Siccome non vogliamo vedere i nostri spettatori arrivare assiderati a teatro, CAUSA NEVE la commedia dialettale LONG A L’ERZEN ED SEVNA della compagnai Al NostarDialett è rimandata al 14 e 15 aprile. I biglietti acquistati saranno validi per il recupero. Comunichiamo inoltre che a causa della chiusura delle scuole il 6 febbraio, per l’ordinanza del Sindaco di Casalecchio, sarà rimandato anche lo spettacolo ROBIN HOOD della Compagnia Armamaxa a venerdì 10 febbraio ore 10

E’ prevista la normale riapertura venerdì dalle 16,00 alle 19.

Ogni eventuale modifica verrà comunicata

Socìetas Raffaello Sanzio
Ideazione e regia: Romeo Castellucci
Musica originale: Scott Gibbons
Con: Gianni Plazzi, Sergio Scarlatella
insieme a Dario Boldrini, Vito Matera e Silvano Voltolina
Collaborazione all’allestimento: Giacomo Strada
Realizzazione oggetti: Istvan Zimmermann, Giovanna Amoroso
Tecnica del suono: Marco Canali, Matteo Braglia
Luci: Fabio Berselli, Luciano Trebbi
Attrezzeria: Vito Matera
Organizzazione: Gilda Biasini, Benedetta Briglia, Cosetta Nicolini
Amministrazione: Michela Medri, Elisa Bruno, Simona Barducci
Consulenza & Progettazione: Massimiliano Coli

Durata 60 min. circa

Produttore Esecutivo: Societas Raffaello Sanzio
in Coproduzione con: Theater der Welt 2010  deSingel international arts campus / Antwerp Théâtre National de Bretagne / Rennes The National Theatre / Oslo Norway
Barbican London and SPILL Festival of Performance  Chekhov International Theatre Festival / Moscow Holland Festival / Amsterdam;  Athens Festival GREC 2011 Festival de Barcelona  Festival d’Avignon  International Theatre Festival DIALOG Wroclav / Poland  BITEF (Belgrade International Theatre Festival) spielzeit’europa I Berliner Festspiele/  Théâtre de la Ville–Paris/ Romaeuropa Festival  Theatre festival /SPIELART München (Spielmotor München e.V.) Le-Maillon, Théâtre de Strasbourg / Scène Européenne  TAP Théâtre Auditorium de Poitiers- Scène Nationale Peak Performances @ Montclair State-USA
In collaborazione con Centrale Fies/Dro

L’attività generale della Socìetas Raffaello Sanzio è sostenuta dalle seguenti Istituzioni italiane: Ministero per i Beni e le Attività Culturali; Regione Emilia Romagna; Comune di Cesena.

Questo spettacolo nasce dalla considerazione dell’odierna ed estrema solitudine del Volto di Gesù.

Questo spettacolo vuole essere una riflessione sulla difficoltà del 4° comandamento se preso alla lettera. Onora il padre e la madre.
Un figlio, nonostante tutto, si prende cura del proprio padre, della sua incontinenza, del suo crollo fisico e morale. Crede, senza conoscerlo, in questo comandamento. Fino in fondo. Fino in fondo il figlio sopporta quella che sembra essere l’unica eredità del proprio padre. Le sue feci. E così come il padre anche il figlio sembra svuotarsi del proprio essere. La kenosis troppo umana di fronte a quella divina.

Questo spettacolo è una riflessione sul decadimento della bellezza, sul mistero della fine. Gli escrementi di cui si sporca il vecchio padre incontinente non sono altro che la metafora del martirio umano come condizione ultima e reale. Gli escrementi rappresentano la realtà ultima della creatura, ma anche il vocabolario quotidiano del linguaggio d’amore che il figlio porta al proprio padre.

Questo spettacolo mostra sullo sfondo il grande volto del Salvator Mundi dipinto da Antonello da Messina. Tutto lo svolgimento della scena non è che un piano-sequenza molto semplice che descrive tutti i tentativi del figlio di pulire e ridare dignità al vecchio genitore. Invano. Gesù, il Salvator Mundi, è il testimone muto del fallimento del figlio.

Questo spettacolo ha scelto proprio il dipinto di Antonello a causa dello sguardo che il pittore ha saputo imprimere all’espressione ineffabile del volto di Gesù.  Questo sguardo è in grado di guardare direttamente negli occhi ciascuno spettatore. Lo spettatore guarda lo svolgersi della scena ma è a sua volta continuamente guardato dal volto. Questa economia dello sguardo obbliga,  perché interroga, la coscienza di ciascuno spettatore come spettatore. Il Figlio dell’uomo, messo a nudo dagli uomini, mette a nudo noi, ora. Questo ritratto di Antonello cessa di essere un dipinto per farsi specchio.

