11 maggio 2009 ore 21.00
INCENDI
di Wajdi Mouawad

in collaborazione con Fondazione Nuovi Mecenati
nell’ambito del progetto Face à Face
Parole di Francia in Italia/Paroles d’Italie en France

traduzione Caterina Gozzi
mise en espace a cura di Stefano Ricci
con Maria Paiato, Anna Gualdo, Vinicio Marchioni, Cristina Spina, Marco Vergani

In Francia Wajdi Mouawad è il drammaturgo rivelazione degli ultimi anni. Con la sua trilogia sulla guerra, l’esilio e l’identità di cui Incendi è parte, Mouawad ha creato un teatro universale che risuona come una tragedia moderna. Un’odissea del tempo presente che ci trascina alle stesse fonti dell’esistenza, parola che in arabo si dice Wajdi. Di Incendi dice: “Colui che tenta di trovare le sue origini è come chi cammina in mezzo al deserto e spera di trovare, dietro ogni duna, una città. Ma ogni duna ne nasconde un’altra e la fuga è senza via di uscita”.
Nato in Libano nel 1968, Wajdi Mouawad è costretto ad abbandonare la sua terra natale a otto anni, a causa della guerra civile. Inizia un periodo d’esilio, che lo conduce prima in Francia, poi, dal 1983, in Québec. È qui che compie i suoi studi e ottiene il diploma della Scuola Nazionale di Teatro di Montréal. Autore e regista, Mouawad crea molto presto la sua prima compagnia, il Théâtre Ô Parleur. Nel 2000 diventa direttore artistico del Théâtre de Quat’sous di Montréal, incarico che manterrà fino al 2005 quando crea le compagnie Abé carré cé carré e Au carré de l’hypothénuse che collaborano da una parte all’altra dell’Atlantico. Dal 2007 è direttore artistico del Théâtre français du Centre national des Arts d’Ottawa. Nel 2009, sarà artista associato al Festival di Avignone.

Nella foto: Maria Paiato

In collaborazione con

TEATRO DE LOS ANDES

Testo e regia CÉSAR BRIE

coproduzione
EMILIA ROMAGNA TEATRO
FONDAZIONE PONTEDERA TEATRO

in collaborazione con
ARMUNIA Festival Costa degli Etruschi Castiglioncello
Fondazione Fabbrica Europa Firenze

L’Odissea è il racconto dei racconti agli albori dell’uomo, la sintesi di tutti gli aspetti del racconto: la fiaba, la magia, gli eventi, i ricordi, la lotta contro la natura, contro i propri compagni, contro i mostri e contro se stessi.  E così César Brie, attraverso il mito, cerca di rispondere ad alcune domande attualissime, cerca di capire quali siano gli odierni naufragi, le passioni e i mostri che attanagliano le nostre vite.
Parte da qui Odissea, dalle radici della cultura occidentale e si trasforma in uno spettacolo multietnico e colorato, attualissimo.
Dieci attori in scena, uno spazio vuoto dove lunghe canne disegnano, di volta in volta, ambienti interni o grandi orizzonti; musica dal vivo suonata dagli attori stessi, e la danza, che si configura come simbolo del viaggio, delle peregrinazioni di un Ulisse divenuto un emigrante sud-americano che cerca di oltrepassare la frontiera statunitense per poi ritornare ad Itaca da deportato. E se Ulisse è un emigrante boliviano, Polifemo diventa il capo di una banda di criminali che uccide i clandestini. Cariddi è il Golfo di Guatemala da cui partono i loro gommoni per approdare alle coste messicane, Scilla il deserto che li divora alla frontiera statunitense, dove i Lestrigoni, turisti della disperazione altrui, li aspettano per fotografarli come trofei prima di abbandonarli al loro destino miserabile.
Due ore e mezza che parlano di noi, anche quando, in apparenza, si rigira il coltello nelle piaghe andine. Non c’è più un ordine antico e giusto da restaurare: nell’Odissea del Teatro de Los Andes, montata mentre la Bolivia era sull’orlo di una guerra civile, il disordine diviene sostanza e l’ordine formale è quello di un passato che abbiamo sempre davanti.
Intrecciando fili e tematiche differenti, l’Odissea omerica si è trasformata in uno spettacolo che è magia, rapimento, divertimento, proiezione nel mito di una vita che potrebbe essere quella di ognuno di noi.
Inoltre, in collaborazione con il Centro La Soffitta, Conversazioni nel foyer, incontro con Cesar Brie, alle ore 18 dell’8 aprile in Teatro in cui lo stesso regista ci parlerà del suo viaggio attraverso l’Odissea.

