Pigro, Medio e Saggio sono i protagonisti del famosissimo racconto inglese “I tre porcellini” nella versione teatrale pensata da Marina Allegri per Fontemaggiore Teatro Stabile d’Innovazione. Nel tempo sono state inventate numerose varianti, ma qui si è cercato di tornare il più vicino possibile alla storia originale, scritta nel 1843.

La scelta del materiale per costruirsi la casa diventa il pretesto per ragionare sui piaceri e sui doveri della vita, sui consigli di una mamma molto presente, sulla paura di andare per il mondo da soli, sull’esistenza vera o presunta del lupo. Questa figura è interpretata a turno dai tre attori in scena ed incarna il gioco ambivalente tra la necessità animale di seguire la propria natura e la voglia di fare paura.
La drammaturgia si basa su un susseguirsi di situazioni comiche ed intense, fino all’inevitabile finale con il lupo nella pentola; i personaggi non sono mai caricati di connotazioni troppo negative né positive e la storia procede veloce secondo il suo corso, mantenendo il dubbio che, tra la scelta di una vita breve ma giocosa ed una lunga e laboriosa, sia la “Natura” a fare l’ultima mossa.

Dopo lo spettacolo, Merenda in compagnia con la collaborazione di Melamangio spa

LA BELLA ADDORMENTATA

tratto da “Rosaspina” dei fratelli Grimm

con Filomena De Leo, Daniele Lasorsa, Raffaella Giancipoli, Bruno Soriato, Annabella Tedone

Regia e scene Michelangelo Campanale
Drammaturgia Katia Scarimbolo
Compagnia La luna nel letto

dai 4 anni

E’ bello, prima di addormentarsi, giocare sotto le coperte e con i cuscini, o raccontarsi delle storie: in scena  cinque ragazzi indecisi su quale storia raccontare. Ma all’improvviso il sonno prende il sopravvento su Rosa e fa partire il gioco:  intorno al grande letto il tempo si sospende, la magia del sogno entra dolcemente nella scena, annulla i confini tra il racconto e la realtà, la fanciulla  si trasforma in principessa e  i suoi compagni, fingendosi protagonisti della storia,  la accompagnano, in un vortice di immagini, risate ed emozioni, nella  sua fabia preferita: “.La bella addormentata nel bosco” .
Lo spettacolo nasce  da dieci anni di esperienza diretta con i bambini, attraverso il gioco, l’animazione teatrale e le letture animate. Nei laboratori abbiamo esplorato l’immaginario infantile, la dimensione fantastica attraverso la quale i bambini si relazionano al mondo. Abbiamo esplorato il mondo onirico, giocando a sognare ad occhi chiusi e ad occhi aperti e il sogno dei bambini ci ha fatto riscoprire la fiaba di Rosaspina.
Con i bambini ci siamo detti: “…allora Rosaspina sogna per cento anni? E come sono i suoi sogni?come trascorrono cento anni di sogni?”

Dopo lo spettacolo MERENDA IN COMPAGNIA in collaborazione con

adattamento teatrale Nicola Lusuardi
regia Fabrizio Montecchi

produzione Teatro Gioco Vita – Teatro Stabile D’Innovazione
Chien Bleu, Nadja © L’Ecole des Loisirs – Paris

dai 3 anni
teatro d’attore e ombre

Quale bambino non ha mai sognato d’avere un cane che dorme con lui, che veglia su di lui e lo protegge? Cane Blu non è un cane come gli altri. Arriva da un dove che non si sa dov’è e da un tempo che sembra senza tempo. Questo lo rende libero, potente e misterioso. Ma Cane Blu è anche docile e mansueto e questo ne fa il protettore, l’amico, il confidente di Carlotta. Tra Cane Blu e la bambina nasce un’amicizia segreta, fatta soprattutto di silenzi e tenerezze, interrotta solo dalla madre che, una volta scoperto il legame tra i due, impedisce alla bambina di accoglierlo e di frequentarlo. Ma Cane Blu continua a vegliare su Carlotta e nel momento del pericolo la salva, difendendola dall’attacco dello Spirito del bosco nel quale la bambina si era persa.
Questa storia, all’apparenza semplice e lineare, è in realtà pervasa da qualcosa di grande e misterioso che la rende ricca di pathos e di tensione. Cane Blu ci racconta l’universo più intimo e contrastato del bambino e del “fantastico” che si fa presenza quotidiana, che s’insinua nelle nostre vite e ci accompagna in momenti importanti della nostra esistenza.
Con questa produzione Teatro Gioco Vita continua il suo viaggio nel mondo del libro illustrato per bambini scegliendo un’autrice connotata per l’originalità dei suoi temi e delle sue illustrazioni. L’opera di Nadja rappresenta sicuramente un’ulteriore occasione per evolvere il proprio linguaggio delle ombre e sviluppare nuove forme rappresenta¬tive ed espressive per il pubblico dei più piccoli.

E dopo lo spettacolo MERENDA IN COMPAGNIA con collaborazione con

Teatro delle Briciole
Cantiere Nuovi Sguardi per un Pubblico Giovane

un progetto affidato a Teatro Sotterraneo

regia Sara Bonaventura, Iacopo Braca, Claudio Cirri, Daniele Villa
con Daniele Bonaiuti, Chiara Renzietà

7-10 anni

Esistono nel mondo alcune “nazioni in miniatura”. Piattaforme petrolifere abbandonate, isole o piccole porzioni di terraferma dove non vige alcuna giurisdizione o controllo politico-militare e dove alcuni soggetti, preso il controllo del territorio, hanno emanato proprie leggi, coniato una nuova moneta, strutturato proprie istituzioni e avviato rapporti con territori vicini. Qui l’esercizio di cittadinanza può ripartire da zero, porsi domande originarie sul fare società e rispondere con modalità inedite.

Si parte dalla scena teatrale come piattaforma vuota su cui costruire una micronazione. Due attori irrompono sulla scena e cominciano a progettare il loro paese in miniatura. Servono delle leggi. Servono dei luoghi. Servono delle cose. Si parte da zero, tutto è da costruire, liberi di costruirlo come vogliamo. La micronazione è una scena vuota, deserta, che lentamente si popola e riempie, magari anche degli stessi elementi che compongo il panorama teatrale (luci, musiche ecc) oppure di segnali che diano regole (cartelli, striscioni ecc) di modo che ai bambini sia dato vedere come da un vuoto si possa edificare una Polis. L’incognita è sul tipo di Polis.

In questo quadro il coinvolgimento diretto dei bambini pare un necessario rovesciamento. I bambini non dispongono solitamente di potere diretto. Sui bambini non gravano responsabilità. I bambini vivono in un mondo normativo, fatto di ordini, obblighi e divieti. È nella natura delle cose, che il vecchio guidi il fanciullo. E del resto il fanciullo non potrebbe decidere su cose di cui non ha ancora fatto esperienza. Nel costruire una nazione in miniatura proviamo a dotare i bambini di un potere inedito e fatto su misura. Sullo sfondo un piccolo luogo deserto in cui dar vita a una società, Robinson Crusoe ma anche il serial Lost, e naturalmente Il signore delle mosche di Golding.
Si tratta di una piccola Cosa Pubblica, si tratta di uno spettacolo teatrale dove la finzione è evidente perché è il motore dell’immaginazione, si tratta di un paese in miniatura che si spegnerà quando si spegneranno le luci che lo illuminano, ma al tempo stesso si tratta di una possibilità.

