di Michael Frayn

traduzione Filippo Ottoni, Maria Teresa Petruzzi
con Umberto Orsini, Massimo Popolizio, Giuliana Lojodice
regia Mauro Avogadro

scene Giacomo Andrico
costumi Gabriele Mayer
luci Giancarlo Salvatori
musiche Andrea Liberovici

Produzione Emilia Romagna Teatro Fondazione – Css Teatro Stabile di Innovazione del Friuli Venezia Giulia

Sono passati 11 anni dal debutto di Copenaghen, ma l’attualità del testo e la forza dello spettacolo, lo rendono ancora attuale. Copenaghen dimostra quanto il teatro possa essere il mezzo ideale per parlare e riflettere su temi importanti e attuali –  come in questo caso l’etica nella scienza e nella vita degli uomini, in una trama da thriller scientifico che ripercorre la Storia dell’ultimo conflitto mondiale. Uno spettacolo che fra teorie, formule, disquisizioni sottilmente scientifiche, porta lo spettatore quasi a rivivere i dilemmi di chi, con i suoi studi e la sua stessa esperienza personale, ha dovuto fare i conti con la sostanziale fuggevolezza della verità e del senso delle cose, a porsi gli stessi interrogativi morali, le stesse questioni cruciali di responsabilità.
Copenaghen è un avvincente thriller scientifico-politico, affidato nell’edizione italiana a tre grandi interpreti, Umberto Orsini, Massimo Popolizio e Giuliana Lojodice, diretti da Mauro Avogadro. Il testo è un inquietante “processo a porte chiuse”, come ha voluto definirlo lo stesso Avogadro, il disegno drammatico di un serratissimo faccia a faccia, una disputa etica e scientifica a tre voci, densa di angoscianti riflessioni e interrogativi alla vigilia del primo devastante uso della bomba atomica nella seconda guerra mondiale. La vicenda è ambientata nel 1941 proprio nella capitale nordeuropea e ricostruisce l’incontro, in una Danimarca occupata dai Nazisti, di due scienziati, entrambi Premi Nobel, un tempo maestro e allievo. Due ex compagni di ricerche costretti dalla guerra a guardarsi come due nemici.
Umberto Orsini interpreta il fisico Bohr, un uomo umbratile e umorale, che una sera riceve, assieme alla moglie Margrethe – interpretata da Giuliana Lojodice – la visita del suo ex allievo. Una visita veramente insolita quella di Heisenberg – Massimo Popolizio – e nei padroni di casa si instaura la certezza che essa non sia casuale. Ma quali sono allora i veri motivi della sua visita? Nella più solida tradizione anglosassone, il dubbio è amletico: forse il fisico tedesco, in nome della vecchia amicizia, vuol far sapere a Bohr – ormai schierato con la ricerca Alleata – che ancora non possiede (e con lui quindi il Terzo Reich) la formula della bomba; oppure è lì per cercare di trovare con lui un accordo per bloccare o rallentare, in maniera bilaterale, le ricerche sulle armi nucleari?; o ancora, è semplicemente lì per offrirgli protezione, magari in cambio di qualche segreto? Tutte ipotesi lecite e tutte in parte con un fondo di verità che non troveranno una risposta univoca.

Di: Sofocle
traduzione di Raul Montanari

Regia: Antonio Calenda

con Franco Braciaroli

…e Giancarlo Cortesi, Emanuele Fortunati, Gianfranco Quero, Alfonso Veneroso, Livio Bisignano, Tino Calabrò, Angelo Campolo, Oreste De Pasquale, Filippo De Toro, Luca Fiorino, Daniele Gonciaruk

Scene: Pier Paolo Bisleri
Musiche: Germano Mazzocchetti

Produzione: Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia, Teatro de Gli Incamminati, Teatro di Messina

