Musical di Cole Porter
Adattamento e Regia Corrado Abbati

Scene Stefano Maccarini
Costumi Artemio Cabassi
Coreografie Giada Bardelli
Direzione Musicale Marco Fiorini

prima edizione originale in italiano

Divertimento ed emozioni, echi cinematografici e di Broadway per Can Can il musical che accende la voglia di ridere, cantare e ballare sulle famosissime musiche di Cole Porter, molte delle quali sono nella memoria di tutti: chi non ricorda la sua “Night and day”. La grande popolarità di questo “classico” si deve anche al successo del film che ne venne tratto con un cast d’eccezione: Frank Sinatra, Maurice Chevalier e Shirley MacLaine. Dietro il film, come spesso accade,  uno spettacolo di altrettanto successo: Can Can al suo debutto  a Broadway  è rimasto in scena ininterrottamente per 5 anni. Una sferzata di buon umore si potrebbe indicare come il motore di questa edizione che è la prima in Italia a fare riferimento all’originale di Broadway, dove la storia del Can Can è raccontata fra sontuose ambientazioni, magnifici costumi, scene di danza mozzafiato ed una musica a dir poco geniale. A differenza del film, che aveva privilegiato la commedia, qui la musica è restituita alla sua  integrale espressione creando ritmo, allegria e quel tanto di sentimento che riverbera su tutto lo spettacolo, rendendolo trascinante ed energico come una galoppata di can can .

Sinossi

A Parigi, in piena Belle Epoque, trionfa una nuova travolgente danza : il can can. Purtroppo però ” l’indecente ” can can viene ben presto proibito perché danza concepita per incendiare menti, animo e intime fibre di chi vi assiste. Ciò non impedisce alla proprietaria di un caffè di metterlo comunque in scena, con grande gioia dei suoi clienti. La donna può permettersi di ignorare la legge grazie alla sua amicizia con un disinibito giudice. Drastici cambiamenti sono però all’orizzonte allorché un giovane e intransigente giudice decide di porre fine a questa scandalosa situazione. Quello che il giudice non sa è che il divertimento è appena cominciato: un girotondo di esilaranti equivoci coinvolgono una serie di pittoreschi e simpatici personaggi sino all’immancabile lieto fine.