Ed è proprio da uno spettacolo che mette i piccoli spettatori in una situazione di  partecipazione civile che si comincia: La repubblica dei bambini, del Teatro Sotterraneo, costruisce tra le mura del teatro una micro nazione, invita i bambini a esprimere  il loro voto, a governare direttamente un piccolissimo stato che durerà solo un’ora ma a sufficienza per capire il valore della Cosa Pubblica.  E patrimonio comune non può  non essere anche la poesia che, in collaborazione con la Biblioteca Cesare Pavese diventerà uno dei fili portanti di tutta la stagione attraverso attività formative, incontri con poeti e naturalmente, con il teatro. Ferruccio Filipazzi, uno dei narratori più longevi del Teatro Ragazzi italiano, presenterà E sulle case il cielo, nato dall’incontro con Giusi Quarenghi. Uno spettacolo di poesia  illustrato dal vivo dai disegni su sabbia di Massimo Ottoni, un’occasione per incontrare direttamente quella che viene considerata una della maggiori poetesse contemporanee per l’infanzia ma soprattutto un modo per avvicinare la poesia  con leggerezza ed emozione. Di grande poeticità sono anche gli spettacoli  destinati al pubblico  più piccolo: da Nico cerca un amico del Baule Volante, tratto dal libro illustrato di Matthias Hoppe a In mezzo al mare di Silvano Antonelli e Storie Fruttuose di Cà Luogo d’arte, il rapporto con il mondo delle emozioni e delle loro rappresentazioni è fortissimo, passando dai libri illustrati e dai ricordi dei bambini raccolti dall’Osservatorio dell’immaginario della Compagnia Stilema ai linguaggi dell’animazione e della scena.  Come sempre inoltre, non mancheranno le grandi storie: Rosaspina del Teatro del Piccione e Robin Hood di Armamaxa Teatro, saranno opportunità di incontro con il  fiabesco e il mondo delle leggende popolari, mentre Secondo Pinocchio, della Compagnia Burambò dimostrerà, ancora una volta, la ricchezza delle grandi  storie da cui è sempre possibile trarre nuova linfa e ispirazione.

Per la ormai consolidata sezione dedicata agli adolescenti invece, si è scelto di lavorare sul conflitto, in collaborazione con il Centro di Documentazione Pedagogica.  Gang, lo spettacolo del Charioteer Theatre in lingua inglese, racconta il conflitto sociale, quello delle bande giovanili che infiammano le strade del Regno Unito, coinvolgendo direttamente gli studenti nella messinscena, mentre Somari, della giovanissima compagnia Kilodrammi, parla di un conflitto più nascosto, quello con gli adulti e con il proprio tempo, incapace di dare alle giovani generazioni prospettive future.  Una proposta, quella per gli adolescenti, che come lo scorso anno sarà seguita anche dagli psicologi della ASL di Bologna e che verrà corredato da incontri, attività di laboratorio e blog.

Continuano naturalmente le tradizionali proposte di formazione sia per le classi con l’Associazione Culturale Cantharide, con Franny e Zooey e i laboratori di costruzione dei burattini condotti dalla maestra burattinaia Sandra Pagliarani in collaborazione con Arte e Salute Onlus, sia per i docenti, con la ripresa degli incontri su didattica e teatro. Una importante novità è rappresentata da progetto Face à Face, Parole di francia per scene d’Italia, realizzato grazie alla collaborazione con l’Ambasciata di Francia in Italia e l’Alliance Française di Bologna con cui nelle scorse stagioni, sono stati  presentati al pubblico  testi di drammaturgia contemporanea francese. Quest’anno il progetto verrà destinato all’infanzia: i testi di autori francesi presi in considerazione porteranno con sé nuovi mondi, sia dal punto di vista linguistico che dal punto di vista poetico, e metteranno in relazione un’idea di infanzia e di teatro per l’infanzia molto diverse tra loro, come ma con moltissime affinità.  Un modo per allargare i propri confini, mettere in relazione esperienze diverse e chissà,  costruire un’idea d’infanzia europea.

La storia d’amore di Caterina e Ivo

di Manuela Capece e Davide Doro
con Rosita D’Aiello e Davide Doro

voce narrante Claudio Guain
disegno luci Yannik De Sousa Mendes
scene Silvia Bertoni, Paola Brunello e Paolo Romanini
costumi Paola Brunello e Patrizia Caggiati
neve Cà Luogo d’Arte
tecnica Deborah Penzo
assistente alla regia Consuelo Ghiretti
organizzazione Maria Giulia Guiducci

spettacolo per bambini dai 3 ai 5 anni e per tutti

una produzione compagnia RODISIO
in collaborazione con Teatro delle Briciole Solares Fondazione delle Arti

Raccontiamo una storia d’amore ai bambini piccoli. Perché abbiamo voglia di baci e di carezze. Raccontiamo di occhi che si guardano, si scelgono e s’innamorano. Abbiamo voglia di tuffi al cuore, di mani emozionate, di passione travolgente. E per raccontare d’amore, balliamo. L’inverno è una piccola opera danzata, dove la musica, le parole, e la danza si accompagnano, si sostengono, s’incalzano.

Una piccola opera d’amore per raccontare la storia di Caterina e Ivo. Che comincia quando l’inverno è appena finito. Che comincia quando comincia la primavera. E che dovrà resistere fino alla primavera seguente. Ma non c’è primavera senza inverno. E anche questa storia, come tutte le storie d’amore, non varrebbe la pena di essere raccontata, senza raccontare della paura di perderlo, l’amore. Caterina e Ivo ballano, ballano innamorati. Ballano fino a che arriva l’estate, un’estate calda e bella. Poi in autunno decidono di partire per un viaggio. Un lungo viaggio per vedere tutto quello che c’è. E continuano a ballare, fino a che le foglie cadono dagli alberi, fino a che arriva il freddo, fino a che un giorno comincia a nevicare. Caterina e Ivo continuano a ballare, innamorati, anche quando arriva l’inverno. Ed è in inverno, che ad un certo punto, lui si volta e lei non c’è più. Lui la cerca, si dispera, ma lei non c’è più. Continua a nevicare, è un inverno freddo questo.Ma non il freddo e nemmeno la neve ferma Ivo, che la cerca e continua a cercarla. E la chiama, Caterina!

Caterina e Ivo si videro per la prima volta.Uno di fronte all’altra.Tutti e due stavano mangiando un bignè alla panna.Non smisero di masticare. Continuarono a mangiare, masticando il bignè intero stracolmo di panna.Si guardarono. E fu lì che la vita esplose. Esplosero il cielo, la terra, l’aria, il sangue nei corpi. Esplose la gente intorno. Esplosero i bignè dentro la bocca. Le nuvole corsero via per far passare i raggi del sole, i fiori sugli alberi sbocciarono tutti insieme e i fiori di pesco si colorarono d’arancio, le donne, tutte intonate, si misero a cantare, gli uomini, tutti belli e muscolosi, si arrampicarono gli uni sugli altri per fare piramidi umane come quelle dei giochi olimpici, i bambini applaudirono e lanciarono pezzi di carta che sembravano coriandoli, e che una volta lanciati si trasformavano in pappagalli colorati, le finestre delle case si spalancarono e i ragazzi sbucarono fuori lanciando petali di rose e salsicce arrosto, in piazza perfino i preti e le suore si baciarono tra loro, ballando eleganti walzer di primavera e singhiozzando per l’emozione. Non c’era dubbio. Era amore.