Di Ermanna Montanari
Lettura concerto

Con Cinzia Dezi, Michela Marangoni, Ermanna Montanari, Laura Redaelli

Spazio luce Enrico Isola, Ermanna Montanari
Assistente progettazione spazio luce Claire Pasquier
direzione tecnica Enrico Isola
musiche originali e sound design Davide Sacco
consulenza musicale per il canto gregoriano Elena Sartori
regia Marco Martinelli

produzione Teatro delle Albe – Ravenna Teatro
in collaborazione con Ravenna Festival e deSidera Bergamo Teatro Festival

Di Rosvita, drammaturga ante litteram del X secolo, si sa poco: canonichessa del monastero di Gandersheim, scrisse una serie di opere in latino tra cui alcuni drammi teatrali, ispirati alla struttura e nello stile a quelli di Terenzio,  la cui  licenziosità viene rovesciata a favore di agiografie edificanti  di santi e di martiri.
Ermamma Montanari aveva già lavorato sui testi di Rosvita nel ’91, ma a differenza di quello spettacolo, che ne frantumava le voci in forma di monologo, oggi ci propone un ampliamento della partitura testuale sotto forma di lettura-concerto.  Nello spettacolo Rosvita parla in prima persona solo all’inizio, nella “lettera ai dotti”, quando sottopone i suoi scritti al giudizio di alcuni intellettuali, chiede scusa con umiltà dei suoi errori e spiega la sua scelta di ispirarsi a Terenzio. Seguono tre “dialoghi drammatici” che hanno tutti per protagoniste delle donne: una prostituta penitente, tre giovani sorelle che affrontano liete e indomite il martirio, una ragazzina estatica convinta dal nonno eremita a diventare un angelo. Ma la crudeltà di questi drammi è tutta interiore: non c’è logica, non c’è buon senso, non c’è realismo né psicologia. Queste figure femminili sono emblema dello spirito, marionette al vento che urlano, pregano, si seppelliscono, in un conflitto tra autorità patriarcale e ribellione muliebre agito scenicamente in un’epoca in cui la donna veniva descritta come “porta del Diavolo”.  I testi della suora di Gandersheim,  intrecciati qua e là con versi di Sant’Agostino, Beaudelaire, Amelia Rosselli, sono inoltre sostenuti dal coro gregoriano formato da Cinzia Dezi, Michela Marangoni e Laura Redaelli che intonano la “musica celeste” dal fondo della scena. Nello spettacolo non c’è scenografia, non c’è azione: tutto va “visto” attraverso la voce, il canto, i suoni in uno spazio luce che potrebbe essere situato ovunque quasi fosse un’isola-edicola  contemporanea.
Info e prenotazioni: 051/573040 e www.teatrocasalecchio.it

25 MARZO ore 21

scritto e diretto da Michele Bandini ed Emiliano Pergolari
creazione ed elaborazione suoni Michele Branca
tecnico del suono e delle luci Mirco Duvalloni
supporto tecnico e organizzativo Francesco Ferri

Produzione  Teatro Stabile dell’Umbria
con il supporto di Armunia, Comune di Foligno, Comune di Trevi

vincitore di Nuove Creatività, progetto sostenuto dall’Ente Teatrale Italiano

Zoe Teatro è  una giovane compagnia fondata da Michele Bandini ed Emiliano Pergolari, allievi e attori –guida della non-scuola del Teatro delle Albe di Ravenna. I due, che hanno vinto il Premio Nuove Creatività dell’Ente Teatrale Italiano, si sono misurati con  Beckett  e i suoi brevi e intensi atti unici per raccontare un regno in malora, una corte allo sfascio. Sulla scena tre ombre:  un re, un ministro e un cuoco, unici superstiti di un nosocomio fatiscente del potere nel quale non si salva più nemmeno la rivoluzione.  Il tempo sembra fermo, il luogo chiuso, l’altrove impossibile in questo universo desolato nel quale, ai tre protagonisti, non rimane altro che sopravvivere fino ad esaurimento scorte.
Zoe Teatro porta in scena un ritratto amaro del potere, della politica e della sua odierna e peculiare componente paradossale, ma lo fa attraverso le tonalità più cupe e grottesche della comicità. Ulteriore conferma dello sguardo dissacrante offertoci dallo spettacolo è l’utilizzo di un linguaggio immediato, diretto, che diviene specchio di una natura terribile.
Sulla scia delle precedenti sperimentazioni, in Malacorte, il dialetto folignate diventa una voce profonda della scena e di quel mondo sgangherato; degenerazione dell’italiano e rifrazione della caduta e dell’abbrutimento. Un lavoro di scrittura e ri-scrittura che ha seguito tutte le peripezie e i ripensamenti tipici di un’attività creativa viva e in movimento; un percorso inconsueto frutto di improvvisazioni e appunti di lavoro pensati, in realtà, per altre situazioni sceniche. Un attacco feroce, dunque, travestito da gioco leggero, si consuma nel trascorrere di sessanta minuti densi di ironia e lenta agonia.