Questo spettacolo, quando le condizioni tecniche lo rendono possibile,  vede l’ingresso di un gruppo di bambini. Entrano in scena con le loro cartelle di scuola che svuotano presto del loro contenuto: si tratta di granate giocattolo. Uno a uno cominciano a lanciare queste bombe sul ritratto. E’ un crescendo. Ad ogni colpo corrisponde un frastuono. Nel climax delle deflagrazioni, imitanti degli autentici colpi di cannone, nasce dapprima una voce che sussurra il nome di Gesù, poi si moltiplicano fino a diventare tante e tutte ripetono quel nome. Poi, sul finire dell’azione e come fosse il prodotto di quei colpi, nasce un canto: il “Gloria Patri – Omnis Una” di Sisak. I colpi delle bombe diventano la musica del suo nome. In questa scena non ci sono adulti. Ci sono innocenti contro un innocente. La violenza rimane nel gesto adulto mentre l’intenzione è quella del bambino che vuole l’attenzione del genitore distratto. Il bambino ha fame, come si dice nel salmo 88: Dio non nascondermi il tuo Volto.

Questo spettacolo, quando le condizioni tecniche di ciascuna sala teatrale lo rendono possibile, prevede in un momento l’uso dell’odore di ammoniaca. L’ammoniaca, come si sa, è l’ultima trasformazione possibile,  l’ultima fattuale transustanziazione dell’uomo, l’ultima esalazione del corpo umano nella morte: le spoglie dell’uomo si trasformano in gas, in aureola. Il “profumo” dell’uomo. Il suo saluto alla terra.

Questo spettacolo – come tutto il Teatro Occidentale che trova fondamento nella problematica bellezza della Tragedia greca – obbedisce alle sue stesse regole retoriche:
è antifrastico, utilizza cioè l’elemento estraneo e violento per veicolare il significato contrario.  La violenza qui significa, omeopaticamente, la ricerca e il bisogno di contatto umano; così come allo stesso modo un bacio può significare tradimento. La lezione della Tragedia attica consiste in questo: fare un passo indietro: rendersi disumani per potere meglio comprendere l’umana fragilità.

Questo spettacolo nasce come un getto diretto delle e dalle Sacre Scritture. Il libro dell’Ecclesiaste, la Teodicea del Libro di Giobbe, il salmo 22, il salmo 23, i Vangeli. Il libro della Tragedia appoggiato su quello della Bibbia.

Questo spettacolo mostra, nel suo finale, dell’inchiostro nero che emana – achiropita, non per mano d’uomo – dal ritratto del Cristo. Tutto l’inchiostro delle sacre scritture qui pare sciogliersi di colpo, rivelando un’ icona ulteriore: quella che scavalca ogni immagine e che ci consegna un luogo vuoto.

Questo spettacolo mostra la tela del dipinto che viene lacerata come una membrana, come un sideramento dell’immagine. Un campo vuoto e nero in cui campeggia luminosa una scritta di luce, scavata nelle tavole del supporto del ritratto: Tu sei il mio pastore. E’ la celebre frase del salmo 23 di Davide. La scrittura della Bibbia ha perso il suo inchiostro per essere espressa in forma luminosa. Ma ecco che quando si accendono le luci in sala si può intravedere un’altra piccola parola che si insinua tra le altre, dipinta in grigio e quasi inintelligibile: un non, in modo tale che l’intera frase si possa leggere nel seguente modo: Tu non sei il mio pastore. La frase di Davide si trasforma così per un attimo nel dubbio. Tu sei o non sei il mio Pastore? Il dubbio di Gesù sulla croce Dio perché mi hai abbandonato? espresso dalle parole stesse del salmo 22 del Re Davide. Questa sospensione, questo salto della frase, racchiude il nucleo della fede come dubbio, come luce. E allo stesso tempo è sempre lei, la stessa domanda: essere o non essere? O piuttosto: essere E non essere.

Questo spettacolo è una bestemmia, come la croce è bestemmia romana, come la corona di spine è bestemmia romana, come Gesù condannato, perché ha bestemmiato. Nel libro dell’Esodo la sola  pronuncia del nome di JHWH è bestemmia. Dante scrive una bestemmia nel canto XXV dell’Inferno. Venerare il volto di Cristo nelle icone era bestemmia e idolatria per i cristiani bizantini prima del Concilio di Nicea. Galileo bestemmia quando dice che la terra gira intorno al sole. Vedere il proprio padre perdere le feci per casa, in cucina, in salotto è bestemmia.