di Franz Lehár

Compagnia Corrado Abbati

150 anni fa, nel 1861, il commediografo e librettista francese Henri Meilhac (lo stesso di Carmen di Bizet), scrisse un piacevole vaudeville che però divenne famosissimo solo grazie alla musica di Franz Lèhar: era nata La Vedova Allegra. “Non si offenda , ma questa non è musica”. Questa frase, dettata dallo stesso Lèhar, appariva incisa sulle medaglie omaggio che la direzione del teatro An der Wien offrì durante la trecentesima replica de La Vedova Allegra: una rivincita che il musicista volle concedersi nei confronti della direzione del teatro stesso e dei critici che la sera della prima gli avevano rivolto lo scettico e non lungimirante apprezzamento. Ma forse avevano ragione. La Vedova Allegra non è musica, è molto di piu: è una emozione, una esperienza sensitiva che si stampa a lungo nella memoria di chi l’ascolta. La Vedova Allegra è un capolavoro di genuina ispirazione dove i protagonisti  sono coinvolti in un vorticoso e divertente scambio di coppie, di promesse, di sospetti e di rivelazioni. Un parapiglia che, come è naturale che sia in una operetta, al termine si ricompone nel migliore dei modi con il matrimonio fra la bella vedova Anna Glavari e l’aitante diplomatico Danilo. Così al finale tutti cantano la celeberrima marcetta “E’ scabroso le donne studiar!” in una Parigi elegante e spensierata come elegante e spensierata vuole essere questa edizione della vedova allegra dove si va da Maxim (ancora oggi simbolo mondano-turistico parigino), si danno nomi capricciosi alle donnine che allietano le serate piccanti dei diplomatici, si cantano valzer pervasi da un erotismo scintillante, si ballano indemoniati can can e si ama in assoluta gaiezza in una atmosfera gioiosa e contagiosa che assimila attori e pubblico.  Ed è in questa sinergia che l’operetta vola sulle ali del canto, della danza, della prosa, della maschera, del gesto facendosi teatro perfetto o, in modo meno presuntuoso, perfettamente teatrale.E  dopo 150 anni la storia della vedova allegra è ancora qui fra di noi ed è ancora oggi uno degli spettacoli più rappresentati al mondo, cosa è successo? Nulla nella partitura di Lèhar, molto in noi che abbiamo capito che si può tranquillamente accettare la dimensione intellettuale della nostalgia  che sa renderci più sereni…..e chi, di questi tempi, non ne ha bisogno? Buon divertimento. All’ambasciata del Pontevedro a Parigi, c’è grande fermento.
Sta arrivando la Signora Anna Glavari, giovane vedova del ricchissimo banchiere di corte. L’ambasciatore, il Barone Zeta, ha ricevuto l’incarico di trovare un marito pontevedrino alla vedova e questo per conservare i milioni di dote della signora, in patria. Infatti se la signora Glavari passasse a seconde nozze con un francese, il suo capitale lascerebbe la Banca Nazionale Pontevedrina e per il Pontevedro sarebbe la rovina economica.
Njegus, cancelliere dell’ambasciata, è un po’ troppo pasticcione per una simile impresa ma c’è il conte Danilo che potrebbe andare benissimo. Njegus e Zeta tentano di convincerlo ma lui non ne vuole sapere. Tra Danilo e Anna c’era stata una storia d’amore finita male a causa della famiglia di Danilo. Da parte sua la vedova, pur amando Danilo, non lo vuole dimostrare e fa di tutto per farlo ingelosire. Frattanto si snoda un’altra storia d’amore che vede protagonisti Valencienne, giovane mogliettina di Zeta, e Camillo de Rossillon, un diplomatico francese che la corteggia con assiduità. I due si danno convegno in un chiosco. Li sta per sorprendere il barone Zeta quando Njegus riesce a fare uscire per tempo Valencienne ed a sostituirla con Anna.
La vedova sorpresa con Camillo! Tutti sono sconvolti, Danilo furioso abbandona la festa. Tutto ormai sembra compromesso ma Njegus, vero Deus ex-machina, riesce a sciogliere gli equivoci e a far confessare ad Anna e Danilo il loro reciproco amore. La patria è salva. D’ora in poi la signora Glavari non sarà più “La vedova allegra” ma la felice consorte del conte Danilo Danilowitch.

Spettacolo tutto esaurito

di Michael Stewart e Jerry Herman

Adattamento e Regia
CORRADO ABBATI

Hello Dolly! è uno dei più grandi musical di tutti i tempi. Solo a Broadway al suo debutto superò le 3000 repilche facendo incetta di premi stabilendo un record con ben 10 Tony Award, (gli oscar del teatro). Il brano del titolo diventò ben presto una hit internazionale grazie anche al film con Barbra Streisand . Hello Dolly! è uno dei film musicali più costosi della storia che è riuscito a fare apprezzare questo musical in tutto il mondo vincendo, fra l’altro, diversi oscar . Hello Dolly! è dunque una pietra miliare del teatro musicale leggero. Questo sicuramente grazie alla briosa commedia dove l’intraprendente ed autorevole protagonista dà vita a spassosi equivoci, sorprendenti colpi di scena, e romantiche parentesi sentimentali, il tutto amplificato dalla immediatezza della musica di Herman. Questa nuova produzione di Hello Dolly! prende spunto proprio dalla simpatia e dall’esuberanza straripante sia del testo che della musica ponendo l’accento sul brio dei dialoghi, sull’energia delle coreografie e sull’eleganza dei costumi e delle scene trasponendo il tutto in un’ epoca spavalda e carica di sogni in anni scatenati e segnati dalla forte impronta dell’alta moda, da un’esuberante voglia di vivere e da una fantasia e un’allegria contagiose. Questi ingredienti fanno di Hello Dolly! uno spettacolo senza età dove giovani e meno giovani ritrovano il piacere della trasgressione, i turbamenti del primo amore e la scoperta o la memoria musicale delle belle canzoni di Jerry Herman.