Il processo drammaturgico

Abbiamo lavorato con i bambini dai 3 ai 5 anni in numerose scuole materne.  Appena cominciamo a parlare d’amore, i bambini cominciano a stringersi l’un l’altro.Si fanno grandi sorrisi, si scambiano occhiate di intesa, qualcuno ride. Per lo più, sempre più stretti, si amano. Il carico di romanticismo dei bambini ci ha subito emozionato. Attraverso un vero e proprio lavoro di improvvisazione abbiamo cercato insieme ai bambini la storia da raccontare.

Abbiamo dato loro due personaggi con pochi e semplici caratteri. Li abbiamo fatti incontrare. Li abbiamo tenuti lì fermi a guardarsi per un po’. Il resto è venuto da se.I bambini hanno colto al volo la possibilità di una storia d’amore, si sono tuffati senza incertezza alcuna.Non c’è un prima, non c’è un perché, non c’è un dubbio, non c’è paura. C’è solo una passione da far vivere.  Ci hanno raccontato la storia di Caterina e Ivo. Dopo le parole li abbiamo fatti lavorare con il corpo, e allora accade che la poesia che loro stessi hanno composto per raccontare d’amore, si fa concreta, si fa corpo che racconta, che danza. Ad un certo punto abbiamo dato loro la terribile notizia. Caterina non c’è più. Con la stessa facilità con cui hanno accettato l’amore, la passione, ora i bambini accettano la paura.Il dramma è atteso come elemento naturale, come è ovvio l’inverno dopo l’autunno, e nel dramma c’è attesa. Sanno che in un modo o nell’altro anche dopo questo inverno arriverà la primavera.Comunque.E loro sono pronti a tutto. Caterina forse non tornerà mai più, forse è morta, forse Ivo un giorno smetterà di cercarla e troverà qualcun altro. E nonostante siano pronti a qualsiasi finale, sperano nel lieto fine. Aspettano con impazienza che torni la primavera. Pronti per una nuova storia da raccontare.Pronti all’amore e alla paura. Pronti.

L’Inverno ovvero un dramma popolare

Ad un certo punto abbiamo capito che il centro della nostra ricerca con i bambini non era tanto l’amore, quanto piuttosto il dramma che inevitabilmente lo accompagna. L’inverno è il nostro dramma, l’antagonista che arriva atteso e inaspettato allo stesso modo.Spesso per i bambini dai 3 ai 5 anni questa è la prima volta a teatro. E’ per questo che l’inverno arriva carico di teatralità; che fa muovere il sipario, che fa scendere la neve, che porta via Caterina, che lascia Ivo da solo. Disperato. I bambini smettono d’improvviso di sbaciucchiarsi, di coccolarsi, d’innamorarsi.Rimangono gli uni attaccati agli altri.Sta per succedere qualcosa. E loro stanno lì carichi di tensione. Pronti.Le luci si fanno scure.Il vento soffia forte.E’ la notte, è la paura, è l’inverno, è il dramma.E più forte è la tensione, più carica è la loro attesa.

Forse si era persa, forse era a fare la spesa, forse era in casa, in cucina, in soffitta, in cantina, in bagno, in corridoio, sul tetto, sopra un albero, forse era morta o al ristorante da sola, forse qualcuno l’ha rubata, è svenuta, sta dormendo, si è fatta male, forse ha preso la macchina ed è andata a Milano, o forse al mare a fare una vacanzetta, forse l’hanno uccisa i cattivi, l’hanno rapita i banditi o un mostro, o un cacciatore, forse ha mangiato una mela, forse l’ha mangiata un orso o un lupo, forse è andata a fare un giretto, forse ha preso la carrozza, la barca, la moto, la bicicletta o forse è andata a piedi, forse si è stufata, forse non lo amava più, forse ha trovato un altro amore, forse è diventata vecchia, forse lei era così vicino che lui nemmeno se ne è accorto. E poi ? E dopo ? Cosa succede ?

I bambini, soprattutto molto piccoli, sono ovviamente pronti alla vita. Istintivamente proiettati verso il dopo, verso la prossima stagione. E’ per questo che nella storia d’amore di Caterina e Ivo, la neve, cosi come è arrivata, ad un certo punto se ne va, da un’altra parte. Hanno saputo affrontare il dramma perché spinti naturalmente verso quello che deve ancora succedere.La curiosità è forte come la paura. A volte, anche di più.
E ovviamente sanno che dopo l’inverno arriva la primavera, sempre. Ancora una volta abbiamo dovuto togliere

L’inverno è uno spettacolo pensato per grandi platee in grandi spazi.  Per lavorare con le grandi misure abbiamo dovuto togliere, scarnificare, arrivare all’essenza.Abbiamo cercato i cliché, sintetizzando, levando tutto il superfluo e poi togliendo ancora. Fino a quando sono rimasti i simboli, i simboli delle stagioni, dell’amore tra un uomo e una donna. L’idea di raccontare di una passione forte, colta e vissuta, presa e mangiata ci ha portato a utilizzare pochissimi elementi scenici.Tratti piccoli e marcati che si fanno poesia per godere della passione, fin quando ce n’è.La nostra storia aveva bisogno di essere raccontata tutta d’un fiato.Non c’era tempo da perdere. E’ passata di lì una passione, forse era già lì, forse è caduta dall’alto e Caterina e Ivo l’hanno presa, la passione. E per questo ballano.

Questo spettacolo fa parte di un progetto di ricerca teatrale rivolto alle scuole materne ed elementari che si sviluppa nel triennio 2008 /2010.  Sta per succedere qualcosa – l’ amore, la paura, e quindi la rivolta – è iniziato a Parma nel 2008 al Teatro delle Briciole dove la compagnia è tutt’ora in residenza, poi sviluppato a Dijon, in collaborazione con ABC Association Bourguignonne Culturelle (Francia) e a Londra (Inghilterra), con il sostegno del National Theatre.

uno spettacolo di Fabrizio Pallara e Dario Garofalo
regia, scene e luci Fabrizio Pallara
con Dario Garofalo

produzione teatro delle apparizioni

C’è splendore
in ogni cosa, io l’ho visto.
Io ora lo vedo di più
C’è splendore.
Non avere paura.

Mariangela Gualtieri

La scena è una discarica: un vecchio cestello della lavatrice, un treppiedi per ventilatore, un paio di vecchie ciabatte, un ombrellone, un lenzuolo, delle calze bucate.  Uno è in cerca di cibo ma non trova niente da mangiare, attorno a sé solo brutti oggetti non commestibili, apparentemente inutilizzabili, nulla che lo soddisfi. Uno non riesce a vedere…
Lentamente la natura meravigliosa di quegli oggetti si svela davanti ai suoi occhi e così comincia un gioco, un canto di gioia, un canto della bellezza che viene dalla bruttezza, un inno alla capacità di sognare. Appare un bruco, una pericolosissima tarantola, due giraffe-zebre, un pianoforte multicolore, un bagno caldo, un re, una donna bellissima.
Uno, senza aver bisogno di parole, scortica la realtà e ne fa sogno, musica e danza, ne fa delicato vento che solleva e dondola gli occhi di chi guarda.   Un viaggio di crescita, una ricerca di equilibrio tra i sogni e la realtà, i desideri e le necessità.