È con grande impegno che il Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia – assieme ai coproduttori del Teatro de gli Incamminati e del Teatro di Messina – si appresta ad affrontare, per la regia di Antonio Calenda, l’Edipo di Sofocle, uno dei testi fondamentali di tutta la cultura occidentale, i cui significati non cessano di riverberare, con sempre nuovi echi nel nostro presente.
Un progetto scenico che oltre ad aprire la nuova collaborazione con Messina, permette contemporaneamente all’Ente di proseguire la propria ricerca nel filone dei grandi classici (si ricorderà, alcune stagioni orsono l’imponente lavoro critico e artistico costruito attorno all’Orestea eschilea), e di continuare l’intenso e proficuo scambio con una struttura – quella del Teatro de Gli Incamminati – e con un protagonista della levatura di Franco Branciaroli, con cui sono stati già raggiunti importanti risultati con il recente allestimento di Vita di Galileo.
«In un mondo smarrito, minaccioso, delle cui ombre sentiamo costantemente l’incombere – commenta il regista – è emblematico rielaborare il percorso, dal buio verso la chiarezza che Edipo compie nella tragedia sofoclea: un percorso nella coscienza che allo stesso tempo è individuale, di intima analisi e collettivo, di grande profondità…».
Scritta probabilmente nel 430 a.C., la tragedia si incentra sul mito di Edipo, che dopo aver risolto gli enigmi della Sfinge ha ottenuto di regnare sulla città di Tebe e la mano della regina Giocasta, vedova del re Laio. Con lei concepisce quattro figli, Eteocle, Polinice, Antigone ed Ismene e potrebbe vivere felice, come sovrano giusto e padre amato. Ma il testo si apre in realtà su uno scenario cupo: la città di Tebe infatti è devastata da una violentissima pestilenza. Edipo si rivolge all’Oracolo di Delfi, nella speranza di poter ottenere qualche consiglio per accattivarsi il favore degli dei e salvare la città dall’epidemia. L’oracolo suggerisce di scoprire chi abbia ucciso il Re Laio, solo dopo aver fatto giustizia, la pace ritornerà a Tebe. Edipo dunque, si impegna subito ad indagare: ascolta il saggio e cieco Tiresia e altri, ignaro che sarà egli stesso la vittima di quelle ricerche. Si viene a conoscenza infatti che, per una serie di fatti complessi e imprevedibili, Edipo è figlio di Laio (e dunque sarebbe il suo giusto successore al trono) ma in seguito ad una lite sulla strada per Tebe è stato egli stesso a uccidere il genitore. Assassino del padre, sposo della propria madre e a sua volta padre di quattro frutti di un amore incestuoso… Edipo è sopraffatto da tali terribili rivelazioni e altresì deciso a sottomettersi alla più giusta punizione: sul cadavere della sfortunata Giocasta, suicidatasi nel comprendere il misfatto da lei commesso, si acceca. Sconterà il proprio gesto in un eterno esilio, che egli stesso aveva deciso per l’assassino di Laio. Abbandona dunque Tebe, affidando il regno ed i figli al cognato Creonte.
Il mito di Edipo, dopo la celebre versione sofoclea, è stato in ogni tempo oggetto di rivisitazioni, dall’età medievale, rinascimentale, moderna, suscitando un interesse che non ha conosciuto soste. Ma è la contemporaneità che – soprattutto a seguito della lettura freudiana – ha donato più di ogni altro momento storico al mito edipico una centralità assoluta, nell’ambito scientifico come in quello delle arti e in particolare della letterature, del teatro di prosa  musicale.
La vicenda di Edipo è infatti diventata il simbolo del legame dell’uomo verso i propri genitori un legame che si sviluppa fra gli opposti di amore e odio. Nel Novecento, il mito edipico diviene quasi archetipo di ogni dinamica drammaturgica del passato (lo si riconosce addirittura nell’Amleto di Shakespeare) e della scrittura coeva. Anche se Freud e la sua concezione psicoanalitica sono stati fortemente discussi, tuttavia hanno dato il La ad una serie di riflessioni in cui hanno trovato origine fondamentali momenti della storia della narrativa e del teatro europei: fra essi i lavori di von Hofmannsthal, di Cocteau di Gide e di Eliot, fino ad arrivare a Pasolini.

adattamento teatrale Peter Brook

Teatro Asioli, Correggio (RE)

domenica 22 – lunedi’ 23 novembre 09, ore 21

musiche Louis Couperin (1626-1661) eseguite dal vivo da Franck Krawczyk
luci Philippe Vialatte
con Natasha Parry, Michael Pennington
collaborazione artistica Marie Hélène Estienne
produzione C.I.C .T. / Théâtre des Bouffes du Nord, Paris
durata 50 min.