- argomento-

Dolly Levi è un’affascinante vedova, sensale di matrimoni, che stanca di essere sola, decide di riprendere marito. L’uomo che le interessa è un suo cliente, Orazio Vandergelder, un ricco parsimonioso commerciante di mezza età, proprietario di un negozio di mangimi dove lavorano i due giovani commessi Barnaby e Cornelio anche loro alla ricerca dell’anima gemella. Orazio che è ostile alle nozze della nipote Ermenegarda con il giovane Ambrogio, la cui professione di pittore è per lui sinonimo di povertà, si rivolge a Dolly, perchè conduca la ragazza lontana dal suo innamorato. Dolly è pronta ad aiutare Orazio prendendosi cura della nipote Ermengarda ma apprende che lui ha intenzione di andare a New York per chiedere la mano della graziosa modista Irene Mallow. Dolly decide allora di mandare all’aria questo proposito di fidanzamento: se una donna Orazio deve sposare questa sarà lei. Inizia così una divertente serie di colpi di scena grazie ai quali Dolly mette in atto un geniale piano che mette a posto tutto e tutti. Orazio si converte così all’idea che il denaro non è l’unico scopo della vita ed accetta il matrimonio di Ermenegarda con Ambrogio, mentre i due commessi trovano la felicità l’uno tra le braccia di Irene, l’altro tra quelle della sua amica Minnie ma soprattutto Dolly fa cadere ai suoi piedi il “nuovo” Orazio.

Operetta di Carlo Lombardo
Musiche di Carlo Lombardo
adattamento di Corrado Abbati

con Antonella Degasperi, Fabrizio Macciantelli, Carlo Monopoli, Raffaella Montini, Francesca Dulio
coreografie Giada Bardelli
direzione musicale Marco Fiorini

“Spesso a cuori e picche ansiose bocche chiedono la verità, principi e plebe vengono qua, Madama di Tebe le carte fa”. Madama di Tebe, storia di una famosa cartomante parigina, è ancora oggi una delle operette più popolari ed amate. Questo lavoro firmato da Carlo Lombardo ha avuto una un ruolo importantissimo nella storia dell’operetta italiana: è stata infatti l’operetta che ha mostrato quali fossero i gusti e le necessità del pubblico italiano amante della lirica leggera.

Madama di Tebe ha, per unanime ammissione, una musica piacevolissima. E’ noto che non tutta è uscita dalla penna di Lombardo, al quale però va dato atto di avere infuso a tutto lo spartito una omogeneità sorprendente, riuscendo a “piazzare” alcuni dei brani più famosi del repertorio italiano : chi non ricorda “spesso a cuori e picche” o il tango dei mannequins: “Ay by – Ay ba! Ay ballalo con me quel tango”.

L’intreccio fece subito molta presa : l’atmosfera vagamente peccaminosa della Parigi notturna e lo sfarzo del mondo della moda trovarono assai sensibile un certo tipo di borghesia che frequentava il teatro d’operetta.

Ma se ieri il teatro d’operetta rappresentava l’evasione nel mondo del “peccato” dei “giovani di una volta”, oggi il pubblico chiede rigore e un lavoro attento e preciso, frutto di studio e serietà, scevro da ogni improvvisazione.

Così Corrado Abbati ha “riscritto” il testo rendendolo più coerente: ai recitativi si sostituisce la recitazione e la storia si fa più fluida. Ha, poi, forte di una ottima conoscenza del repertorio operettistico, rinvigorito lo spartito con qualche invenzione “alla Lombardo” ricreando uno spettacolo dall’atmosfera brillante e mondana dove la storia della bella cartomante si unisce allo sfavillare delle luci e dei colori di una Parigi fatta di cabarets, défilés d’alta moda, uomini focosi e donne dalle toilettes meravigliose. Dove l’eleganza si unisce a quel divertimento, a quella gioia, a quell’entusiasmo che sono cifre distintive degli spettacoli della Compagnia diretta da Corrado Abbati.

Presentata da Emilia Romagna Teatro Fondazione presenta la Stagione di Prosa 2008/09 del Teatro Comunale A. Testoni di Casalecchio di Reno.

Una stagione che, se da una parte ribadisce l’attenzione verso i classici dall’altro offre uno spazio importante alla drammaturgia contemporanea e ai registi provenienti dal nuovo teatro, impegnati a sviscerare le domande del presente in una sorta di nuovo teatro civile.

