Di: Sofocle
traduzione di Raul Montanari

Regia: Antonio Calenda

con Franco Braciaroli

…e Giancarlo Cortesi, Emanuele Fortunati, Gianfranco Quero, Alfonso Veneroso, Livio Bisignano, Tino Calabrò, Angelo Campolo, Oreste De Pasquale, Filippo De Toro, Luca Fiorino, Daniele Gonciaruk

Scene: Pier Paolo Bisleri
Musiche: Germano Mazzocchetti

Produzione: Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia, Teatro de Gli Incamminati, Teatro di Messina

È con grande impegno che il Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia – assieme ai coproduttori del Teatro de gli Incamminati e del Teatro di Messina – si appresta ad affrontare, per la regia di Antonio Calenda, l’Edipo di Sofocle, uno dei testi fondamentali di tutta la cultura occidentale, i cui significati non cessano di riverberare, con sempre nuovi echi nel nostro presente.
Un progetto scenico che oltre ad aprire la nuova collaborazione con Messina, permette contemporaneamente all’Ente di proseguire la propria ricerca nel filone dei grandi classici (si ricorderà, alcune stagioni orsono l’imponente lavoro critico e artistico costruito attorno all’Orestea eschilea), e di continuare l’intenso e proficuo scambio con una struttura – quella del Teatro de Gli Incamminati – e con un protagonista della levatura di Franco Branciaroli, con cui sono stati già raggiunti importanti risultati con il recente allestimento di Vita di Galileo.
«In un mondo smarrito, minaccioso, delle cui ombre sentiamo costantemente l’incombere – commenta il regista – è emblematico rielaborare il percorso, dal buio verso la chiarezza che Edipo compie nella tragedia sofoclea: un percorso nella coscienza che allo stesso tempo è individuale, di intima analisi e collettivo, di grande profondità…».
Scritta probabilmente nel 430 a.C., la tragedia si incentra sul mito di Edipo, che dopo aver risolto gli enigmi della Sfinge ha ottenuto di regnare sulla città di Tebe e la mano della regina Giocasta, vedova del re Laio. Con lei concepisce quattro figli, Eteocle, Polinice, Antigone ed Ismene e potrebbe vivere felice, come sovrano giusto e padre amato. Ma il testo si apre in realtà su uno scenario cupo: la città di Tebe infatti è devastata da una violentissima pestilenza. Edipo si rivolge all’Oracolo di Delfi, nella speranza di poter ottenere qualche consiglio per accattivarsi il favore degli dei e salvare la città dall’epidemia. L’oracolo suggerisce di scoprire chi abbia ucciso il Re Laio, solo dopo aver fatto giustizia, la pace ritornerà a Tebe. Edipo dunque, si impegna subito ad indagare: ascolta il saggio e cieco Tiresia e altri, ignaro che sarà egli stesso la vittima di quelle ricerche. Si viene a conoscenza infatti che, per una serie di fatti complessi e imprevedibili, Edipo è figlio di Laio (e dunque sarebbe il suo giusto successore al trono) ma in seguito ad una lite sulla strada per Tebe è stato egli stesso a uccidere il genitore. Assassino del padre, sposo della propria madre e a sua volta padre di quattro frutti di un amore incestuoso… Edipo è sopraffatto da tali terribili rivelazioni e altresì deciso a sottomettersi alla più giusta punizione: sul cadavere della sfortunata Giocasta, suicidatasi nel comprendere il misfatto da lei commesso, si acceca. Sconterà il proprio gesto in un eterno esilio, che egli stesso aveva deciso per l’assassino di Laio. Abbandona dunque Tebe, affidando il regno ed i figli al cognato Creonte.
Il mito di Edipo, dopo la celebre versione sofoclea, è stato in ogni tempo oggetto di rivisitazioni, dall’età medievale, rinascimentale, moderna, suscitando un interesse che non ha conosciuto soste. Ma è la contemporaneità che – soprattutto a seguito della lettura freudiana – ha donato più di ogni altro momento storico al mito edipico una centralità assoluta, nell’ambito scientifico come in quello delle arti e in particolare della letterature, del teatro di prosa  musicale.
La vicenda di Edipo è infatti diventata il simbolo del legame dell’uomo verso i propri genitori un legame che si sviluppa fra gli opposti di amore e odio. Nel Novecento, il mito edipico diviene quasi archetipo di ogni dinamica drammaturgica del passato (lo si riconosce addirittura nell’Amleto di Shakespeare) e della scrittura coeva. Anche se Freud e la sua concezione psicoanalitica sono stati fortemente discussi, tuttavia hanno dato il La ad una serie di riflessioni in cui hanno trovato origine fondamentali momenti della storia della narrativa e del teatro europei: fra essi i lavori di von Hofmannsthal, di Cocteau di Gide e di Eliot, fino ad arrivare a Pasolini.

LE NUVOLE
di ARISTOFANE
traduzione di Letizia Russo

regia di Antonio Latella

con (in o.  a.):
Marco Cacciola
Annibale Pavone
Maurizio Rippa
Massimiliano Speziani

scene e costumi di Annelisa Zaccheria
musiche di Franco Visioli
luci di Giorgio Cervesi Ripa
foto di Anna Bertozzi
aiuto regista Tommaso Tuzzoli