Spettacolo in lingua inglese con sopratitoli

A seguire concerto di Franck Krawczyk
(piano elettrico, fisarmonica)
musiche di Louis Couperin

Peter Brook realizza una mise en scène essenziale, uno spettacolo semplice, minimo, in cui gli attori leggono, recitano, interpretano una scelta dei sonetti di Shakespeare divisi in quattro parti: Il tempo divoratore, La separazione, La gelosia, Il tempo sconfitto.
Natasha Parry e Michael Pennington sono entrambi attori shakesperiani di lungo corso, e ne conoscono il ritmo drammatico e le sfumature vocali: la loro interpretazione in lingua originale – con sovratitoli – promette al pubblico di poter apprezzare in profondità questi straordinari liriche.
La musica per clavicembalo di Louis Couperin, resa ancora più delicata nell’esecuzione di Franck Krawczyk per fisarmonica e piano elettrico, è utilizzata da Brook per sottolineare la forza poetica dei Sonnets.
A seguire, un concerto commentato di musiche di Couperin eseguite da Franck Krawczyk.

Nella stupefacente raccolta dei Sonetti penetriamo nella vita segreta di Shakespeare. Scopriamo il suo diario intimo, le sue passioni, le sue gelosie, i suoi sensi di colpa, la sua disperazione, e soprattutto le sue domande sul significato profondo dell’attrazione: per una donna, per un uomo, e per l’atto stesso dello scrivere.
Non si è trattato di scegliere fra i 154 sonetti, ma di far emergere un movimento drammatico. Come guida, ho seguito le domande-risposte inespresse tra due persone.
All’inizio c’è una tranquillità condivisa, poi a poco a poco emergono le pene d’amore: separazione, infedeltà, tradimento, fino al disgusto carnale.
Poi, alla fine, Shakespeare esprime un amore che supera tutto, che si rivela più forte della vecchiaia e della morte.
L’amore vince il tempo.
Grazie alla loro lunga frequentazione shakespeariana, Natasha Parry e Michael Pennington insieme rendono perfettamente la ricchezza di questi testi.
Peter Brook

Peter Brook è nato a Londra nel 1925. E’ uno dei più grandi registi del teatro mondiale: i suoi allestimenti per la scena, i suoi film, le sue regie liriche hanno scritto una pagina fondamentale nella storia dello spettacolo di tutti i tempi.
Natasha Parry ha recitato con John Gielgud, Alec Guiness, Orson Welles, Rex Harrison sui palcoscenici inglesi e americani. Dal 1970 collabora con Peter Brook e il C.I.R.T. (Centre International de Recherche Théâtrale) da lui creato.  Ha lavorato con molti altri registi e attori, anche per il cinema.
Michael Pennington (Cambridge, 1943), attore e regista, è cofondatore con Michel Bogdanov della English Shakespeare Company. Ha effettuato tournée in tutto il mondo con gli spettacoli della compagnia. E’ noto anche per le sue apparizioni cinematografiche e televisive (Il ritorno dello Jedi, Il ritorno di Sherlock Holmes…)
Franck Krawczyk, nato nel 1969, è pianista e compositore. Oltre che di musica per orchestra, da camera e di numerose trascrizioni, è autore di musica per le scena e per installazioni, avendo collaborato, tra gli altri, con Boltanski, Kalman, Emio Greco/PC, Ostrovski. Insegna musica da camera al Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse di Lione.
Marie-Hélène Estienne ha preso parte a numerosi progetti teatrali di Brook e altri, sia come assistente alla drammaturgia che come adattatrice dei testi e co-autrice.