Questo spettacolo non è esatto, questo spettacolo è merda d’artista.

16 gennaio 2012
Romeo Castellucci, Socìetas Raffaello Sanzio

progetto ed elaborazione drammaturgica di Elena Bucci e Marco Sgrosso
regia di Elena Bucci

con la collaborazione di Marco Sgrosso

con Elena Bucci , Marco Sgrosso, Daniela Alfonso, Maurizio Cardillo, Nicoletta Fabbri, Filippo Pagotto, Gabriele Paolocà

disegno luci Maurizio Viani
suono e sensori Raffaele Bassetti

una produzione CTB Teatro Stabile di Brescia
in collaborazione con
LE BELLE BANDIERE
e con il sostegno del Comune di Russi

In uno spazio severo ed impietoso verso le imprecisioni come il rigido ideale di buon governo di Creonte, il Coro – testimone e giudice – si muove come un corpo di ballo al ritmo di una tessitura sonora che avvolge anche il pubblico. Sono tutti presenti alla veglia per la scelta estrema di Antigone, ombra inquieta in questo spazio tagliato da lampi di luce, alla veglia per il corpo di Polinice, riflesso insanguinato sui volti dei vivi, alla veglia per un’antica identità quasi dimenticata.
Una fila di sedie e cinque piccoli scranni determinano di volta in volta la divisione degli spazi e scandiscono il tempo dell’ascolto e quello del canto, come in una sospensione da concerto l’aspettativa da brivido degli strumenti che si accordano allude alla musica che seguirà.
Nei tagli e nei riflessi della luce – che denunciano l’impossibilità di fare brillare quella del Sole, più volte evocata nelle parole e nelle preghiere –  le rovine di una città antica commuovono più della loro ricostruzione. Il Coro percorre un vuoto che tenta di  ricomporre le più diverse visioni dell’antico dal quale veniamo e che più non riconosciamo.

Quando tutto è compiuto, risuonano come un balsamo le parole di Sofocle che invocano la saggezza, porta della felicità a tutti aperta.

LA BELLA ADDORMENTATA

tratto da “Rosaspina” dei fratelli Grimm

con Filomena De Leo, Daniele Lasorsa, Raffaella Giancipoli, Bruno Soriato, Annabella Tedone

Regia e scene Michelangelo Campanale
Drammaturgia Katia Scarimbolo
Compagnia La luna nel letto

dai 4 anni

E’ bello, prima di addormentarsi, giocare sotto le coperte e con i cuscini, o raccontarsi delle storie: in scena  cinque ragazzi indecisi su quale storia raccontare. Ma all’improvviso il sonno prende il sopravvento su Rosa e fa partire il gioco:  intorno al grande letto il tempo si sospende, la magia del sogno entra dolcemente nella scena, annulla i confini tra il racconto e la realtà, la fanciulla  si trasforma in principessa e  i suoi compagni, fingendosi protagonisti della storia,  la accompagnano, in un vortice di immagini, risate ed emozioni, nella  sua fabia preferita: “.La bella addormentata nel bosco” .
Lo spettacolo nasce  da dieci anni di esperienza diretta con i bambini, attraverso il gioco, l’animazione teatrale e le letture animate. Nei laboratori abbiamo esplorato l’immaginario infantile, la dimensione fantastica attraverso la quale i bambini si relazionano al mondo. Abbiamo esplorato il mondo onirico, giocando a sognare ad occhi chiusi e ad occhi aperti e il sogno dei bambini ci ha fatto riscoprire la fiaba di Rosaspina.
Con i bambini ci siamo detti: “…allora Rosaspina sogna per cento anni? E come sono i suoi sogni?come trascorrono cento anni di sogni?”