Teatro Stabile dell’Umbria
in collaborazione con Spoleto52 Festival dei 2 Mondi

LE NUVOLE DI ARISTOFANE, prodotto dal Teatro Stabile dell’Umbria, per la regia di Antonio Latella sta effettuando una lunga tournée italiana, dopo la prima assoluta dello scorso Luglio a SPOLETO 52 FESTIVAL DEI 2MONDI, dove Latella, ancora una volta, ha sorpreso il pubblico con la sua messinscena della celebre commedia classica.
Il regista – che, con questa, firma la sua tredicesima regia con lo Stabile umbro – ha liberato il testo da qualsiasi anche minima convenzione e se ne è appropriato, pur rispettandone la lettera e la vis satirica. L’estro e l’intelligenza dei suoi interpreti e dei suoi collaboratori hanno saputo esaltare questa lettura che, con lucidità, penetra nel nucleo dell’opera – quel contrasto tra vecchio e nuovo, tra rettitudine e disonestà, che Aristofane stigmatizza – e ne accende l’intatto potenziale di ironica e crudele provocazione.
La traduzione dal greco della commedia, inedita e pensata per questa messinscena, è firmata da Letizia Russo, che si è ispirata alla tradizione classica.
Gli interpreti sono (in o. a.):
Marco Cacciola, Annibale Pavone, Maurizio Rippa, Massimiliano Speziani.
Le scene e i costumi sono di Annelisa Zaccheria – qui alla decima collaborazione con Latella – che ci offre una traccia del suo lavoro sul testo: ”Nutrendomi delle atmosfere grafiche e surreali di Max Ernst, di quelle apocalittiche di McCarthy o ancestrali di Rondinone […] ho cercato di rappresentare soprattutto un’esperienza visiva.”.
Il suono e le musiche sono, come sempre, di Franco Visioli e, come sempre, l’ideazione delle luci è di Giorgio Cervesi Ripa.

COSÌ ANTONIO LATELLA, nei suoi appunti di lavoro sul testo di Aristofane:

“Il gioco del Teatro si moltiplica in questa commedia umana, la porta della conoscenza si è fatta minuscola, varcarla è impegnativo ma è dietro a quel cancello di velluto rosso che si imparano i trucchi della finzione, a bluffare sulla verità o a saperla riconoscere … “.

NEL 423 A. C., quando LE NUVOLE va in scena per la prima volta, Aristofane (presumibilmente, n. 450 – m. 388 a. C.) è un giovane commediografo già affermato che coglie con la nuova opera, forse, il suo successo più importante. Ancora oggi LE NUVOLE è la commedia antica più rappresentata, assieme a GLI UCCELLI, a LISISTRATA e a LE RANE, appartenenti alla maturità dell’Autore.
Il suo esordio era avvenuto circa quattro anni prima, quando Atene, sfiancata da una violenta epidemia di peste, era già nel pieno della guerra del Peloponneso. Le sue prime due commedie non ci sono pervenute ma ne conosciamo l’argomento e sappiamo che, fin dai suoi inizi, Aristofane calò la realtà contemporanea nel genere comico e, più di una volta, personaggi pubblici dell’epoca hanno agito nel suo teatro, fatti oggetto dal commediografo di una satira aggressiva e pragmatica. Il giovane Aristofane viveva il suo presente come decadenza dell’Età dell’Oro di Atene e contestava sia la politica della supremazia ad ogni costo, sia la filosofia e la poesia che si erano allontanate dalla tradizione e ricercavano nuovi metodi e nuovi linguaggi. Socrate, suo contemporaneo, anche se più grande di quasi vent’anni, è il personaggio centrale de LE NUVOLE, rappresentato come un vecchio stravagante, che parla da sofista ed è maestro di disonestà intellettuale.

L’involontario protagonismo di Socrate in questa commedia ha da sempre suscitato curiosità e divertimento nei lettori e negli spettatori. Non senza qualche vivace dissenso. Come quando, nel suo Dizionario Filosofico Portatile (1746), alla voce ATEO, ATEISMO, Voltaire sferra un violento attacco contro Aristofane:
“[…] Quell’uomo (che i commentatori ammirano perché era greco, senza pensare che era greco anche Socrate): Aristofane! Egli fu il primo che abituò gli ateniesi a considerare Socrate un ateo.
[…]
Egli preparò di lontano il veleno con cui giudici infami fecero morire l’uomo più virtuoso della Grecia.”.

Ma in un altro passaggio dei suoi appunti, Latella osserva e chiarisce:

“[…] Questa commedia antica non mette in scena un personaggio ma l’ICONA di un PERSONAGGIO, che ha nome SOCRATE, e il luogo che lo ospita, IL PENSATOIO, è il vero personaggio con il quale Strepsiade si deve confrontare: un luogo non luogo, uno spazio che ha porte da varcare ma non ha pareti, una stanza dove il Maestro può sospendersi nell’aria, lontano dalla banalità della forza di gravità; solo così può pensare, riflettere, creare, preparare discorsi giusti e ingiusti, un luogo dove l’inafferrabile diventa forma ma resta incomprensibile per il suo continuo mutare essenza. Il Pensatoio, vero protagonista che non è maschile né femminile, non può essere, come ironicamente Aristofane fa dire a Socrate, né pollastro né pollessa. […]”.

Regia Laura Pasetti
Riduzione da Shakespeare: Nick Fearne
Dialoghi e commenti: Jennifer Mc Gregor e gli attori
Produzione: Charioteer Theatre

Sponsor e supporters: Moray Council, Arts in Moray, Piccolo Teatro di Milano

Romeo, Giulietta e Mercuzio non sono per niente contenti del finale che Shakespeare ha riservato loro. Soprattutto Romeo e Giulietta non riescono a darsi pace. Non accettano la loro fine prematura e ritengono che Shakespeare sia stato particolarmente ingiusto e crudele. Per cercare di dare un senso al loro destino, ripetono all’infinito la scena finale. Gli spettatori entrano e assistono a questa scena: Giulietta addormentata nella tomba, Romeo arriva, la crede morta e si uccide. Giulietta si sveglia, vede il suo amore morto e si uccide a sua volta.
A questo punto Mercurio interrompe la loro rappresentazione: non ne può più di assistere al finale, propone ai due innamorati di ripercorrere le tappe fondamentali della loro settimana insieme e forse, in questo modo, troveranno le risposte che cercano, forse scopriranno dove Shakespeare ha sbagliato e vedranno se veramente avevano un’altra scelta.