Info e prenotazioni:
Teatro Comunale “Bonifazio Asioli”
Corso Cavour, 9
42015 Correggio (RE)
Tel. 0522 637813
Fax 0522 632681
e-mail: info@teatroasioli.it

Apertura biglietteria:
da lunedì a venerdì 18.00 – 19.00
sabato 10.30 – 12.30

LA COMMEDIA DI CANDIDO
Ovvero
Avventura teatrale di una gran donna, tre grandi e un grande libro

Ispirata al candido di Voltaire
Di Stefano Massini
Con Ottavia Piccolo, Vittorio Viviani

e con
Massimiliano Giovannetti,Natalia Magni, Francesca Farcomeni, Desireè Giorgetti, Alessandro Pazzi

Scene e costumi di Gianluca Sbicca – Simone Valsecchi
Musiche di Cesare Picco
Disegno luci di Iuraj SALERI

Regia di Sergio Fantoni

Agustine, un’attrice particolarmente esuberante del 1700 parigino,  finisce dentro una storia mille volte più grande di lei. Più precisamente, finisce in un triangolo impazzito fra tre signori di mezza età non proprio sconosciuti, di nome Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau e Voltaire. Perché il caso vuole che l’ultimo di questi tre stia terrorizzando il mondo dalla sua villa di Ginevra. Voltaire, minaccia infatti di dare alle stampe un certo libretto satirico – piuttosto cattivo – in cui in un colpo solo potrebbe mettere alla berlina tutti i potenti del suo tempo, tutti i valori, tutti i suoi colleghi. Questo simpatico libretto è il Candido. Una pubblicazione di questo genere, in effetti, provoca un caos senza precedenti. Diderot teme per la propria Enciclopedia, Rousseau ha i brividi perché sa che Voltaire lo odia da sempre, i sovrani di mezza Europa tremano all’idea di essere svergognati, i gesuiti si preparano alla censura immediata…insomma, si schierano tutti contro Voltaire e il Candido.  Augustine si trova impelagata in questo turbinio. Le toccherà un’avventura rocambolesca  – sempre sul filo del rasoio – tra le fisime di Diderot, le sontuose colazioni di Voltaire e il tinello fatiscente di Rousseau in un vortice di travestimenti e in una carambola di finzioni.
La Commedia di Candido è un gioco di teatro nel teatro che si moltiplica all’infinito, uno spettacolo colorato, un susseguirsi di scene incalzanti dove si rincorrono  duelli di battute spietate, senza un attimo di tregua. Ma in questa favola – avventura di pieno Settecento fra filosofi e parrucche c’è molto che riguarda l’età contemporanea: dalla libertà di pensiero al riscatto femminile, dalla lotta contro le guerre ingiuste fino all’integralismo religioso. I temi del Candido, quanto mai attuali, tornano per porci grandi domande travestite da sberleffi. Perché “non c’è miglior modo di pensare che farlo ridendo” come disse lo stesso Voltaire.

Si intende in questo modo continuare una pratica di comunicazione con il nostro pubblico sul web 2.0, sulla strada tracciata lo scorso anno dal progetto Agire nella Visione.Pensiamo infatti che il supporto di contenuti multimediali, possa essere una sorta di strumento di formazione dello spettatore, un laboratorio d’arte permanente  oltre che uno strumento di diffusione e promozione delle attività del teatro.

Presentata da Emilia Romagna Teatro Fondazione presenta la Stagione di Prosa 2008/09 del Teatro Comunale A. Testoni di Casalecchio di Reno.

Una stagione che, se da una parte ribadisce l’attenzione verso i classici dall’altro offre uno spazio importante alla drammaturgia contemporanea e ai registi provenienti dal nuovo teatro, impegnati a sviscerare le domande del presente in una sorta di nuovo teatro civile.