Lo spettacolo, rivolto ad un pubblico di tutte le età, vuole risvegliare la capacità di vedere il mondo con occhi diversi, trasformare “ciò che è” in “ciò che potrebbe essere” e scoprire la meraviglia insita nelle cose. In quest’ottica restituisce uno stimolo verso la conoscenza e l’esplorazione degli oggetti valorizzandone un riuso creativo nel rispetto dell’ambiente.

Spettacolo vincitore Premio
FIT/ Festival Internazionale del Teatro
L’Altro Festival- Sezione Teatro Ragazzi

Finalista Premio
EXTRA
Segnali dalla nuova scena italiana

Venerdì 18 marzo
Ore 17.00

Casa della Conoscenza
Calamaio e web 2.0. Il libro Cuore e la formazione alla cittadinanza
In Piazza delle Culture, dibattito con interventi di Giancarla Codrignani (scrittrice, giornalista e politologa), Cristina Valenti (docente di Nuovo Teatro – Università di Bologna), Federica Zanetti (docente di Pratiche della Cittadinanza Attiva – Università di Bologna) e Alberto Grilli (regista Teatro Due Mondi)

Ingresso libero

Produzione Cantieri Teatrali Koreja

dai 4 anni

con Maria Rosaria Ponzetta, Sabrina Daniele, Fabio Tinella
tecnico luci: Mario Daniele
regia di Salvatore Tramacere

collaborazione all’allestimento di Cristina Mileti

Lo spettacolo cattura gli sguardi, ma lascia libera la fantasia di correre a briglia sciolta. Chi decide di subirne l’incantesimo, si prepari ad un viaggio sorprendente alla scoperta di mondi magici dove colori, luci e suoni assecondano i suoi desideri. Mondi a sé, ciascuno con le proprie meraviglie, dove si possono incontrare extraterrestri, samurai, fate, angeli…Dove c’è posto per i ricordi, i sogni, le emozioni. Di grande impatto visivo, le scene suggestionano anche chi bambino non è più, grazie all’originalità delle trovate e alla forza evocativa di certe immagini. Tubi, abiti, copricapo, materiale povero e riciclato di vario genere che grazie all’uso fantasioso delle luci si trasforma fiabescamente in immagini, visioni strampalate e buffe, quadri plastici di un movimento della fantasia. Non c’è in ballo una vera e propria storia che non sia quella inventata, lì al momento, dai tre attori in scena con le loro trasformazioni. E la plastica? Koreja si è divertita a trasformarla, giocando con gli oggetti semplici di ogni giorno. E lancia la sfida a riconoscerli. La fantasia, un effetto davvero speciale.

Dopo lo spettacolo Merenda in Compagnia in collaborazione con Melamangio spa

E se prima dello spettacolo vuoi fare un laboratorio sulla creazione di giochi in plastica riciclata vai nello spazio Il  Bradipo. Avrai anche 1€ di sconto sul biglietto  (lo sconto è valido solo sul biglietto bambini)

8 – 9 marzo, ore 9.30 e 10.45

testo di Marina Allegri
regia di Maurizio Bercini

con Ilaria Commisso, Francesca Grisenti, Paolo Codognola
scene e pupazzi di Maurizio Bercini, Donatello Galloni, Ilaria Commisso
costumi di Giuseppina Fabbi
musiche originali suonate dal vivo di Paolo Codognola
video di Giacomo Agnetti e Ilaria Commisso
voce fuori campo di Alberto Branca

Nel libro “La storia di Pik Badaluk” si racconta una storia molto semplice, la storia del bambino Pik che apre il cancello del recinto, scappa dall’orto di casa e si trova in mezzo ai pericoli della foresta. Viene inseguito dal leone e si rifugia…sopra un albero di mele!
L’Africa di Pik è un paese di fantasia: inutile cercare il Politically correct.  E’ un’Africa molto ingenua, più immaginata che conosciuta. Grete Meuche, autrice del libro pubblicato per la prima volta  nel 1922, scrisse questa storia con quello sguardo ingenuo  che ben si coniuga con lo stupore infantile verso un popolo ed un paese lontano ed assai differente, pronto forse  ad essere esplorato e conosciuto dietro le finestre delle nostre cucine.  L’idea di Africa è assolutamente fantastica: al posto della savana, Pik trova un albero di mele dove rifugiarsi per sfuggire al leone, come se dall’orto di la casa o dalla finestra della cucina entrassero all’improvviso i profumi ed i misteri delle foreste africane.
Per aiutare questo sogno collettivo di Africa ad occhi aperti, lo spettacolo utilizza pupazzi, immagini animate,  musiche dal vivo, un testo scarno ed essenziale, tante canzoni … per  far tornare giocosa e privata la scoperta di ciò che è “diverso da se”, nel bene e nel male.

22  febbraio ore 20,30

testo e regia  César Brie

liberamente tratto da Il lupo mannaro di Boris Vian

con Isadora Angelini   Mia Fabbri   Luca Serrani

Produzione  César Brie e Teatro Patalò

Spettacolo per bambini e adulti

Denis è un lupo vegetariano, che adora mangiare foglie di radicchio e semi di girasole, è appassionato di calcio e colleziona i rottami provenienti dagli incidenti sulla statale che passa proprio sotto la sua tana.

Nelle notti di luna piena spia i visitatori del bosco, tra cui le coppiette in cerca di un po’ di tranquillità.

E proprio lì incontrerà la bella Angelica che ha appuntamento con il Mago d’Oriente, un tipo spietato che prenderà a morsi il povero Denis.

Così, in una notte di luna piena, il lupo si trasforma in uomo, e un uomo, di notte, non può fare altro che visitare la  città.

Ristoranti, ubriaconi, donne, scazzottate, incidenti, fughe dalla polizia e altre delizie della civilizzazione, trasformeranno il nostro pacifico lupo nel re della notte.

Il suo rocambolesco incontro con la bella Angelica si trasformerà in una storia d’amore e un viaggio di nozze con  John Lennon come autista cantando insieme il sogno di un mondo in cui gli uomini vivranno finalmente in pace.

Prenotazione obbligatoria allo 051/573040 oppure alla scrivendo a questa mail

Una proposta artistica e formativa ispirata a Joan Miró

La palla , il corpo , la musica e il movimento

La bambola la relazione con il simbolico

Nello spettacolo “ Gioco” i protagonisti sono una  palla e una  bambola , un  binomio fantastico, un binomio comune, conosciuto da ogni bambino e che Gianni Rodari avrebbe apprezzato e nel quale avrebbe riconosciuto alcuni tra gli elementi fondamentali della sua “Grammatica della fantasia”.

Una bambola che prende vita, una palla che diventa sogno, questi sono gli elementi intorno ai quali gli autori, l’attrice, il regista, il compositore, lo scenografo e la curatrice delle immagini hanno giocato.