Dopo lo spettacolo MERENDA IN COMPAGNIA in collaborazione con

adattamento teatrale Nicola Lusuardi
regia Fabrizio Montecchi

produzione Teatro Gioco Vita – Teatro Stabile D’Innovazione
Chien Bleu, Nadja © L’Ecole des Loisirs – Paris

dai 3 anni
teatro d’attore e ombre

Quale bambino non ha mai sognato d’avere un cane che dorme con lui, che veglia su di lui e lo protegge? Cane Blu non è un cane come gli altri. Arriva da un dove che non si sa dov’è e da un tempo che sembra senza tempo. Questo lo rende libero, potente e misterioso. Ma Cane Blu è anche docile e mansueto e questo ne fa il protettore, l’amico, il confidente di Carlotta. Tra Cane Blu e la bambina nasce un’amicizia segreta, fatta soprattutto di silenzi e tenerezze, interrotta solo dalla madre che, una volta scoperto il legame tra i due, impedisce alla bambina di accoglierlo e di frequentarlo. Ma Cane Blu continua a vegliare su Carlotta e nel momento del pericolo la salva, difendendola dall’attacco dello Spirito del bosco nel quale la bambina si era persa.
Questa storia, all’apparenza semplice e lineare, è in realtà pervasa da qualcosa di grande e misterioso che la rende ricca di pathos e di tensione. Cane Blu ci racconta l’universo più intimo e contrastato del bambino e del “fantastico” che si fa presenza quotidiana, che s’insinua nelle nostre vite e ci accompagna in momenti importanti della nostra esistenza.
Con questa produzione Teatro Gioco Vita continua il suo viaggio nel mondo del libro illustrato per bambini scegliendo un’autrice connotata per l’originalità dei suoi temi e delle sue illustrazioni. L’opera di Nadja rappresenta sicuramente un’ulteriore occasione per evolvere il proprio linguaggio delle ombre e sviluppare nuove forme rappresenta¬tive ed espressive per il pubblico dei più piccoli.

E dopo lo spettacolo MERENDA IN COMPAGNIA con collaborazione con

La rivolta, la politica, il teatro le parole chiave di questo incontro tra i fondatori di Motus Enrico Casagrande e Daniela Nicolò con gli studiosi Cristina Valenti e Fabio Acca.  Rivolta, politica e teatro ma non solo.  L’incontro, infatti, sarà aperto agli stimoli e ai contenuti che si dipaneranno nel corso della conversazione, non a caso ospitata al Teatro Polivalente Occupato.  Obiettivo di fondo è dare più spazio possibile a degli artisti, che, proprio a partire da Alexis, hanno inaugurato un percorso per molti aspetti imprevedibile, eppure – a ben vedere – del tutto interno alla loro storia.

TPO – Teatro Polivalente Occupato

via Casarini 17/5

Bologna

di Enrico Casagrande e Daniela Nicolò
con Silvia Calderoni, Vladimir Aleksic, Benno Steinegger,
Alexandra Sarantopoulou

e la collaborazione di Michalis Traitsis, Giorgina Pilozzi assistenza alla regia Nicolas Lehnebach

drammaturgia Daniela Nicolò

editing video Enrico Casagrande
fonica e interventi sonori Andrea Comandini
brano musicale Pyrovolismos sto prosopo di The boy
in video compaiono Nikos del Centro Libertario Nosotros,
Stavros del gruppo musicale Deux ex machina
luci e scena Enrico Casagrande e Daniela Nicolò
direzione tecnica Valeria Foti

relazioni pubbliche e stampa Sandra Angelini, Coralba Marrocco
organizzazione e logistica Elisa Bartolucci, Valentina Zangari
amministrazione Elisa Bartolucci con la collaborazione di Cronopios

Produzione Motus, ERT Emilia Romagna Teatro Fondazione, Espace Malraux – Scène Nationale de Chambéry et de la Savoie – CARTA BIANCA, programme Alcotra coopération France Italie, Théâtre National de Bretagne/Rennes e il Festival delle Colline Torinesi con il sostegno di Provincia di Rimini, Regione Emilia-Romagna e MiBAC.

Preceduto da tre Contest, – Let the Sunshine In, Too Late! e Iovadovia – performance in forma di incontri/dialoghi, Alexis. Una tragedia greca è la quarta parte di un progetto artistico dal titolo Syrma Antigónes, che i Motus hanno avviato nel 2009.
Sulle tracce della figura di Antigone, il progetto di Motus continua a farsi corpo, in una riflessione in cui la figura dell’antica eroina greca, archetipo di lotta e resistenza, diventa occasione di riflettere sulle urgenze dei giorni nostri ambientandone l’azione scenica in un contesto contemporaneo di guerriglia urbana.
L’evento scatenante è la morte di Alexandros-Andreas Grigoropoulos, Alexis, quindicenne di Atene, ucciso nel 2008 da un colpo di pistola esploso dall’agente di polizia Epanimondas Korkoneas. Alexis, vittima della rivolta, è diventato una nuova icona ribelle della gioventù greca. Molti adolescenti, dopo la morte del ragazzo, sono scesi nelle strade per esprimere la loro indignazione e hanno manifestato a lungo il loro disagio, portando con sé la rabbia accumulata da tempo per la crescente condizione di emarginazione in cui vivono, realtà resa ancora più urgente dalla situazione di grave crisi economica che attanaglia la Grecia di oggi. Con un approccio diretto e documentario alla realtà i Motus presentano uno spettacolo composto da materiali eterogenei raccolti durante una residenza nel quartiere Exarchia di Atene, luogo in cui il tragico evento è occorso.
Un vero e proprio lavoro sul campo che ha prodotto dialoghi, interviste, frammenti audio e video, testimonianze,  Alexis traccia la sua drammaturgia nel segno di questa precisa e dettagliata ricerca che cerca di rispondere alla domanda “come trasformare l’indignazione in azione?