Il cartellone si apre con Passaggio in India, il nuovo lavoro di Federico Tiezzi ispirato al celebre romanzo di E. Morgan Forster. Sandro Lombardi, protagonista e curatore della traduzione del testo di Santha Rama Rau, è affiancato da Giulia Lazzarini che interpreta Mrs Moore l’anziana donna inglese partita per l’India alla ricerca dell’esotico. Il viaggi la porterà a scoprire una civiltà misteriosa, molto più complessa della semplicistica immagine propagandata dai colonizzatori inglesi. Lo spettacolo, di stringente attualità dato il tema dello “scontro di civiltà”, scava nel carattere civile del racconto e pur essendo ambientato negli anni Venti, può essere letto come un ritratto dei nostri tempi. Segue un classico del teatro italiano: Luigi Pirandello con Il Giuoco delle parti, nell’ interpretazione di Geppy Gleijeses e la regia di Egisto Marcucci. È uno dei testi più famosi di Pirandello in cui la risibilità dei comportamenti umani, messa in luce dall’autore, è portata alle sue estreme conseguenze. Chiude la prima parte della stagione uno spettacolo che riflette sul tema della Natività: Provando in nome della Madre in cui lo scrittore Erri De Luca, già noto al nostro pubblico per Chisciotte e gli Invincibili, racconta la storia di Maria, secondo la sua definizione “operaia della divinità”. Gennaio riparte con uno spettacolo che ha appena vinto il premio ETI Olimpici del teatro come miglior testo della stagione e che, nella sua versione letteraria, è un vero fenomeno editoriale. Stiamo parlando di Gomorra di Roberto Saviano che insieme a Mario Gelardi ne ha curato la drammaturgia. Uno spettacolo nato prima che il libro venisse pubblicato e che vedrà in scena lo stesso scrittore, interpretato da Ivan Castiglione. Si scoprirà così in che modo egli ha conosciuto quelle persone di cui racconta e di come si poneva nei loro riguardi. Lo spettacolo racconta anche il momento in cui ha cominciato a scrivere e il lavoro di raccolta del materiale. Insomma, un altro tassello al puzzle di questa narrazione che si dimostra ancora una volta un filone inesauribile di storie. Un altro gradito ritorno sul nostro palcoscenico è quello di Elena Bucci con una rilettura di Hedda Gabler, di Henrik Ibsen. Insieme a Marco Sgrosso l’attrice rilegge il dramma borghese come una sorta di combattimento in un ring. I dialoghi serrati, a due, a volte a tre, fanno emergere le passioni apparentemente domate dalla ragionevolezza, portando i personaggi verso la tragedia finale. Un testo che invece reagisce con forza e determinazione al pensiero dominante fino a minacciarne la sua stessa sopravvivenza è il Candido di Voltaire che sul palco del Testoni viene ospitato nella versione di Stefano Massini con la bravissima Ottavia Piccolo. In questa favola-avventura di pieno Settecento c’è molto che ci riguarda da vicino: dalla libertà di pensiero al riscatto femminile, dalla lotta contro le guerre ingiuste fino all’integralismo religioso, ma lo spettacolo è divertente. Le grandi domande sono travestite da sberleffi, perché, come diceva Voltaire, “non c’è miglior modo di pensare che farlo ridendo”. E per continuare a ridere con intelligenza, abbiamo deciso di dare spazio a un attore che ha fatto della comicità il suo segno, ma che affonda le sue radici più profonde nel teatro d’autore. Parliamo di Paolo Rossi che, con Sulla strada ancora, sperimenta tutta la sua maestria di improvvisatore, racconta la sua storia personale e professionale accidentata anche se di grande successo, offre vere e proprie lezioni di teatro passando da Jarry a Shakespeare, da Cechov a Lenny Bruce. Uno spettacolo che non si può raccontare perché si costruisce ogni sera con il pubblico. L’attualità e la sua inquietante banalità quotidiana entra invece in scena con La badante un testo di Cesare Lievi che ne cura anche la regia. Attraverso lo schema del giallo lo spettacolo compie una riflessione poetica sui cambiamenti indotti nella nostra società dalla presenza degli immigrati, ma ciò che emerge è soprattutto l’aridità degli affetti familiari, la sterilità del benessere, il “nulla di fronte a cui ci si perde” del nostro quotidiano. E di immigrati e immigrazione ci parla anche Cèsar Brie, che con la sua inconfondibile vena poetica rilegge l’Odissea, il poema della perdita e del ritorno. Ulisse è il migrante, il curioso, il guerriero, il naufrago e se la sua figura incarna nostalgia, scaltrezza, disperazione, lotta per la sopravvivenza, i personaggi che lo circondano  incarnano fedeltà, attesa, ricerca del padre, nostalgia. Brie si inoltra, attraverso di loro, in tutti gli aspetti del racconto, dalla fiaba ai ricordi, ma soprattutto ci racconta degli Ulisse di oggi: gli artisti nel loro viaggio attraverso le forme, gli impiegati che vanno via immobili con la loro immaginazione, i migranti che arrivano sulle nostre spiagge naufraghi. L’Odissea sarà programmato in collaborazione con il Centro La Soffitta – Dipartimento Musica e Spettacolo del’’Università di Bologna, e fa parte di un progetto più articolato intorno alla figura di Cèsar Brie, che verrà presentato insieme alle altre attività del Centro La Soffitta nei prossimi mesi.