Il cartellone si apre con Passaggio in India, il nuovo lavoro di Federico Tiezzi ispirato al celebre romanzo di E. Morgan Forster. Sandro Lombardi, protagonista e curatore della traduzione del testo di Santha Rama Rau, è affiancato da Giulia Lazzarini che interpreta Mrs Moore l’anziana donna inglese partita per l’India alla ricerca dell’esotico. Il viaggi la porterà a scoprire una civiltà misteriosa, molto più complessa della semplicistica immagine propagandata dai colonizzatori inglesi. Lo spettacolo, di stringente attualità dato il tema dello “scontro di civiltà”, scava nel carattere civile del racconto e pur essendo ambientato negli anni Venti, può essere letto come un ritratto dei nostri tempi. Segue un classico del teatro italiano: Luigi Pirandello con Il Giuoco delle parti, nell’ interpretazione di Geppy Gleijeses e la regia di Egisto Marcucci. È uno dei testi più famosi di Pirandello in cui la risibilità dei comportamenti umani, messa in luce dall’autore, è portata alle sue estreme conseguenze. Chiude la prima parte della stagione uno spettacolo che riflette sul tema della Natività: Provando in nome della Madre in cui lo scrittore Erri De Luca, già noto al nostro pubblico per Chisciotte e gli Invincibili, racconta la storia di Maria, secondo la sua definizione “operaia della divinità”. Gennaio riparte con uno spettacolo che ha appena vinto il premio ETI Olimpici del teatro come miglior testo della stagione e che, nella sua versione letteraria, è un vero fenomeno editoriale. Stiamo parlando di Gomorra di Roberto Saviano che insieme a Mario Gelardi ne ha curato la drammaturgia. Uno spettacolo nato prima che il libro venisse pubblicato e che vedrà in scena lo stesso scrittore, interpretato da Ivan Castiglione. Si scoprirà così in che modo egli ha conosciuto quelle persone di cui racconta e di come si poneva nei loro riguardi. Lo spettacolo racconta anche il momento in cui ha cominciato a scrivere e il lavoro di raccolta del materiale. Insomma, un altro tassello al puzzle di questa narrazione che si dimostra ancora una volta un filone inesauribile di storie. Un altro gradito ritorno sul nostro palcoscenico è quello di Elena Bucci con una rilettura di Hedda Gabler, di Henrik Ibsen. Insieme a Marco Sgrosso l’attrice rilegge il dramma borghese come una sorta di combattimento in un ring. I dialoghi serrati, a due, a volte a tre, fanno emergere le passioni apparentemente domate dalla ragionevolezza, portando i personaggi verso la tragedia finale. Un testo che invece reagisce con forza e determinazione al pensiero dominante fino a minacciarne la sua stessa sopravvivenza è il Candido di Voltaire che sul palco del Testoni viene ospitato nella versione di Stefano Massini con la bravissima Ottavia Piccolo. In questa favola-avventura di pieno Settecento c’è molto che ci riguarda da vicino: dalla libertà di pensiero al riscatto femminile, dalla lotta contro le guerre ingiuste fino all’integralismo religioso, ma lo spettacolo è divertente. Le grandi domande sono travestite da sberleffi, perché, come diceva Voltaire, “non c’è miglior modo di pensare che farlo ridendo”. E per continuare a ridere con intelligenza, abbiamo deciso di dare spazio a un attore che ha fatto della comicità il suo segno, ma che affonda le sue radici più profonde nel teatro d’autore. Parliamo di Paolo Rossi che, con Sulla strada ancora, sperimenta tutta la sua maestria di improvvisatore, racconta la sua storia personale e professionale accidentata anche se di grande successo, offre vere e proprie lezioni di teatro passando da Jarry a Shakespeare, da Cechov a Lenny Bruce. Uno spettacolo che non si può raccontare perché si costruisce ogni sera con il pubblico. L’attualità e la sua inquietante banalità quotidiana entra invece in scena con La badante un testo di Cesare Lievi che ne cura anche la regia. Attraverso lo schema del giallo lo spettacolo compie una riflessione poetica sui cambiamenti indotti nella nostra società dalla presenza degli immigrati, ma ciò che emerge è soprattutto l’aridità degli affetti familiari, la sterilità del benessere, il “nulla di fronte a cui ci si perde” del nostro quotidiano. E di immigrati e immigrazione ci parla anche Cèsar Brie, che con la sua inconfondibile vena poetica rilegge l’Odissea, il poema della perdita e del ritorno. Ulisse è il migrante, il curioso, il guerriero, il naufrago e se la sua figura incarna nostalgia, scaltrezza, disperazione, lotta per la sopravvivenza, i personaggi che lo circondano  incarnano fedeltà, attesa, ricerca del padre, nostalgia. Brie si inoltra, attraverso di loro, in tutti gli aspetti del racconto, dalla fiaba ai ricordi, ma soprattutto ci racconta degli Ulisse di oggi: gli artisti nel loro viaggio attraverso le forme, gli impiegati che vanno via immobili con la loro immaginazione, i migranti che arrivano sulle nostre spiagge naufraghi. L’Odissea sarà programmato in collaborazione con il Centro La Soffitta – Dipartimento Musica e Spettacolo del’’Università di Bologna, e fa parte di un progetto più articolato intorno alla figura di Cèsar Brie, che verrà presentato insieme alle altre attività del Centro La Soffitta nei prossimi mesi.