Giovedì 19 gennaio alle 17 Incontro con i Motus. Per maggiori informazioni clicca qui

BAROKTHEGREAT

Annuncia

UN’AUDIZIONE PER LA SELEZIONE DI DANZATORI in vista della nuova produzione 2012 co-diretta dalla coreografa Sonia Brunelli e dalla musicista Leila Gharib, spettacolo creato grazie all’Accordo GECO 2 Giovani Evoluti e Consapevoli – Presidenza del Consiglio dei Ministri – Dipartimento della Gioventù – Regione Emilia-Romagna, realizzato da Emilia Romagna Teatro in collaborazione con XING.

CONDIZIONI:
La selezione dei danzatori avverrà in seguito a una giornata di lavoro a cui potranno partecipare giovani con un’età compresa tra i 18 e i 28 anni diplomati presso Istituti, Scuole, Accademie di danza, o che hanno maturato un percorso autonomo nelle arti sceniche come danzatori o performer. L’audizione si svolgerà il 24 gennaio 2012 dalle ore 11 presso il Teatro Comunale A. Testoni in P.zza del Popolo 1 – Casalecchio di Reno (Bologna).

AMMISSIONE ALL’AUDIZIONE:
I candidati devono compilare e inviare la domanda di partecipazione allegata obbligatoriamente entro e non oltre il 20 gennaio 2012 all’indirizzo e-mail: produzione2@emiliaromagnateatro.com (indicando nell’oggetto “audizione”).
DOMANDA DI PARTECIPAZIONE:

allegare n°1 FOTOGRAFIA A CORPO INTERO
NOME/COGNOME ……………………………
DATA DI NASCITA …………………………
RESIDENZA ATTUALE…………………………………
TELEFONO CELLULARE.……………………………………
E- MAIL…………………………………………………
SESSO………………….
ALTEZZA………………………..
PESO FORMA……………………
TITOLO DI STUDIO DI FORMAZIONE COREUTICA…………………………
ALTRI CORSI (sport, danza, arti sceniche)…………………………….
WEBSITE………………………

Ai candidati verrà confermata l’ammissione entro il 21 gennaio 2012.

Musical di Cole Porter
Adattamento e Regia Corrado Abbati

Scene Stefano Maccarini
Costumi Artemio Cabassi
Coreografie Giada Bardelli
Direzione Musicale Marco Fiorini

prima edizione originale in italiano

Divertimento ed emozioni, echi cinematografici e di Broadway per Can Can il musical che accende la voglia di ridere, cantare e ballare sulle famosissime musiche di Cole Porter, molte delle quali sono nella memoria di tutti: chi non ricorda la sua “Night and day”. La grande popolarità di questo “classico” si deve anche al successo del film che ne venne tratto con un cast d’eccezione: Frank Sinatra, Maurice Chevalier e Shirley MacLaine. Dietro il film, come spesso accade,  uno spettacolo di altrettanto successo: Can Can al suo debutto  a Broadway  è rimasto in scena ininterrottamente per 5 anni. Una sferzata di buon umore si potrebbe indicare come il motore di questa edizione che è la prima in Italia a fare riferimento all’originale di Broadway, dove la storia del Can Can è raccontata fra sontuose ambientazioni, magnifici costumi, scene di danza mozzafiato ed una musica a dir poco geniale. A differenza del film, che aveva privilegiato la commedia, qui la musica è restituita alla sua  integrale espressione creando ritmo, allegria e quel tanto di sentimento che riverbera su tutto lo spettacolo, rendendolo trascinante ed energico come una galoppata di can can .