Lo spettacolo si pone il doppio scopo di avvicinare gli studenti alla lingua di Shaekespeare e al Teatro. I tre personaggi principali di Romeo, Giulietta e Mercuzio rappresentano le scene più importanti della tragedia rigorosamente nell’inglese di Shaekespeare e nello stesso tempo commentano in Inglese moderno le scene svolte. Mercuzio funge da narratore collegando le scene in Italiano e traduce dall’inglese alcuni commenti per facilitare i ragazzi nella comprensione.
Lo spettacolo è ambientato ai giorni nostri per sottolineare l’attualità del testo e della storia. La scena della morte dei due innamorati viene prima rappresentata in abiti del 1500, poi i personaggi si cambiano e indossano jeans e maglietta.

Le musiche, di John Metcalfe sottolineano il ritmo di alcune scene, aiutano ad apprezzare il pentametro giambico ed evocano in maniera efficace le circostanze.

Lo spettacolo è molto dinamico, la scenografia inesistente, proprio per dare l’opportunità agli studenti di apprezzare la poesia del testo, stimolare la fantasia e appassionare al teatro, in grado di creare solo con la recitazione le situazioni più drammatiche.

da Amleto di William Shakespeare
ideazione e regia Oscar De Summa

con Oscar De Summa, Armando Iovino, Angelo Romagnoli, Roberto Rustioni

Produzione Emilia Romagna Teatro Fondazione/Compagnia De Summa

Amleto a Pranzo e a Cena, divertente rivisitazione dell’Amleto shakespeariano curata e diretta da Oscar De Summa, è uno spettacolo già premiato da un ottimo consenso di critica e di pubblico il cui successo non mancherà di ripetersi.
Oscar De Summa, attore di solida formazione teatrale, dopo aver affrontato numerosi testi shakespeariani come attore è qui ideatore, regista nonché interprete  di questa  insolita versione della tragedia shakesperiana.  Progetto nato in origine per ‘Teatro Errante’ progetto promosso da Emilia Romagna Teatro volto a rilanciare la sfida di un teatro che fosse sia popolare e di qualità l’Amleto qui proposto da classico tra i classici viene riletto e messo in scena da De Summa in una versione di rara originalità.
Dato per acquisito nella memoria collettiva lo stereotipo di un uomo in calzamaglia nera con un teschio in mano, e la celeberrima  frase ‘Essere o non essere’  De Summa propone un lavoro che riesce a parlare sia  a chi solitamente non è abituato al frequentare il teatro ed il suo linguaggio  ma anche ad un pubblico solitamente avvezzo a frequentare le platee teatrali. La scena è essenziale, un piazzato di luci ed una tastiera a bordo palco, suonata a turno dagli stessi attori. Proprio come accadeva nelle compagnie di commedia dell’arte, gli attori decidono sul luogo cosa mettere in scena. Sul palco insieme a De Summa, tre attori, ‘una piccola e sgangherata compagnia di attori’ come ironicamente la definisce lo stesso regista. Una bella sfida: uno spettacolo che ci fa scoprire quanto di Amleto abiti a tutt’oggi  nel nostro quotidiano. Il sipario si alza e la compagnia, tra invidie e gelosie tenta di mettere in scena Amleto. Tra liti e complicità gli attori si scambiano consigli non propriamente disinteressati e lasciano venire a galla velenosi grovigli familiari.

La storia c’è tutta (o quasi), e i dialoghi, ritmicamente serrati secondo la grande tradizione comica nostrana, ci guidano a conoscere le molte facce di un personaggio inesauribile attraverso un linguaggio tutto contemporaneo. Nella vicenda, apparentemente lontana, del principe danese emergono così questioni semplici, che riguardano il comune animo umano, e che mettono in luce quanto nulla sia cambiato dentro di noi, quanto quel dentro di noi sia possibile nominarlo anche grazie a Shakespeare, quanto Amleto abiti il nostro quotidiano, costantemente presente a pranzo e a cena. Oscar De Summa

Biglietto unico  matinée: 5,00 €

TEATRO TESTONI
Teatro Stabile di Calabria

uno spettacolo di
Egisto MARCUCCI e Elisabetta COURIR

con Geppy GLEIJESES, Marianella BARGILI, Luciano VIRGILIO

Il Giuoco delle parti di Luigi Pirandello, uno dei suoi capolavori scritto per Ruggiero Ruggieri nel 1918. Se ne ricordano alcune grandi edizioni, ma soprattutto quella del 1965 della Compagnia De Lullo, Falk, Valli, Albani, resa famosa dalla clamorosa ambientazione “novecentista” ispirata ai quadri di Casorati e dalla memorabile prova di Romolo Valli nel ruolo di Leone Gala.
Questo spettacolo vede riuniti i nomi di Geppy Gleijeses, che dopo lo straordinario successo di Io, l’erede, di Eduardo De Filippo, testo di così forte impronta pirandelliana, ritorna al filtro ironico e in questa occasione è affiancato da uno dei più importanti registi italiani, Egisto Marcucci, bloccato per alcuni anni da un grave incidente ma ora recuperato al grande teatro. Marcucci ha firmato il progetto, mentre la drammaturgia dello spettacolo è lasciata a una sua collaboratrice abituale, Elisabetta Courir. Marianella Bargilli e Luciano Virgilio sono invece gli altri due attori che affiancheranno Geppy Gleijeses, impegnato anche nella recitazione.

Il giuoco delle parti, inserendosi tra la stesura di opere come Così è, se vi pare e I giganti della montagna attraverso le quali l’autore fa saltare definitivamente i resti del teatro borghese, appartiene a quella fase pirandelliana dove il processo di deformazione e di scomposizione imposto ai personaggi è ormai consolidato. Dietro alla doppiezza di una scrittura drammatica e nel contempo comica, c’è la consapevolezza di essere isolati in un mondo senza amore, senza via di uscita, senza liberazione, con la continua constatazione della risibilità dei comportamenti e della condizione umana nella commiserazione di una vita perduta e comicamente tradita. La vera crudeltà non è lo scioglimento dell’enigma, ma il porre con chiarezza l’enigma stesso che tale deve restare.

