come se dall’orto di la casa o dalla finestra della cucina entrassero all’improvviso i profumi ed i misteri delle foreste africane.

Per aiutare questo sogno collettivo di Africa ad occhi aperti, lo spettacolo utilizza pupazzi, immagini animate,  musiche dal vivo, un testo scarno ed essenziale, tante canzoni … per  far tornare giocosa e privata la scoperta di ciò che è “diverso da se”, nel bene e nel male.

Written by Paddy Cunneen

Directed by Laura Pasetti

Traduzione Babel’s Sisters

Spettacolo in lingua inglese

Fascia d’età: dai 13 anni

Tecnica utilizzata: teatro d’attore

Durata: 70 minuti

Un ragazzo di un quartiere popolare, dopo aver saputo che il suo migliore amico è stato accoltellato, si unisce ad una banda di strada. Per rabbia, per vendetta, per noia o per disperazione, la violenza ha la meglio su di lui e lo porta a commettere un gesto le cui conseguenze saranno disastrose. Durante una delle “uscite” della banda, uccide uno studente.  Prova l’ebbrezza di avere, per un istante, la vita di un altro tra le sue mani; quell’istante segnerà la sua vita, e quella della famiglia della sua vittima, per sempre. Ispirato all’Iliade e basato sulla “cultura dei coltelli” così diffusa nella città di Glasgow, Gang è un testo di drammaturgia contemporanea che utilizza la forma della tragedia greca per raccontare un tema di grande attualità.

Intorno allo spettacolo verranno costruite una serie di attività culturali, per approfondire nelle classi il tema del bullismo. In particolare i ragazzi saranno invitati a scrivere un monologo sotto forma di  lettera scritta al protagonista. Le lettere migliori saranno pubblicate sul sito dello spettacolo e del teatro ospitante e, se ci saranno le condizioni, lette dagli attori al termine dello spettacolo.

22 – 23 febbraio ore 10

di e con Daria Paoletta e Raffaele Scarimboli

Compagnia Burambò

spettacolo per attori e burattini in baracca su nero

Tecnica utilizzata: marionette da tavolo, burattini ed attore

Fascia d’età: 5 – 10 anni

Durata spettacolo: 60 minuti

‘Secondo Pinocchio’ offre al burattino di legno la possibilità di vivere una vita tutta sua all’interno della storia più conosciuta del mondo. Pinocchio racconta Pinocchio attraverso sé stesso. In scena, infatti, ce ne saranno due a vivere le vicende che si susseguono. Un Pinocchio nudo, quasi primordiale, pare scorrere nella storia in modo inconsapevole, protagonista di fatti decisi e scritti da altri. Un altro, invece, vive un tempo altro, un tempo che precede e supera quello dello spettacolo stesso. Il secondo Pinocchio sembra animato di vita propria e, attraverso il rapporto che è capace d’instaurare con i due animatori alle sue spalle, all’interno della baracca, decide volta per volta il da farsi. Il piccolo burattino incarna o meglio, si dovrebbe dire inlegna, l’esistenza fatta di ossessioni, paure, sogni e desideri. In uno spazio scenico neutro, burattini ed oggetti si animano a vista senza trucchi e senza inganni, rivelando a pieno il mondo della fantasia.