Come in un caleidoscopio il gioco si è moltiplicato, riprodotto, potenziato ed ha trovato la sua sintesi sulla scena offrendo, al giovane pubblico l’opportunità di recepire,attraverso il divertimento e l’emotività immaginifica, l’essenzialità del valore del gioco.

Con il gioco s’impara, si sogna, ci si può perdere in un mondo protetto per ritrovarsi più grandi e consapevoli. Proprio oggi in questo mondo dove la televisione rischia di rubare ai bambini la fantasia, assume grande valore la proposta del gioco libero che aiuta ad esprimersi e a creare in prima persona per realizzare le esigenze interiori di conoscenza dei  nostri bambini. Giocare fa crescere!!

“Gioco!” offre l’opportunità di divertirsi, di farsi cullare dalla sua tenera poeticità e, successivamente, di riflettere sull’importanza quotidiana del gioco nell’apprendimento, nella crescita emotiva e nello sviluppo delle capacità di relazione, per dare risposte flessibili ai bisogni dei ragazzi perché ciascuno riscopra il valore insostituibile del fare.

“Gioco!” è il primo spettacolo teatrale che guarda in faccia il gioco, senza farsi annichilire dalla sua potenza creatrice.

Con questo spettacolo, il grande gioco del teatro racconta se stesso, come lo specchio/scudo permette a Perseo di guardare la realtà di Medusa senza essere annientato dal suo sguardo, lo spettacolo “Gioco!” vede e riproduce la potenza creatrice e onirica del gioco. Ne segue lo sviluppo immaginifico attraverso la metafora, propria del teatro e “gioca” con essa.

Un gioco dentro il gioco di una scrittura fatta di una trama leggera , a tratti comica , attraverso la quale bambini e bambine possano lavorare di immaginazione, per riscoprire il gusto di giocare a credere, a farsi credere o a far credere.

Una fonte di ispirazione artistica e formativa: l’arte in gioco di Joan Miró

Lo spettacolo Gioco è una proposta di teatro per l’infanzia che nella sua parte figurativa e scenografica si ispira all’opera di Joan Miró

Una scelta che si è dimostrata coerente e stimolante , in quanto molte delle opere di Mirò ( in modo particolare del periodo surrealista) sono molto vicine all’espressione simbolico – pittorica che utilizzano i bambini.

In tal senso lo spettacolo può essere un ottimo veicolo e stimolo per attività di animazione da attuare in con i bambini della scuola dell’infanzia e della scuola primaria.

Gli educatori e gli insegnati  sanno bene che le opere di Mirò ritraggono elementi  simbolici che si possono ritrovare anche quando osserviamo le rappresentazioni giocose e i disegni dei bambini , ogni opera del grande artista ,infatti, può essere letta o interpretata in  mille modi diversi, in funzione emotiva un po’ come accade nel gioco fantastico e di finzione che porta a mettere in relazione elementi  astratti e immaginari con altri riferiti alla realtà.

Come accade nella poesia e nel teatro anche nella pittura di Mirò il fanciullo interiore è molto presente “nell’intrecciare la realtà con la fantasia e il  sogno” o “ nell’ascoltare i discorsi silenziosi  delle cose” .

Anche nella cornice del teatro e in particolare dello spettacolo Gioco , la poesia si esprime attraverso le immagini, le forme, gli oggetti , i movimenti ,  i colori e  le parole.

La pittura di Joan Miró è giocosa e come tale può essere un dispositivo educativo potentissimo , un invito ad esprimersi liberamente e ad apprendere attraverso il fare , agire e trasformare le cose reali.

Insomma l’educazione con l’arte può davvero renderci più consapevoli dei mutamenti del mondo e renderci più liberi.

Gioco  è anche un laboratorio espressivo.

A partire dalla visione delle opere di Mirò e dagli stimoli espressivi tratti dallo spettacolo Gioco si possono sviluppare tre ambiti di laboratorio da rivolgere ai bambini delle scuole primarie.

I linguaggi che possono essere attivati attraverso incontri con gruppi di bambini sono molteplici  , la danza, la parola,l’immagine, la musica , le forme e gli oggetti entrano in questa  proposta didattica che si alimenta della capacità dell’infanzia di fare ipotesi e  produrre visioni..

Le aree di animazione che si possono sviluppare si propongono ai ragazzi come una strutture dinamiche che permettono ai bambini  un’azione costruttiva ed inventiva nella quale riacquistano il ruolo di protagonisti e sono inviati a giocare per imparare a guardare le cose del mondo, non solo così come sono, ma anche per come potrebbero essere:

Il bambino è grande animatore dei oggetti – giocattolo. Pensiamo all’aspetto cadaverico dei giocattoli, quando sono inutilizzati. Quando il bambino gioca con loro essi riprendono vita. Il rapporto che da vita a un getto nasce da una necessità di relazione e di ricerca di significati da parte dei bambini.

In termini percettivi le immagini , le parole e gli oggetti di Gioco si rifanno a una dimensione più immaginaria e lontana dalla rappresentazione realistica…riferendoci alla pittura come abbiamo già detto è interessante riferirsi alla giocosità riscontabile nelle forme e nelle figure di certi cartoni animati iniziali e meno tecnologici o nella  pittura di Mirò che dipinge quadri pieni di storie e di favole liriche.

La sintesi pedagogica di Gioco è dunque tutta racchiusa nella chiamata al gioco libero e simbolico. Il gioco simbolico rappresenta una delle attività più importanti per il bambino, attraverso cui egli ha modo di contribuire direttamente e personalmente a strutturare lo sviluppo cognitivo, sociale e affettivo della personalità infantile, in un rapporto di causa-effetto, che permettono di far vivere esperienze di simboliche che promuovono abilità cognitive, socio-affettive e relazionali dell’infanzia

di e con: Monica Mattioli

regia : Monica Mattioli e Renata Coluccini

dai 3 anni

Teatro d’attore

In un angolo di un orto c’e’ una donna, un po’ strana, che parla al suo prezzemolo. Lo innaffia, lo coccola… poi s’innaffia i piedi e li trastulla pure nella terra. Ma oggi e’ arrivato il momento di vendere quel prezzemolo e come ogni volta che arriva il momento la donna non ce la fa. Nell’orto ci sono alcuni segreti legati alla storia di una fanciulla che come tutte le fanciulle ha una mamma e che come tutte le mamme è bellissima… bella… carina… cioè particolare…. anzi unica! E come in tutte le fiabe che si rispettino, c’è anche una fata. Una fata? A dire il vero è un’orchessa: il suo nome è Morgana, che quando sorride ha dei denti… denti? A dire il vero ha una dentiera di ferro, che sembra abbia dei rastrelli al posto dei denti.

E poi c’e’ lui: Memè il più bello che la mamma fè!! che è anche un po’ magico e che con le sue magie fa sospirare lei, Prezzemolina.

Sospiri tu che sospiro anch’io….con i loro sospiri d’amore riusciranno a ….e vissero felici e contenti!

Prezzemolina è una nuova divertente e poetica storia per crescere.