Si informa inoltre che, in occasione di questo evento, si è ritenuto importante contattare le scuole del territorio e offrire loro uno sconto di 5 euro a biglietto. Inoltre, Geppy Gleijeses si è reso disponibile la mattina del 12 dicembre alle ore 12,00 per un incontro-lezione aperto agli studenti, in cui si parlerà e discuterà sulla figura di Pirandello e il suo teatro.

Presentata da Emilia Romagna Teatro Fondazione presenta la Stagione di Prosa 2008/09 del Teatro Comunale A. Testoni di Casalecchio di Reno.

Una stagione che, se da una parte ribadisce l’attenzione verso i classici dall’altro offre uno spazio importante alla drammaturgia contemporanea e ai registi provenienti dal nuovo teatro, impegnati a sviscerare le domande del presente in una sorta di nuovo teatro civile.

Il cartellone si apre con Passaggio in India, il nuovo lavoro di Federico Tiezzi ispirato al celebre romanzo di E. Morgan Forster. Sandro Lombardi, protagonista e curatore della traduzione del testo di Santha Rama Rau, è affiancato da Giulia Lazzarini che interpreta Mrs Moore l’anziana donna inglese partita per l’India alla ricerca dell’esotico. Il viaggi la porterà a scoprire una civiltà misteriosa, molto più complessa della semplicistica immagine propagandata dai colonizzatori inglesi. Lo spettacolo, di stringente attualità dato il tema dello “scontro di civiltà”, scava nel carattere civile del racconto e pur essendo ambientato negli anni Venti, può essere letto come un ritratto dei nostri tempi. Segue un classico del teatro italiano: Luigi Pirandello con Il Giuoco delle parti, nell’ interpretazione di Geppy Gleijeses e la regia di Egisto Marcucci. È uno dei testi più famosi di Pirandello in cui la risibilità dei comportamenti umani, messa in luce dall’autore, è portata alle sue estreme conseguenze. Chiude la prima parte della stagione uno spettacolo che riflette sul tema della Natività: Provando in nome della Madre in cui lo scrittore Erri De Luca, già noto al nostro pubblico per Chisciotte e gli Invincibili, racconta la storia di Maria, secondo la sua definizione “operaia della divinità”. Gennaio riparte con uno spettacolo che ha appena vinto il premio ETI Olimpici del teatro come miglior testo della stagione e che, nella sua versione letteraria, è un vero fenomeno editoriale. Stiamo parlando di Gomorra di Roberto Saviano che insieme a Mario Gelardi ne ha curato la drammaturgia. Uno spettacolo nato prima che il libro venisse pubblicato e che vedrà in scena lo stesso scrittore, interpretato da Ivan Castiglione. Si scoprirà così in che modo egli ha conosciuto quelle persone di cui racconta e di come si poneva nei loro riguardi. Lo spettacolo racconta anche il momento in cui ha cominciato a scrivere e il lavoro di raccolta del materiale. Insomma, un altro tassello al puzzle di questa narrazione che si dimostra ancora una volta un filone inesauribile di storie. Un altro gradito ritorno sul nostro palcoscenico è quello di Elena Bucci con una rilettura di Hedda Gabler, di Henrik Ibsen. Insieme a Marco Sgrosso l’attrice rilegge il dramma borghese come una sorta di combattimento in un ring. I dialoghi serrati, a due, a volte a tre, fanno emergere le passioni apparentemente domate dalla ragionevolezza, portando i personaggi verso la tragedia finale. Un testo che invece reagisce con forza e determinazione al pensiero dominante fino a minacciarne la sua stessa sopravvivenza è il Candido di Voltaire che sul palco del Testoni viene ospitato nella versione di Stefano Massini con la bravissima Ottavia Piccolo. In questa favola-avventura di pieno Settecento c’è molto che ci riguarda da vicino: dalla libertà di pensiero al riscatto femminile, dalla lotta contro le guerre ingiuste fino all’integralismo religioso, ma lo spettacolo è divertente. Le grandi domande sono travestite da sberleffi, perché, come diceva Voltaire, “non c’è miglior modo di pensare che farlo ridendo”. E per continuare a ridere con intelligenza, abbiamo deciso di dare spazio a un attore che ha fatto della comicità il suo segno, ma che affonda le sue radici più profonde nel teatro d’autore. Parliamo di Paolo Rossi che, con Sulla strada ancora, sperimenta tutta la sua maestria di improvvisatore, racconta la sua storia personale e professionale accidentata anche se di grande successo, offre vere e proprie lezioni di teatro passando da Jarry a Shakespeare, da Cechov a Lenny Bruce. Uno spettacolo che non si può raccontare perché si costruisce ogni sera con il pubblico. L’attualità e la sua inquietante banalità quotidiana entra invece in scena con La badante un testo di Cesare Lievi che ne cura anche la regia. Attraverso lo schema del giallo lo spettacolo compie una riflessione poetica sui cambiamenti indotti nella nostra società dalla presenza degli immigrati, ma ciò che emerge è soprattutto l’aridità degli affetti familiari, la sterilità del benessere, il “nulla di fronte a cui ci si perde” del nostro quotidiano. E di immigrati e immigrazione ci parla anche Cèsar Brie, che con la sua inconfondibile vena poetica rilegge l’Odissea, il poema della perdita e del ritorno. Ulisse è il migrante, il curioso, il guerriero, il naufrago e se la sua figura incarna nostalgia, scaltrezza, disperazione, lotta per la sopravvivenza, i personaggi che lo circondano  incarnano fedeltà, attesa, ricerca del padre, nostalgia. Brie si inoltra, attraverso di loro, in tutti gli aspetti del racconto, dalla fiaba ai ricordi, ma soprattutto ci racconta degli Ulisse di oggi: gli artisti nel loro viaggio attraverso le forme, gli impiegati che vanno via immobili con la loro immaginazione, i migranti che arrivano sulle nostre spiagge naufraghi. L’Odissea sarà programmato in collaborazione con il Centro La Soffitta – Dipartimento Musica e Spettacolo del’’Università di Bologna, e fa parte di un progetto più articolato intorno alla figura di Cèsar Brie, che verrà presentato insieme alle altre attività del Centro La Soffitta nei prossimi mesi.