Sinossi

A Parigi, in piena Belle Epoque, trionfa una nuova travolgente danza : il can can. Purtroppo però ” l’indecente ” can can viene ben presto proibito perché danza concepita per incendiare menti, animo e intime fibre di chi vi assiste. Ciò non impedisce alla proprietaria di un caffè di metterlo comunque in scena, con grande gioia dei suoi clienti. La donna può permettersi di ignorare la legge grazie alla sua amicizia con un disinibito giudice. Drastici cambiamenti sono però all’orizzonte allorché un giovane e intransigente giudice decide di porre fine a questa scandalosa situazione. Quello che il giudice non sa è che il divertimento è appena cominciato: un girotondo di esilaranti equivoci coinvolgono una serie di pittoreschi e simpatici personaggi sino all’immancabile lieto fine.

giovedì 12 gennaio alle 21

CAN CAN

di Cole Porter

Compagnia Corrado Abbati

Per festeggiare i 20 anni di rassegne dialettali, serata straordinaria di Andrea Mingardi

accompagnato dal  M° Maurizio Tirelli e con Bruno Farinelli (batteria), Corrado Cacciaguerra (chitarra), Giacomo da Ross (basso), Vanessa Vaccari (Coro)

Biglietto unico 15 €

Teatro delle Albe

di Marco Martinelli

ideazione Marco Martinelli, Ermanna Montanari

regia Marco Martinelli

in scena Alessandro Renda

musiche originali eseguite dal vivo Fratelli Mancuso

spazio, luci, costumi Ermanna Montanari, Enrico Isola

direzione tecnica Enrico Isola

ringraziamenti Tahar Lamri, Gabriele del Grande, Fabrizio Gatti, Francesco Sferlazzo, Antonino Cusumano, Goffredo Fofi, Piera Buscarino, Rosalba Ruggeri, Vincenzo Renda, Marco Carsetti – Associazione Asinitas, Rome, Padre Francesco Fiorino – Fondazione San Vito Onlus di Mazara del Vallo, B.O. Service, W.M. Service

coproduzione Ravenna Festival, Teatro delle Albe-Ravenna Teatro, “Circuito del Mito” della Regione Siciliana, Sensi Contemporanei col patrocinio di Teatro delle Albe opera in Ravenna Teatro.

Un monologo dallo humor nero che racconta i viaggi da una sponda all’altra del Mediterraneo. A raccontare gli uomini, le donne e i bambini che affollano le carrette del mare è uno strano essere, un generale al servizio del Ministro degli Inferi che abita un’isola alla deriva tra Africa e Europa.  Un burocrate, un funzionario stanco di mettere in fila e contare i corpi che annegano nel Mediterraneo.  Li racconta uno a uno: Yusuf, Sakinah, Jean Baptiste, Yasmine e tutti gli altri, numeri senza volto,  “non identificati” mangiati dai pesci. Hanno lasciato le loro terre per scappare da una guerra civile, dalla siccità, dallo sfruttamento, nell’illusione di una vita diversa, nella speranza del cambiamento e invece hanno trovato nuova povertà, nuovo sfruttamento, morte.

Per ogni “non identificato” risuona pietosamente la voce  e il suono dei  Fratelli Mancuso che danno allo spettacolo una straordinaria forza  rituale. Con strumenti inconsueti che spaziano dal liuto all’ocarina, ma soprattutto con voci che sembrano recare l’impronta ancestrale di ogni sentimento e sventura umana, i due fratelli siciliani enfatizzano  i momenti più drammatici del monologo del generale restituendo quel ‘rumore di acque’ che  evoca un’umanità antica, universale,  che da secoli trova nel ‘mare di mezzo’ il suo sostentamento e, a volte, anche la sua tomba e il suo funerale. La voce dei Mancuso è la voce della tragedia ma anche quella dei pescatori  seduti su nasse insanguinate, che riportano a galla quel che resta dei corpi e delle vite di coloro che si affacciano all’orizzonte di queste acque; l’azione di Renda e la drammaturgia di Martinelli, sono un requiem per i sacrificati, che fa irrompere la cronaca e la denuncia in una scrittura visionaria che scuote dall’indifferenza.

Teatro delle Briciole
Cantiere Nuovi Sguardi per un Pubblico Giovane

un progetto affidato a Teatro Sotterraneo

regia Sara Bonaventura, Iacopo Braca, Claudio Cirri, Daniele Villa
con Daniele Bonaiuti, Chiara Renzietà

7-10 anni

Esistono nel mondo alcune “nazioni in miniatura”. Piattaforme petrolifere abbandonate, isole o piccole porzioni di terraferma dove non vige alcuna giurisdizione o controllo politico-militare e dove alcuni soggetti, preso il controllo del territorio, hanno emanato proprie leggi, coniato una nuova moneta, strutturato proprie istituzioni e avviato rapporti con territori vicini. Qui l’esercizio di cittadinanza può ripartire da zero, porsi domande originarie sul fare società e rispondere con modalità inedite.