]]> http://www.teatrocasalecchio.it/home/stagione-di-prosa-200808/feed/ 0 http://www.teatrocasalecchio.it/home/25-26-marzo-luigi-lo-cascio-al-teatro-testoni/ http://www.teatrocasalecchio.it/home/25-26-marzo-luigi-lo-cascio-al-teatro-testoni/#comments Sat, 01 Mar 2008 19:31:13 +0000 Teatro A.Testoni http://www.teatrocasalecchio.it/home/25-26-marzo-luigi-lo-cascio-al-teatro-testoni/ Inseriamo un brano del film “I cento passi” per presentare Luigi Lo Cascio, che la prossima settimana sarà ospite nel nostro teatro, ma anche per ricordare Peppino Impastato, di cui in questi giorni ricorre il trenetennale della morte.

Si avvisa il gentile pubblico che

l’incontro con Luigi Lo Cascio

è annullato

Lunedì 18, martedì 19 febbraio 2008, ore 21,00

IL GIARDINO DEI CILIEGI

di Anton Čechov
regia Ferdinando Bruni
con Ida Marinelli, Elio De Capitani, Ferdinando Bruni, Elena Russo Arman, Angelica Leo, Luca Toracca, Vittorio Attene, Cristina Crippa, Nivola Stravalaci, Corinna Agustoni, Fabiano Fantini, Edoardo Ribatto
musiche di Filippo Del Corno
eseguite da Sentieri Selvaggi
luci di Nando Frigerio
suono di Jean- Christophe Potvin

Teatridithalia, Teatro dell’Elfo

Nell’allestimento di questa commedia tratta da Anton Čechov, rarefatta, buffa e disperata che ha per protagonista il tempo e il suo trascorrere nella vita degli individui e del mondo,undici attori diretti da Ferdinando Bruni mettono in gioco la coralità, la sensibilità e la maturità di un gruppo e delle sue singole personalità,
Un’enorme tenuta che va alla malora, un frutteto che una volta all’anno, nel mese di maggio, si copre di fiori bianchi e diventa “giardino”, simbolo di rimpianti, speranze e sogni. Ogni anno il ciclo delle stagioni si compie, e ogni anno il giardino ritorna giovane, ricomincia la sua vita. A contemplare questo miracolo per l’ultima volta, riuniti nella grande casa dell’infanzia, i personaggi della commedia non possono che scorgere su di sé, ognuno nell’altro, i segni del tempo che passa, il miracolo che su di loro non si compie, l’approssimarsi di una resa dei conti col proprio destino. Così nell’arco di un’ultima estate, si compie una vicenda fatta di nulla, ma che attraverso il chiacchiericcio inconsistente che copre la disperazione, attraverso pause di silenzio da riempire subito di risate o di lacrime, lascia intrasentire “il ridacchiare del tempo, quel galoppo da padrone”, lascia intravedere la ferite della vita che se ne va “senza averla vissuta”.
Il regista colloca i quattro atti del Giardino dei ciliegi in una specie di limbo, l’antica stanza dei bambini, che è simbolicamente punto di ritrovo per la famiglia di Ljuba, fra oggetti concreti, ma carichi di valenze evocative: la lavagna con l’alfabeto cirillico-europeo, i tabelloni illustrati per imparare il francese (la lingua dell’aristocrazia, la lingua dell’esilio), gli uccelli impagliati, prigionieri di una vita artificiale, oggetti che piano piano andranno sparendo, recidendo legami col passato, fragili e malati, lasciando spazio alla durezza impietosa del presente o alle utopie luminose del futuro. Con queste parole Ferdinando Bruni ci restituisce una sua chiave di lettura dell’opera:
“Lontane ormai tutte le possibili nostalgie per un mondo tramontato circa un secolo fa, madeleines che non evocano più nulla, tramontato il tetro impero oltre la cortina di ferro, siamo finalmente liberi di leggere questa pièce leggendaria senza le lenti deformanti della nostalgia o dell’ideologia. – Il giardino dei ciliegi torna essere quello che è: un’enorme tenuta che va alla malora, un tempo principale fonte di reddito della svagata famiglia di aristocratici decaduti che la possiede.”