]]> http://www.teatrocasalecchio.it/home/stagione-di-prosa-200808/feed/ 0 http://www.teatrocasalecchio.it/home/309/ http://www.teatrocasalecchio.it/home/309/#comments Wed, 19 Mar 2008 23:00:52 +0000 Teatro A.Testoni http://www.teatrocasalecchio.it/home/309/ 25 e 26 marzo, ore 21,00

LA CACCIA
di Luigi Lo Cascio
liberamente ispirato a Baccanti di Euripide
uno spettacolo ideato da Nicola Console, Luigi Lo Cascio, Alice Mangano, Desideria Rayner
con Luigi Lo Cascio e Pietro Rosa
regia di Luigi Lo Cascio
scene e concezione video Alice Mangano
scene e disegni Nicola Console
suoni e montaggio video Desideria Rayner
disegno luci Stefano Mazzanti
assistente alla regia Marco Serafino Cecchi
direttore della fotografia Marianne Boutrit
proiezioni video Franco Duranti
assistente di produzione Erika Antonelli
responsabile tecnico Stefano Revelant
macchinista Massimo Teruzzi
elettricista Marco Giusti
direttore di scena e fonico Igor Del Piccolo
scenotecnica Delta Studios

una produzione CSS Teatro stabile di innovazione del FVG

Grazie a
Rosalba Amico, Salvatore Aricò
Alessio Boni, Fabrizio Gifuni
Marco Tullio Giordana
Giuliana Nobile, Carlo Pagani
Violante Pallavicino, Sara Pozzoli
Pino Rosa, Anouk Rozzo
Edward Rozzo, Massimo Termini
Massimo Toppi, Fulvio Zucconi
macelleria Carmine a Campo de’ Fiori
macelleria Tor Millina