Si parte dalla scena teatrale come piattaforma vuota su cui costruire una micronazione. Due attori irrompono sulla scena e cominciano a progettare il loro paese in miniatura. Servono delle leggi. Servono dei luoghi. Servono delle cose. Si parte da zero, tutto è da costruire, liberi di costruirlo come vogliamo. La micronazione è una scena vuota, deserta, che lentamente si popola e riempie, magari anche degli stessi elementi che compongo il panorama teatrale (luci, musiche ecc) oppure di segnali che diano regole (cartelli, striscioni ecc) di modo che ai bambini sia dato vedere come da un vuoto si possa edificare una Polis. L’incognita è sul tipo di Polis.

In questo quadro il coinvolgimento diretto dei bambini pare un necessario rovesciamento. I bambini non dispongono solitamente di potere diretto. Sui bambini non gravano responsabilità. I bambini vivono in un mondo normativo, fatto di ordini, obblighi e divieti. È nella natura delle cose, che il vecchio guidi il fanciullo. E del resto il fanciullo non potrebbe decidere su cose di cui non ha ancora fatto esperienza. Nel costruire una nazione in miniatura proviamo a dotare i bambini di un potere inedito e fatto su misura. Sullo sfondo un piccolo luogo deserto in cui dar vita a una società, Robinson Crusoe ma anche il serial Lost, e naturalmente Il signore delle mosche di Golding.
Si tratta di una piccola Cosa Pubblica, si tratta di uno spettacolo teatrale dove la finzione è evidente perché è il motore dell’immaginazione, si tratta di un paese in miniatura che si spegnerà quando si spegneranno le luci che lo illuminano, ma al tempo stesso si tratta di una possibilità.

L’INNOCENZA DI GIULIO
Andreotti non è stato assolto

di Giulio Cavalli
con la collaborazione di Giancarlo Caselli e Carlo Lucarelli
con Giulio Cavalli
regia Renato Sarti
musiche originali dal vivo di Stefano “Cisco” Bellotti

Produzione Teatro della Cooperativa/Bottega dei Mestieri Teatrali presentano

La Stagione parte con un appuntamento che ormai da tradizione si colloca, per affinità tematiche, all’interno dell’iniziativa dell’Istituzione Casalecchio delle Culture Politicamente Scorretto. L’innocenza di Giulio: Andreotti non è stato assolto è stato  scritto  da Giulio Cavalli con Giancarlo Caselli, giudice istruttore del processo Andreotti, e Carlo Lucarelli, il giallista che ha inventato  Politicamente Scorretto. I tre si sono dati l’obiettivo di ripristinare la verità di quella vicenda giudiziaria compiendo un viaggio nella memoria, rileggendo scelte e orientamenti della politica italiana alla luce dei rapporti con la criminalità organizzata, tra omicidi e stragi.
La scena è nuda. Al centro un inginocchiatoio in cui il senatore «prescritto a vita» lascerà le sue dichiarazioni. Il giudice Caselli in un video ribadisce la gravità di quanto accertato e denuncia  l’informazione manipolata in un Paese che sembra aver voluto far finta di niente. Nella sentenza infatti, si legge: «Quindi la sentenza impugnata, al di là  delle sue affermazioni teoriche, ha ravvisato la partecipazione nel reato associativo non nei termini riduttivi di una mera disponibilità, ma in quelli più ampi e giuridicamente significativi di una concreta collaborazione». Se la sentenza definitiva fosse arrivata entro il 20 dicembre 2002 (termine per la prescrizione), Andreotti avrebbe potuto essere condannato in base all’articolo 416.
La storia, comunque, dice che Andreotti si è seduto al tavolo della Mafia. E come, dove, con chi e “presumibilmente perché” va raccontato. Tante le tessere del mosaico. I legami con i capi mafia, gli incontri con Riina (il bacio raccontato dal pentito Di Maggio, mai sconfessato) e Bontade, i rapporti con Sindona, il delitto Ambrosoli e quello del generale Dalla Chiesa. Cavalli sul palco è narratore, testimone, accusa e difesa. Un quadro inquietante, ed emblematico, della realtà italiana, uno spettacolo politicamente scorretto, “indignato”, per ricordare che Giulio Andreotti non è stato assolto.
In scena dal vivo,  Cisco, ex cantante dei Modena City Ramblers che ha scritto le musiche originali dello spettacolo.  Per l’occasione, saranno  presenti anche il giudice Caselli e  Carlo Lucarelli che dopo lo spettacolo incontreranno il pubblico.