Teatro d’attore
Dai 4 anni

con Monica Contini, Nico Masciullo, Deianira Dragone
testo e Regia Lucia Zotti

Teatro Kismet Opera

C’erano una volta tre fratelli, a cui il padre, dopo la morte, lasciò in eredità pochi e apparentemente poveri averi. Al più giovane toccò il gatto di famiglia e il ragazzo se ne lamentò considerandolo buono al più per una misera cena. Ma il gatto non voleva finire arrosto e mise in atto tutto il proprio ingegno per dimostrarsi straordinario e indispensabile. Con tanta astuzia e l’aiuto di un paio di stivali magici riuscì a condurre il padrone al successo e alla felicità!
Ispirata alla celebre fiaba Il gatto con gli stivali questa storia pone l’attenzione su una qualità del sentire umano troppo spesso soffocata: l’istinto primordiale, quello che, quasi magicamente, conduce a discernere la giusta strada, a riconoscere fra gli incontri quelli positivi, ad avere il coraggio di affrontare gravi pericoli per realizzare un sogno, a credere che i sogni possono essere realizzati  se li si nutre di significato concreto.

Dopo lo spettacolo  Merenda in compagnia in collaborazione con

Compagnia Fratelli di Taglia

con Giovanni Ferma e Marina Signorini

regia Giovanni Ferma e Daniele Dainelli

La storia, quella classica, è narrata e interpretata da due personaggi fantastici: Bum e Annie, che vivono nel “Cortile” trasformato in un bosco metropolitano, che diventa anche lo spazio scenico in cui vengono accolti alcuni degli spettatori.

In questo cortile surreale Annie diventerà, per gioco, Cappuccetto Rosso e Bum il Lupo. Attraverso una comicità esilarante ispirata alla Commedia dell’Arte e al Clown, il Lupo trasformista ‘con scherzi e lazzi’ coinvolgerà Cappuccetto, e con lei il pubblico presente, in un carosello di situazioni travolgenti, filastrocche, canzoni, suoni e magie di colori. E alla fine riuscirà nel suo intento: mangerà prima la nonna e poi la bambina.

Qui finisce la favola originale di Perrault, mentre prende forma una morale che ci è sembrata molto attuale. In questo squarcio di inizio millennio la favola di Cappuccetto Rosso si inserisce in uno scenario in cui i bambini sono sempre più soggetti alle insidie del lupo cattivo che  troppe volte mascherato dietro rassicuranti sembianze,  attenta alla loro libertà fisica e morale.

Questo spettacolo vuole essere un contributo alla difesa dei minori di tutto il mondo, ancora oggi maltrattati, violentati, sfruttati e sempre più indifesi.

E dopo lo spettacolo Merenda in Compagnia, in collaborazione con

Emilia Romagna Teatro Fondazione ha invitato anche quest’anno cinque compagnie tra le migliori del panorama nazionale  che, oltre ad affascinare i bambini  non mancheranno di divertire moltissimo anche  gli adulti.  La fiaba e la leggerezza sono infatti al centro di questa proposta che continua a giocare coraggiosamente con i tanti linguaggi del teatro: dal teatro d’attore al teatro musicale, dal play theatre ai clown, gli spettacoli in cartellone sono ancora una volta un’ occasione importante per apprezzare storie divertenti e visioni poetiche e curiose.

Ad aprire la rassegna una vera e propria star della prima infanzia: Cappuccetto Rosso, nella versione coloratissima e travolgente, ricca di filastrocche e  canzoni dei Fratelli di taglia, seguita da Il gatto con gli stivali del Teatro Kismet Opera, un lavoro molto raffinato in cui maschere e movimenti danzati, suggeriscono atmosfere lontane e irreali.  La trilogia sulla fiaba viene chiusa dalla Compagnia Monica Mattioli con Prezzemolina, uno spettacolo ormai cult che in mezzo a vasi di terracotta e rastrelli racconta una storia piena di magia.  Il Teatro Necessario con Clown in libertà ci porterà, invece, sul terreno della clownerie. In questo spettacolo si ride moltissimo grazie a tre buffi, simpatici e talentuosi clown che paiono colti da un’eccitazione infantile all’idea di avere una scena e un pubblico a loro completa disposizione. Per finire Giardini di Plastica, dei Cantieri Teatrali Koreja,  un viaggio sorprendente alla scoperta di mondi magici dove colori, luci e suoni creano mondi diversi. Uno spettacolo di grande impatto visivo, che suggestionerà anche chi bambino non è più, grazie all’originalità delle trovate e alla forza evocativa di certe immagini.

Continuerà, anche in questa stagione  la  MERENDA IN COMPAGNIA,  offerta da Melamangio spa,  un modo per passare ancora un po’ di tempo  insieme dopo lo spettacolo,  incontrando gli  attori e gli altri spettatori  e  continuando a fare, di questo appuntamento domenicale,  un modo per vivere la città d’inverno in uno dei suoi luoghi centrali.

a Casalecchio di Reno, sarà presentato Visioni all’Infanzia, progetto editoriale curato da Emilia Romagna Teatro Fondazione in collaborazione con Casalecchio delle Culture. A seguire incontro con Mafra Gagliardi e Roberto Gris.

Visioni all’Infanzia ha raccolto in un unico fascicolo disegni e  testi prodotti dai bambini dopo la fruizione degli spettacoli nei teatri A. Testoni di Casalecchio di Reno, Dadà di Castelfranco, Storchi e Passioni di Modena,  gestiti da Emilia Romagna Teatro Fondazione.  L’intento del progetto è stato quello di costruire un tracciato che testimoniasse l’ incontro tra bambini e teatro raccogliendone gli stimoli, i commenti e le percezioni. Il copioso materiale arrivato dalle scuole  dimostra infatti quanto i bambini vengano stimolati dallo spettacolo teatrale e quale capacità hanno di rileggere e riscrivere lo spettacolo a partire dalla loro fruizione. Mafra Gagliardi, che studia da molti anni le dinamiche della ricezione infantile a teatro, è stata chiamata per parlare di questi temi specifici.  Autrice del libro  Nella bocca dell’immaginazione (ed. Titivillus, 2007) la Gagliardi ha esplorato i meccanismi cognitivi ed emozionali che si attivano durante lo spettacolo, dimostrando che il bambino possiede una fruizione estetica dell’evento teatrale che può essere sviluppato ed ulteriormente educato. I disegni e i testi che vengono fatti a scuola dopo il teatro ne sono una testimonianza attiva, perché spesso raccontano non ciò che è stato visto ma ciò che è stato immaginato.
A coadiuvare l’incontro Roberto Gris, ricercatore proveniente dalla Facoltà di Scienze Cognitive dell’Università di Trento, che ha accompagnato in questi anni la riflessione di Ert sul Teatro Ragazzi.
L’incontro, destinato a insegnanti, operatori e genitori vuole essere un momento di approfondimento e confronto sul teatro per l’infanzia a conclusione di una Stagione che ha visto aumentare il pubblico sia nella parte dedicata alle famiglie sia nella parte dedicata alle scuole, ma ha anche l’obiettivo di fornire qualche strumento allo spettatore adulto per accompagnare i bambini a teatro scortandoli nel passaggio dal reale al fantastico con lo stesso abbandono al mondo della finzione.