La caccia è un tentativo di variazione su uno degli innumerevoli motivi che compongono
“Baccanti” di Euripide. Si è scelto questo argomento, non soltanto perché l’attività e la
metafora della caccia sono molto presenti in quel testo per alludere al meccanismo dello
scontro tra persecutore e preda e al capovolgimento tragico nei rapporti di forza tra le
due figure (lo stesso Dioniso, tra gli infiniti nomi e appellativi, è anche chiamato
Zagreus, nel senso di Bacco cacciatore). Ma anche perché la caccia è qualcosa che
rimanda immediatamente alle pratiche che si mettono in campo per circoscrivere
l’enigma di questa tragedia. La caccia rappresenta il desiderio di accerchiare, stanare,
catturare, proprio quell’entità che per eccellenza è inafferrabile: Dioniso, coi suoi tratti
ambigui di gioiosità e di annientamento. Le difficoltà e le contraddizioni a cui si
perviene volendo centrare una volta e per tutte il bersaglio non verranno occultate.
Dioniso, che non si lascerà acchiappare, di fatto non compare sulla scena. Ne dedurremo
l’azione dagli effetti che produce in particolare su Penteo, il quale inizialmente
contrasta il dio, salvo poi rimanere irretito da quella stessa sostanza sfuggente che ha
provocato in lui tanto scompiglio.
La caccia a Dioniso verrà data anche, su un altro versante, da un personaggio che
apparirà più volte nel corso dello spettacolo: uno studioso del mondo greco. Il suo modo
di agguantare l’essenza del testo in esame vorrebbe fondarsi sulle promesse di
chiarimento che derivano da stratagemmi di natura critica e dal trattamento della
materia mitica con espedienti legati alla scienza dell’erudizione.
Ma non è detto che la questione venga effettivamente esaurita soltanto tra le trame,
per quanto suggestive, dei concetti che infittiscono le pagine dei commentari. Dioniso
non appare, non si dà alla vista né degli adepti, né degli oppositori. E anche il suo
corredo di emblemi ed attributi rischia di sopravvivere solo nel registro degradato del
feticcio, della merce, dell’immagine seduttiva che solo per qualche istante fa balenare
l’illusione di un compiuto appagamento. Così gli antichi cori cedono il passo ai
‘coroselli’. Al posto della voce della comunità che si compatta per risolvere un
problema, per richiamare a una norma o per proporre un’etica condivisa, prende corpo
un monito impersonale e mortifero che s’inoltra e frammenta la narrazione per imporre
un oggetto di consumo.
Tormentato da una fortissima inquietudine, Penteo vorrà vedere a tutti i costi le donne
che danzano sul monte Citerone. Una sua soggettiva, dunque, che ci permette di seguire
passo passo l’annebbiamento e la distorsione dello sguardo a cui va incontro in seguito
alla febbre che lo spinge ad osservare da vicino le baccanti. Le immagini proiettate
sopra una lavagna attribuiscono così una certa evidenza alla realtà di quelle disfunzioni
della visione (vertigini, allucinazioni, sdoppiamenti, sfocature) che altrimenti potremmo
giudicare come semplici suggestioni senza oggetto. Le facoltà percettive di Penteo
saranno infine compiutamente compromesse nell’istante in cui avverrà il ribaltamento,
da cacciatore che guarda, a preda che viene guardata.
Con La caccia Luigi Lo Cascio e il CSS Teatro stabile di innovazione del FVG si ritrovano
nella condivisione di un nuovo importante percorso di produzione teatrale. Un percorso
comune che inizia più di dieci anni fa, nel 1995, con la prima avventura scenica assieme,
lo spettacolo Verso Tebe, scritto dallo stesso Luigi, che rivelava già allora la sua
profonda attrazione per la ricerca di possibilità ancora inedite di attraversamento delle
tragedie di Euripide. L’anno prima, Luigi era fra gli autori e gli interpreti del Labirinto di
Orfeo, una drammaturgia collettiva pensata per coinvolgere un unico spettatore al
centro di un itinerario dall’intensa dimensione sensoriale ed emotiva. Anche negli anni
successivi è ancora con noi a condividere progetti e attività, dalle letture sceniche del
Premio Candoni del 1996, alle produzioni teatrali CSS di cui è chiamato a essere
interprete, come Gloria del teatro immaginario, ultimo capitolo di una trilogia sul
teatro di Giuliano Scabia diretto da Alessandro Marinuzzi, e il cantiere di produzione su
La famiglia Schroffenstein per la regia di Antonio Syxty.
Poi, nella carriera di Luigi arriva il cinema: dal 1999, con la sua felice rivelazione ne I
cento passi e praticamente fino al 2005, il grande schermo lo impegna a tempo pieno
facendone uno dei migliori interpreti del nuovo cinema italiano.
Solo due anni fa, Luigi è tornato a dedicarsi anche al teatro con in mente il disegno di un
progetto da seguire: coltivare da autore e interprete alcune sue passioni letterarie –
prima Kafka e ora di nuovo la tragedia greca – e rivisitare questi stessi testi tramite la
creazione di partiture sceniche nate dal cortocircuito di più linguaggi scenici e artistici.
È in questo orizzonte che si intersecano nuovamente i fili della collaborazione fra Lo
Cascio e noi del CSS. Il punto di contatto è anche questa volta l’impegno reciproco a
creare le condizioni di un lavoro che consenta realmente lo sviluppo di “una ricerca”,
dandosi tempo, modi e luoghi giusti per farlo.
Fuori dagli schemi della produzione tradizionale, la misura temporale che ci siamo dati è
quella di un anno. Un anno in cui trovarsi – noi come produttori, Luigi e gli artisti visivi
che sono in questi anni i suoi compagni nella pratica del suo teatro – per lavorare a
tappe successive a una nuova idea di racconto, sulle tracce delle “Baccanti”, e su forme
teatrali che avessero per noi il segno del nuovo.
L’anno è trascorso, rispettando le rispettive aspettative e il percorso tracciato all’inizio,
giungendo anche e necessariamente a risultati non prevedibili.
La caccia è oggi il risultato di una coniugazione fra teatro di parola a cui sa dare corpo in
scena Luigi Lo Cascio, e un tessuto di contributi per immagini proveniente dal cinema di
animazione, dall’utilizzo del suono elettronico e della video arte.
La sua forma è quella di un “monologo multimediale” che esplora con un tratto e una
poetica originale e densa di sensi il dialogo fra linguaggi artistici, mettendo in gioco il
corpo e la voce, le visioni e i suoni, per raccontare l’ultima terribile notte di Penteo, ma
anche per testare ancora una volta il valore comunicativo del teatro con forme di
interazione artistica che ci rimandano ad un “artigianato-tecnologico” dal segno
sorprendentemente innovativo.

Franco Branciaroli
in

FINALE DI PARTITA

di Samuel Beckett
con Tommaso Cardarelli e Alessandro Albertin
e con la partecipazione di Lucia Ragni

scene e costumi Margherita Palli
luci Gigi Saccomandi

regia Franco Branciaroli

produzione Teatro de Gli Incamminati
con il contributo di Artemide

Non c’è nulla di più comico dell’infelicità.
Samuel Beckett

Nel 2006, anno del centenario della nascita di Samuel Beckett, Franco Branciaroli ha messo in scena – nella duplice veste di attore e regista – uno dei capolavori del drammaturgo irlandese: Finale di partita., considerato ormai un classico del teatro contemporaneo.
Della parola beckettiana Branciaroli mette in rilievo soprattutto la dimensione tragicomica che perfettamente si attaglia a quella che è, per dichiarazione dello stesso Beckett, la battuta e la sintesi principale del testo: ovvero che niente è più comico dell’infelicità.
L’allestimento dello spettacolo punta infatti a dare risalto all’impossibilità del mondo-superstite di comunicare, e alla sua condanna di continuare a produrre parole e rumore, quasi che il silenzio coincidesse con la morte. Chiuso ciascuno nella propria infermità, lo spettacolo cerca dunque di sfogliare le molte sfaccettature racchiuse dentro al testo dell’autore irlandese, da cui la scelta di Franco Branciaroli di dare risalto all’ispirazione clownesca dei personaggi.
Parte integrante della regia sono la scena disegnata da Margherita Palli, che al vuoto esistenziale beckettiano dà concretezza sospendendo l’azione su un vuoto fisico, e le luci di Luigi Saccomandi che, totalmente allampanate e inverosimili, rendono sensibile la consistenza assolutamente antinaturale di ogni residua esistenza.
Scrive Branciaroli nelle sue note di regia: “Paradossalmente, i testi di Beckett oggi non sono più assurdi: si sono avverati. Il mondo rappresentato è quanto resta dell’ultimo naufragio. Anche i personaggi in gioco sono dei resti alla deriva. Hamm è cieco e immobilizzato sulla sedia a rotelle, il padre e la madre vegetano inchiodati dentro due bidoni della spazzatura, dai quali emergono, se Clov alza il coperchio, con la sola testa. Clov può ancora camminare, ma senza potersi piegare né sedere. E anche questi mi paiono simboli della condizione umana, validi oggi. Il messaggio di Beckett sull’uomo è tragicamente vero, la sfida che mi sono proposto è farlo arrivare togliendo peso alle parole. Non per togliere peso al tragico: anzi, per renderlo più efficace”.