“Abbiamo scritto la Stagione 2011-12 del Teatro Testoni, in accordo con il Comune, pensando ancora al teatro che vorremmo, a quello che ci piace. Con noi gli artisti, emiliano romagnoli, che ci hanno accompagnato e che noi vogliamo accompagnare, con un bell’intreccio generazionale, su drammaturgie che toccano temi importanti dal punto di vista etico o politico, o che ci riguardano come individui, o su allestimenti che intendono il teatro come patrimonio collettivo e osservatorio culturale, chiedendoci ancora di vivere insieme una lunga storia che non vogliamo veder cancellare. Il cartellone 2011/2012 è per noi un frutto prezioso, forse irripetibile, che ha trovato nel Teatro Testoni un luogo di stimolo al pensiero, palcoscenico ideale di un teatro che riflette il suo tempo, che lo osserva e lo interroga.”
Così scrive Pietro Valenti per l’ERT, che contestualmente ha  chiesto al Dipartimento di Musica e Spettacolo dell’Università di Bologna di affiancare gli spettacoli in programma, organizzando e conducendo incontri di presentazione e approfondimento con i singoli artisti. Un invito che la sezione Teatro del Dipartimento, coordinata da Marco De Marinis, ha accolto con piacere e con interesse, nell’intento di realizzare rapporti sempre più intensi e dinamici con la scena dal vivo, come è sua vocazione. Ha dunque mobilitato alcuni dei suoi docenti e dei suoi collaboratori.
Il nostro primo motivo d’interesse è pedagogico. Vogliamo offrire ai nostri studenti (e, di conseguenza, a spettatori/spettatrici in genere) contatti diretti con gli artisti, perché alla visione degli spettacoli – elemento insostituibile di incontro e di studio – si accompagnino la conoscenza e la consapevolezza di come si arriva allo spettacolo e di cosa avviene fra uno spettacolo e l’altro. Perché in essi, necessariamente, si condensa il teatro, il quale è però portatore di una cultura più complessa e variegata; ed entrare dentro l’officina di un artista, sia pure in un tempo ristretto e tramite sole parole, potenzia la nostra comprensione del suo linguaggio.
Il secondo motivo d’interesse è legato alla ricerca, in connessione con quanto propone questa stagione. La possibilità di rivedere in successione alcuni dei gruppi storici della nostra regione – Teatro delle Albe, Motus, Le belle bandiere e Socìetas Raffaello Sanzio – e artisti da essa accolti – Antonio Latella e César Brie –, sollecita a ripensare la storia del Teatro di ricerca italiano a partire da uno dei suoi insediamenti più persistenti e vitali e da alcuni dei suoi artisti guida. Ed è fondamentale dal punto di vista scientifico che gli studiosi si riferiscano alla loro esperienza di spettatori e al dialogo con gli stessi artisti.
Inoltre, avendo il Teatro Testoni di Casalecchio coinvolto per questi incontri diversi spazi teatrali, ciò che si viene a configurare è una prima rete cittadina: anche questo è significativo e degno di sviluppi. Mentre il riferimento unitario al Dipartimento di Musica e Spettacolo per la cura di questo progetto potrà permettere la formulazione di domande comuni anche in corso d’opera, agevolando l’individuazione di interconnessioni, differenze, linee di tendenza.
Laura Mariani, (DMS, Università di Bologna)

Calendario degli incontri

Sono in vendita fino al 10 dicembre gli Abbonamenti Formazione e Teatro  destinato a 50 studenti iscritti al DAMS, e ai corsi di laurea magistrale in DISCIPLINE DELLO SPETTACOLO DAL VIVO; CINEMA, TELEVISIONE E PRODUZIONE MULTIMEDIALE; DISCIPLINE DELLA MUSICA dell’Università di Bologna  e alla Scuola di Teatro di Bologna Galante Garrone.

Il costo dell’abbonamento a 8 spettacoli è di  50 €.

(Spettacolo escluso dall’abbonamento: Giulio Cavalli, Andreotti non è stato assolto)

Presentare in biglietteria il libretto di iscrizione all’anno accademico 2011/12
La biglietteria del teatro è aperta il martedì, mercoledì, venerdì e sabato  dalle 16 alle 19

Info e prenotazioni 051/573040