Per informazioni 051/6133294
info@teatrocasalecchio.it

testo e regia Bruno Stori
con Piergiorgio Gallicani e Morello Rinaldi

Teatro delle Briciole/Fondazione delle arti Solares

età 3-7 anni

PRIMI APPUNTI DI VIAGGIO
di Bruno Stori, 4 febbraio ‘09

C’era un bambino. E c’era una madre. La madre non si dava pace perché il bambino non cresceva. Era un bambino così piccolo che nessuno riusciva a vederlo. Tutto, per Pinicorillo, era un intreccio di curiosità e di paura. Tutte le cose del mondo potevano trasformarsi in una terribile minaccia. Una leggera brezza di vento era uno spaventoso tornado. Il giardino dietro la casa era una inestricabile foresta. Una innocua gallina nell’aia era un formidabile mostro, che poteva inghiottirlo inavvertitamente insieme a un chicco di grano.
Pinicorillo era attratto da quel mondo grande e terribile, perché sentiva il richiamo irresistibile della vita. Per questo disobbedisce alla madre, per questo esce di casa, attraversa l’erba, guarda gli animali, vede le forme della realtà, i colori, annusa gli odori. È allora che una mucca lo inghiotte. Così inizia il viaggio di Pinicorillo.

Nel ventre della mucca
Mi affascina enormemente, nella storia di Pinicorillo, quel che accade nella pancia della mucca. È un viaggio lungo il quale egli viene sballottato, trascinato, ma riesce anche a lasciarsi andare. A volte lo spazio si allarga, a volte diventa angusto. E l’uscita non può avvenire se non attraverso un pertugio spiacevole, ma necessario. Mi attrae, in questa storia, la potente, essenziale metafora di una nuova nascita.  Pinicorillo ha avuto bisogno di rientrare nella pancia della mucca per cambiare la sua condizione di essere invisibile, per diventare grande.
Ma c’è un altro simbolo molto forte che mi interessa: è la necessità di essere “visti”, la necessità che lo sguardo dei genitori si posi su di noi, uno sguardo che ci veda davvero, nel percorso che ci porta a crescere.

La stalla è un teatro
Vorrei che il racconto avvenisse come dentro una stalla, che i bambini avessero la sensazione di “entrare” in una stalla. Questa è una fiaba di ambiente agreste. Un tempo, nel mondo contadino, adulti e bambini si riunivano la sera dentro una stalla per ascoltare i racconti dei vecchi. Era il “teatro”, il momento sacro della narrazione.
L’ambiente contadino troverà espressione nello spettacolo anche a livello linguistico. I narratori –attori sono due contadini, e la dimensione dialettale del linguaggio avrà un suo spazio di rappresentazione.

Microcosmi e macrocosmi
Immagino un rapporto intenso tra parole e cose, tra animato e inanimato, tra oggetti e figure. Il viaggio di Pinicorillo intreccia visivamente le dimensioni metaforiche del piccolo e del grande. La dimensione “micro” del bambino invisibile si scontra con il formato “macro” del cosmo intorno a lui. Immagino due attori che siano anche animatori della materia, e che facciano transitare il punto di vista dello spettatore da un prima a un dopo, entrando negli occhi del protagonista. Dalla situazione iniziale, quella di un universo fuori scala, alla fine del tragitto, quando la ri-nascita porta con sé un nuovo equilibrio delle proporzioni nel rapporto col mondo.

11 marzo 2010, ore 10,00

L’inciampo nella realtà

Dialoga a distanza con Capossela e Chaplin l’ultimo spettacolo del Teatro delle Apparizioni

di Graziano Graziani

Nel Teatro delle Apparizioni un ruolo centrale lo ha sempre rivestito la ricerca dello stupore. Non stiamo parlando del sensazionalismo, della ricerca dell’effetto, ma di quella sensazione epidermica che solletica il corpo quando ci si imbatte in qualcosa di bello ma totalmente inaspettato. Ecco, lo stupore che è centrale nella ricerca del Teatro delle Apparizioni ha a che vedere con la meraviglia. E la meraviglia è un’emozione immediatamente corporea, e quindi intimamente connessa al percorso che questa formazione romana ha intrapreso nel corso degli anni con il teatro sensoriale, segno distintivo dell’esordio e dei primi spettacoli del Teatro delle Apparizioni.
In anni più recenti lo sguardo della compagnia si è spostato verso il teatro ragazzi. Un’evoluzione in qualche modo naturale, che ha permesso di proseguire il percorso intrapreso attorno a questa esplorazione della meraviglia senza reiterare all’infinito le formule legate all’esplorazione sensoriale, contemporaneamente recuperando la frontalità della visione. D’altronde il lavoro del Teatro delle Apparizioni non ha nulla a che vedere con l’intrattenimento per bambini con cui spesso, purtroppo, coincide la formula del teatro ragazzi. Piuttosto, il loro teatro è la materializzazione di una zona di confine, dove il linguaggio della scena sposa le tematiche dell’infanzia, ma lo fa inventando codici e creando suggestioni esattamente come nel teatro “adulto”. E anzi, attingendo a un terreno immaginifico così fecondo e allo stesso tempo così diffuso (poiché il passaggio dell’infanzia è una dimensione comune a tutti), in qualche modo si allinea all’idea di teatro popolare d’arte proposta qualche tempo fa da Massimiliano Civica.

Uno, l’ultima produzione del Tda appena andata in scena al Duncan 3.0 di Roma, è forse l’esempio migliore di questa fusione di piani. Non a caso si tratta di un lavoro che, oltre ad aver vinto il primo premio nel Festival internazionale di teatro ragazzi di Lugano, è risultato finalista al Premio Extra, dedicato alla nuova scena di ricerca italiana. Una capacità di commistione di registri e che si realizza grazie a una facoltà che il cantautore Vinicio Capossela, nelle sue canzoni, ha definito “l’incanto”. Qualcosa che non ha nulla a che vedere con la retorica dell’innocenza, ma piuttosto con la capacità di guardare il mondo con occhi diversi (una facoltà che, ha dichiarato Capossela in un’intervista, «se la sai conservare, poi te la ritrovi»).
Uno (Dario Garofalo) è il personaggio senza nome e (quasi) senza parole che entra sulla scena con il fare un po’ sgonfio e pierrottesco degli attori da film muto. È povero, trasandato, palesemente non ha un soldo in tasca e per di più ha fame e non ha nulla da mangiare. Si aggira per un vasto campo di rifiuti col dondolio luminoso dei derelitti e degli esclusi chapliniani. Comincia a rovistare in mezzo al pattume, nella speranza di trovare qualcosa da mangiare, ma tra i rifiuti trova solo cartacce e rottami. Eppure lì, nella disperazione della solitudine e della fame scatta qualcosa. Uno si illumina, e con lui si illuminano gli oggetti lì attorno. Se non è possibile mangiare si può sempre… fare finta. Così comincia a ingozzarsi di fogli di giornale, accartocciati e infilati sotto la maglia, finché non formano una grande pancia. L’immaginazione è meglio di niente, almeno dà modo di sconfiggere lo scoramento e, soprattutto, di guardare il mondo sotto una luce nuova.
È così che Uno, masticando uno strano gramelot, si lancia in un’esplorazione della realtà attorno a lui che ha completamente cambiato di segno. Gioca con serpenti fatti di tubi di scarico, si fa la doccia in una vasca ricavata da un televisore scassato, fa parlare strani esseri fatti di calzini e scopre tracce di nobili cavalieri del deserto tra tende fatte di giornali, ornati di corone a foggia di cestello di lavatrice.
Di colpo il mondo-pattume partorisce nuove possibilità grazie all’immaginario di questo personaggio stralunato che, grazie l’attenta regia di Fabrizio Pallara, passa da un’immagine all’altra come in una partitura musicale. Una sequenza che muove con naturalezza da un piano di realtà scarna e miserevole a uno di luminosa immaginazione, complici le musiche e il disegno luci, che senza simbolismi tracciano chiaramente la temperatura delle emozioni di Uno.