Si avvisa il gentile pubblico che

l’incontro con Luigi Lo Cascio

è annullato

Lunedì 18, martedì 19 febbraio 2008, ore 21,00

IL GIARDINO DEI CILIEGI

di Anton Čechov
regia Ferdinando Bruni
con Ida Marinelli, Elio De Capitani, Ferdinando Bruni, Elena Russo Arman, Angelica Leo, Luca Toracca, Vittorio Attene, Cristina Crippa, Nivola Stravalaci, Corinna Agustoni, Fabiano Fantini, Edoardo Ribatto
musiche di Filippo Del Corno
eseguite da Sentieri Selvaggi
luci di Nando Frigerio
suono di Jean- Christophe Potvin

Teatridithalia, Teatro dell’Elfo

Nell’allestimento di questa commedia tratta da Anton Čechov, rarefatta, buffa e disperata che ha per protagonista il tempo e il suo trascorrere nella vita degli individui e del mondo,undici attori diretti da Ferdinando Bruni mettono in gioco la coralità, la sensibilità e la maturità di un gruppo e delle sue singole personalità,
Un’enorme tenuta che va alla malora, un frutteto che una volta all’anno, nel mese di maggio, si copre di fiori bianchi e diventa “giardino”, simbolo di rimpianti, speranze e sogni. Ogni anno il ciclo delle stagioni si compie, e ogni anno il giardino ritorna giovane, ricomincia la sua vita. A contemplare questo miracolo per l’ultima volta, riuniti nella grande casa dell’infanzia, i personaggi della commedia non possono che scorgere su di sé, ognuno nell’altro, i segni del tempo che passa, il miracolo che su di loro non si compie, l’approssimarsi di una resa dei conti col proprio destino. Così nell’arco di un’ultima estate, si compie una vicenda fatta di nulla, ma che attraverso il chiacchiericcio inconsistente che copre la disperazione, attraverso pause di silenzio da riempire subito di risate o di lacrime, lascia intrasentire “il ridacchiare del tempo, quel galoppo da padrone”, lascia intravedere la ferite della vita che se ne va “senza averla vissuta”.
Il regista colloca i quattro atti del Giardino dei ciliegi in una specie di limbo, l’antica stanza dei bambini, che è simbolicamente punto di ritrovo per la famiglia di Ljuba, fra oggetti concreti, ma carichi di valenze evocative: la lavagna con l’alfabeto cirillico-europeo, i tabelloni illustrati per imparare il francese (la lingua dell’aristocrazia, la lingua dell’esilio), gli uccelli impagliati, prigionieri di una vita artificiale, oggetti che piano piano andranno sparendo, recidendo legami col passato, fragili e malati, lasciando spazio alla durezza impietosa del presente o alle utopie luminose del futuro. Con queste parole Ferdinando Bruni ci restituisce una sua chiave di lettura dell’opera:
“Lontane ormai tutte le possibili nostalgie per un mondo tramontato circa un secolo fa, madeleines che non evocano più nulla, tramontato il tetro impero oltre la cortina di ferro, siamo finalmente liberi di leggere questa pièce leggendaria senza le lenti deformanti della nostalgia o dell’ideologia. – Il giardino dei ciliegi torna essere quello che è: un’enorme tenuta che va alla malora, un tempo principale fonte di reddito della svagata famiglia di aristocratici decaduti che la possiede.”

TEATRO DELLE BRICIOLE
PINOCCHIO

Regia: Letizia Quintavalla
Drammaturgia: Bruno Stori
Con: Anna Amadori, Paola Crecchi, Claudio Guain, Morello Rinaldi

Il perfetto equilibrio tra le tecniche del teatro di figura e il teatro d’attore rendono questo Pinocchio, – coprodotto nel 1992 e ripreso oggi dal Teatro delle Briciole in occasione del trentennale di ERT Fondazione – uno spettacolo significativo, in cui la commistione tra burattini, forme, figure e attori è costituzionale, drammaturgica.
Pinocchio, mosso da attori vestiti di nero come nel teatro giapponese del buranku, vuole percorrere i sentieri del reale per poter abbandonare le sue spoglie burattinesche, ma viene sempre deviato nel suo cammino dalla fantasia, che lo avvolge in un mondo di fiaba. D’altra parte, la casa di Geppetto, inscritta in un cerchio rotante di alberi al centro della scena, è un modesto teatrino: il luogo magico dove tutto può accadere, dove la fantasia incontra la realtà. Lì dentro Geppetto modella il ciocco di legno che diventerà suo figlio, ma sempre lì dentro, nel magico rettangolo dietro il sipario, ci saranno Mangiafuoco e le sue terrorizzate marionette, la trattoria del Gambero Rosso dove Pinocchio cena con il gatto e la Volpe, l’arena del circo che ha comprato il burattino diventato ciuchino, il ventre oscuro della balena .
La lucidissima drammaturgia di Bruno Stori ha badato a evidenziare i toni notturni, macabri, allarmanti del testo, felicemente sintetizzati nella memorabile battuta della Fata: “con certi comportamenti si finisce in carcere o all’ospedale” . Pinocchio ne viene fuori per quel che davvero è: una sorta di stralunato e ciclico viaggio infantile nelle trasformazioni catastrofiche della crescita.

Fascia d’età: 6 – 11
Durata: 1 ora
Tecnica utilizzata: Teatro d’attore e teatro di figura

Note sulla compagnia:
Il Teatro delle Briciole nasce a Reggio Emilia nel 1976 dove, con un gesto d’amore e insieme di ribellione per il teatro di animazione, inizia a fondare la propria ricerca. Nel 1979 si trasferisce a Parma dove nel 1981 costituisce il primo Centro Stabile in Italia di produzione, programmazione e ricerca Teatro Ragazzi e Giovani ora diventato Teatro Stabile di Innovazione.