Compagnia Corrado Abbati – Inscena
LA PRINCIPESSA DELLA CZARDA
di Emmerich Kálmán
libretto di Leo Stein e Béla Jenbach
con Antonella Degasperi, Fabrizio Macciantelli
Adattamento di Corrado Abbati
Scene di Alfredo Troisi
Costumi di Artemio Cabassi
Coreografie di Giada Bardelli

Regia di Corrado Abbati

Nuova Produzione in esclusiva per l’Italia

Presentata per la prima volta a Vienna nel 1915, proprio nei giorni dell’assassinio di Sarajevo e dello scoppio della prima guerra mondiale, La Principessa della Czarda, per il libretto di Leo Stein e Béla Jenbach, ottenne uno dei più grandi successi della storia dell’operetta, successo rinnovatosi ogni anno fino ai giorni nostri. Essa è infatti una delle operette più rappresentate al mondo e ciò si deve soprattutto al meraviglioso spartito composto da Kálmán dove gli spunti della musica tzigana si fondono a splendidi valzer. Fra queste note si dipana un intreccio godibile ed elegante dove il sentimento degli innamorati si stempera in quella speciale predisposizione di Kálmán per le parti brillanti.
La protagonista è Sylva Varescu una celebre cantante innamorata del principe Edvino con cui intrattiene una relazione amorosa. Ma il padre del principe, disapprovando l’unione del figlio con un’artista, lo obbliga a tornare a Vienna per sposare sua cugina Stasi. Edvino, promettendo davanti a un notaio che sposerà solo Sylva, ubbidisce a suo padre e parte. Trascorrono diverse settimane e a Vienna è in corso un altro festeggiamento: il fidanzamento tra Edvino e Stasi, ma Sylva giunge a palazzo, fingendosi moglie del miglior amico di Edvino e facendosi passare per la famosa “principessa della czarda”. Edvino pensa che potrà sposare Sylva in seconde nozze, ma la cantante offesa si ribella e rivela a tutti la verità. Le cose sembrano precipitare ma tutto si appianerà quando Feri un amico di Sylva, rivela che anche l’attuale moglie del vecchio principe è stata una canzonettista. Ed allora niente scandali ma doppio matrimonio: se Sylvia ed Edvino, subito riconciliati, coroneranno il loro sogno d’amore, Stasi non resterà certo sola: il miglior amico di Edvino è già pronto a sposarla!
Abbati torna dopo dieci anni a “prendersi cura” del capolavoro magiaro e lo fa con una nuova scrittura evitando le secche (e l’equivoco) di un’operetta “serieuse” per trattarla con quel tipico “coté” brillante tale da coniugare insieme le suggestioni del testo e le emozioni della musica. La Principessa della Czarda firmata da Abbati è bella musica, grandi quadri coreografici, ritmo, slanci melodici al servizio di un sentimento vero.

Noi programmiamo Eva, un’operetta di Franz Lehar (lo stesso della Vedova allegra, per intenderci) che è un mix tra la Carmen di Bizet – Eva è un’operaia con la vocazione per il teatro – e Cenerentola – alla fine sposa il padrone della fabbrica per cui lavorava da giovane…

Nonostante la grossa offerta di operette che c’è stata a Bologna e provincia nelle vacanze di Natale, anche stasera il pubblico sembra essere numeroso, segno di un grande interesse per questo genere. Gli abbonati del teatro la richiedono a gran voce, e anzi…ne vorrebbero vedere di più. Sarà un bisogno di favole? Sarà che con l’operetta si rinnova il rito del teatro “per festa”? Sarà che sono rimasti gli unici spettacoli con tre atti che permettono di fare ben due pause al bar del teatro e di chiaccherare con il vicino di poltrona sulla bellezza della prima attrice? Forse è tutto questo messo assieme e altro ancora (ditelo voi , se ne avete voglia…). Di sicuro la sera dell’operetta c’è un’aria di festa un po’ retrò che non si vede tanto spesso…