Non c’è solo gioco nella reinterpretazione degli oggetti, che pure suggerisce al mondo-adulto, dissennato produttore di tutto quello “scarto” che soffoca il pianeta, la possibilità di guardare oltre, riciclando, reinventando, ovvero cambiando prospettiva. Non si tratta solo sorprendersi a sorridere di fronte al concerto per calzini che Uno improvvisa da un sacco di abiti buttati (c’è forse un legame con «Il paradiso dei calzini» di Capossela?). C’è anche la dimensione fortemente politica della volontà di cambiare le cose pur davanti a un campo di macerie, di rovesciare un punto di vista lucido, che ci mostra un mondo in frantumi, grazie a quella lucidità ancora più fine in grado di vedere che «c’è splendore in ogni cosa» (come recitano i versi di una grande poetessa prestata al teatro, Mariangela Gualtieri). Ovvero la capacità di illuminare la realtà con la lente dell’immaginazione, intravedendone così le potenzialità più nascoste, che è una delle qualità più preziose dell’animale uomo.
Eppure – e qui sta il lato più acuto dello spettacolo – non c’è celebrazione, ma solo spinta a mettersi in gioco. Non a caso ciò che muove Uno è una spinta terrena, naturale e terribile come l’istinto della fame. E quando danzando con un’immaginaria compagna, ombrellone con il cappello, Uno si imbatte in una mela reale, rossa e succosa, lui la mangia avidamente, senza più curarsi della sua “stanza dei giochi” e anzi irrompendo – con un lievissimo ma sorprendente coup de théatre – nella realtà degli spettatori. Perché non c’è autismo né compiacimento nella danza chapliniana di Uno; piuttosto la dichiarazione di una scelta.

NB: Per chi volesse approfondire il percorso del Teatro delle Apparizioni, è in libreria un bel volume curato da Letizia Bernazza e uscito per Editoria&Spettacolo. Si tratta di un libro prezioso non soltanto perché ricostruisce dieci anni di attività di questa formazione romana, giovane, ma che già annovera radici profonde. Ma anche perché è elaborato come una visione multiprospettica del lavoro del TdA, che passa per l’analisi dell’autrice fino ai racconti in prima persona di chi ha fatto il Teatro delle Apparizioni, o ne ha accompagnato il percorso: dal regista Fabrizio Pallara agli attori Giuliano Polgar, Margherita Lacché, dal drammaturgo Simone Giorgi a chi si occupa delle scene, dei costumi, dell’organizzazione come Sara Ferrazzoli, Stefania Frasca, Laura Rhi-Sausi, passando per le collaborazioni fisse, come col regista cinematografico Marco Magiarotti e il musicista Valerio Vigliar, e per quelle spuntate lungo il cammino, con il Teatro dei Sassi di Matera e la regista messicana Shaday Larios Ruiz.
Una visione polimorfa e reccia, alla quale si aggiunge l’osservazione esterna degli interventi critici, che hanno accompagnato il percorso delle Apparizioni, dai docenti che hanno visto nascere la compagnia come Giorgio Taffon e Giancarlo Sammartano, allo sguardo dei critici teatrali che si sono imbattuto nel lavoro di questa bandi di “folletti” (come scrive Gianfranco Capitta) e sono stati rapiti dalla loro naïveté, dal loro essere una sorprendente anomalia (come spiega Paolo Ruffini, curatore della collana) nel panorama della scena contemporanea italiana.

di Gigio Brunello
Compagnia De Bastiani/Puche

Spettacolo vincitore del concorso europeo Puppets&Music

Regia Gigio Brunello
Aiuto regia Alberto De Bastiani
supervisione Gyula Molnar

Animatori:
Alberto De Bastiani
Salvador Puche
Anna Paola Barolo
Marta De Bastiani

Burattini   Jams Davis
Costumi  Anna Paola Barolo
Disegni  Gigio Brunello
Scenografia : Gigio Brunello, JimmyDavis, Salvador Puche, Pierpaolo Di Giusto

Musiche di Michele Caniato eseguite da Michele Paguri al pianoforte
Musiche di Gigio Brunello
eseguite e arrangiate da
David Boato Tromba
Marco Ponchiroli Pianoforte
Igor Checchini Percussioni
Rosa Brunello Basso elettrico e contrabbasso

Scenofonia di Lorenzo Brutti
tecnici di registrazione
Lorenzo Brutti
Max Di Blas

Voci
Eva Brunello
Alberto De Bastiani
Lorenzo Brutti
Rosa Brunello
Gigio Brunello

“…Quella notte mio nonno,  Coniglio volante, artista del circo nazionale d’Ungheria, campione di permanenza in volo, venne sparato in cielo e per poco non fece ritorno . Era l’estate del 1959 e tornò sulla terra confuso tra fiocchi di candida neve: nevicava ed era piena estate….”  La voce narrante è quella di Coniglio Ginetto , la sola a rievocare di quando in quando una storia che vive  di musica, di immagini, di pause incantate, non di parole. Eppure, quella che il pubblico è chiamato a seguire è una storia epica, fatta di inseguimenti sulla neve, orsi che scappano e voli nello spazio. E’ anche storia di formazione, trasformazione e risveglio per burattini che finiscono nella pancia dell’orso o intrappolati nella neve.  I burattini, le sagome che ballano e le ombre cinesi stampate sui vetri di una  finestra,  sono pagine animate come in un libro per i lettori più piccini.

Lo spettacolo, vincitore del concorso europeo “Puppet&Music” è stato premiato con la seguente motivazione:
“…per aver colto una delle possibili articolazioni del rapporto tra la ricerca musicale e l’universo dei puppet, facendo della traccia sonora il filo conduttore di un progetto unitario e organico, in felice equilibrio fra tradizione e innovazione, sostenuto da una seria riflessione teorica e da un canovaccio già ampiamente strutturato nel quale emergono figure e motivi ben riconoscibili dell’universo poetico di Gigio Brunello. Raccontare una storia togliendo la parola ai burattini e immergendoli in un “discorso sonoro” è una sfida che può aprire nuove possibilità di ricerca nelle relazioni tra figure e musica, garantendone nel contempo la pari dignità artistica.
La giuria sottolinea come il progetto, che prevede oltretutto la collaborazione internazionale di due compagnie, si rivolga a un pubblico sia di adulti che di ragazzi, coinvolgendo musicisti di riconosciuto valore nella scena contemporanea in una creazione simultanea e coessenziale nei linguaggi musicali e del teatro di figura.”