Raffaella Azim in
LA VEDOVA SCALTRA
di Carlo Goldoni
Adattamento del testo di Carlo Goldoni a cura di Lina Wertmüller
In collaborazione con Tiziana Masucci
regia di Lina Wertmüller

scene e costumi Enrico Job
musiche originali Italo Greco, Lucio Gregoretti, Gabriele Miracle
Giovanni Costantino, Elena D’Anna, Francesco Feletti, Massimo Grigò, Roberto Valerio e
Gianni Cannavacciuolo nel ruolo di Arlecchino

Associazione Teatrale Pistoiese, Tauma produzioni, La Biennale di Venezia

In occasione del trecentesimo anniversario dalla nascita del grande commediografo Carlo Goldoni, Raffaella Azim sarà protagonista di La vedova Scaltra, spettacolo che vede il ritorno a teatro della nota regista cinematografica Lina Wertmüller impegnata in un progetto di rivisitazione in chiave contemporanea di grandi testi del passato.
Carlo Goldoni colloca La vedova scaltra del 1748, in una Venezia pullulante di artisti e avventurieri provenienti da ogni parte d’Europa. Testo di transizione tra la commedia dell’arte e la “commedia nova”, La vedova scaltra ha importanza fondamentale nello sviluppo della drammaturgia goldoniana. Essa costituisce infatti il primo autentico trionfo dell’appena iniziata riforma, e il grande successo delle prime rappresentazioni lo aiutarono ad affrontare con più determinazione il suo programma di innovazione teatrale, come racconta egli stesso: ‘Sebbene le commedie da me date avessero tutte avuto fortuna, nessuna fu fortunata come questa. Ebbe trenta repliche e dappertutto fu rappresentata con lo stesso esito felice. L’inizio della mia riforma non poteva avere accoglienze più fervorose.’
La vedova scaltra, che costituisce una sorta di prova generale de La Locandiera, si compone di una interessante fusione di gioco teatrale tradizionale e vita vissuta, con punte di asprezza e crudeltà.
Rosaura, maritata giovanissima ad un signore anziano e ricco e rimasta vedova, è oggetto dei corteggiamenti di quattro cavalieri, vogliosi di conquistare una preda. Il filo conduttore di tutta l’opera è un sostanziale bisogno d’amore. Assenti la mondanità e il desiderio di costruire un nucleo familiare. L’appassionata ma saggia vedova è mossa da valori freschi e autentici e ritrova nell’amore il senso principale della vita.
Enrico Job ha immaginato al centro dell’azione un letto, simbolo di voluttà, per Rosaura rimasto sempre vuoto. Un letto quasi verginale nonostante la vedovanza, denso di sogni e di solitudini. Nella rielaborazione dell’opera, sono stati eliminati alcuni personaggi e maschere e la polemica tra vecchio e nuovo si concentra su Arlecchino, testimone della Commedia dell’Arte. Si preparano gli sconvolgimenti rivoluzionari che distruggeranno l’incipriata eleganza di un secolo

OPIFICIO D’ARTE SCENICA
AIDA
Di come la guerra seppellisce l’amore

Testo e Drammaturgia di Gabriele Duma e Andrea Stanisci
Regia di Gabriele Duma
Scene e Costumi di Andrea Stanisci
Luci di Marco Carletti
Con Antonella Franceschini e Gabriele Duma
Coreografa e danzatrice Valentina Moar
Trascrizione per sassofoni di Daniele Faziani

Aida, una principessa etiope, è catturata e condotta in schiavitù in Egitto. Radamés, un comandante militare, è combattuto nella scelta tra il suo amore per Aida e la sua fedeltà al Faraone. Inoltre Radamés è amato da Amneris, la figlia del Faraone… Questa in sintesi la trama di Aida di Giuseppe Verdi, forse l’opera più conosciuta al mondo e identificata per antonomasia con il mondo della lirica. Per questo Gabriele Duma, attore e cantante ormai impegnato da anni su un progetto di educazione all’ascolto dell’opera lirica, ha scelto di lavorare su Aida, che sotto il fasto dei suoi allestimenti, riserva delle importanti sorprese tematiche. Infatti, se si volesse condensare tutta la storia in una frase, si potrebbe dire semplicemente: di come la guerra seppellisce l’amore. E per guerra si intende non solo la guerra vera e propria combattuta sul campo di battaglia, quanto tutto l’insieme di azioni e intrighi che la ragion di stato chiede e impone. Uno dei temi principali è infatti il conflitto tra vita pubblica e privata, tra ragione di stato e ragioni del cuore che immancabilmente finiscono per soccombere.

Fascia d’età: dagli 8 anni
Durata: 60 minuti
Tecnica Utilizzata: teatro d’attore, musica e canto

Opificio d’Arte Scenica
La compagnia e’ impegnata da oltre un decennio nello studio e nella pratica della drammaturgia musicale alla ricerca di un prodotto artistico, didattico ed educativo che coniughi le esigenze di formazione del pubblico con quelle di crescita e approfondimento dei giovani artisti. La compagnia ha all’attivo importanti collaborazioni musicali tra cui il Teatro Comunale di Bologna e il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino.

Clicca qui in basso per il comunicato stampa – programma di sala

comunicatostampaaida-2.pdf

martedì 22 gennaio 2008, ore 21,00

Spettacolo fuori abbonamento

La Fiamma e la ragione

di e con Corrado Augias

mercoledì 23 gennaio 2008, ore 21,00

Un cuore semplice

di Luca de Bei

con Maria Paiato

a seguire (ore 23,00 circa)

Conversazioni nel foyer

Conversazione con Maria Paito a cura di Cira Santoro