5 – 6 – 7 – 8 maggio ore 21

di Reinaldo Povod
traduzione e adattamento Edoardo Erba

con Alessandro Gassman, Manrico Gammarota, Sergio Meogrossi, Giovanni Anzaldo, Matteo Taranto, Natalia Lungu, Andrea Paolotti
regia Alessandro Gassman
scene Gianluca Amodio
costumi Helga H. Williams
musiche originali Pivio & Aldo De Scalzi
disegno luci Marco Palmieri
suono Massimiliano Tettoni
elaborazione video Marco Schiavoni
produzione Teatro Stabile del Veneto, Teatro Stabile d’Abruzzo, Società per Attori

A quattro anni dal suo debutto come regista con due spettacoli di grande successo, Alessandro Gassman porta sulla scena Roman e il suo Cucciolo, tratto da Cuba & His Teddy Bear di Reinaldo Povod, un testo contemporaneo che riscosse grande successo negli anni ’80 a New York dove ebbe come protagonista Robert De Niro.
L’umanità dei personaggi e lo stile di scrittura tagliente sono mantenuti dalla traduzione e dall’adattamento di Edoardo Erba, che con il regista ha deciso per un’ambientazione nella periferia urbana del nostro paese, all’interno di una comunità rumena nella quale convivono persone di altra radice etnica, senza però che questo tradisca lo spirito del testo originale.
Dramma familiare e allo stesso tempo sociale, Roman e il suo cucciolo è uno sguardo neutrale e non ideologico sul presente e sulla presenza degli immigrati che ha cambiato la fisionomia delle città e le stesse relazioni

dall’autobiografia di Vincenzo Rabito pubblicata da Giulio Einaudi Editore
adattamento di Vincenzo Pirrotta

regia e impianto scenico  Vincenzo Pirrotta
costumi Giuseppina Maurizi
musiche Luca Mauceri
movimenti coreografici Alessandra Luberti
luci Franco Buzzanca
con Vincenzo Pirrotta, Amalia Contarini, Marcello Montalto, Alessandro Romano, Salvatore Lupo, Giovanni Parrinello, Mario Spolidoro

Produzione Teatro Stabile di Catania

*l’autobiografia di Vincenzo rabito è conservata presso l’Archivio diaristico di Pieve Santo Stefano (Arezzo)

Un bracciante siciliano si è chiuso a chiave nella sua stanza e ogni giorno, dal 1968 al 1975, senza dare spiegazioni a nessuno, ingaggiando una lotta contro il proprio semi-analfabetismo, ha digitato su una vecchia Olivetti la sua autobiografia. Ha scritto, una dopo l’altra, 1027 pagine a interlinea zero, senza lasciare un centimetro di margine superiore né inferiore né laterale, nel tentativo di raccontare tutta la sua “maletratata e molto travagliata e molto desprezata” vita.
Imprevedibile, umanissimo e vitale, Terra matta ci racconta le peripezie, le furbizie e gli esasperati sotterfugi di chi ha dovuto lottare tutta la vita per affrancarsi dalla miseria; per salvarsi la pelle, ragazzino, nel mattatoio della Prima e poi della Seconda guerra mondiale; per garantirsi un futuro inseguendo il sogno fascista del grande impero coloniale, per arrabattarsi, in mezzo a “brecante e carabiniere”, tra l’ipocrisia e la fame del secondo dopoguerra; per tentare, a suo modo la scalata sociale con un matrimonio combinato e godere, infine, del benessere degli anni Sessanta.

Dopo lo spettacolo, foyer del teatro

CONVERSAZIONI POLITICAMENTE SCORRETTE

Autobiografia e popolo

Mauro Boarelli, storico e autore del libro La fabbrica del passato,

incontra Vincenzo Pirotta

uno spettacolo di Ferdinando Bruni e Francesco Frongia
da Oscar Wilde

con Ferdinando Bruni Oscar Wilde, Iokanaan, Erode
Enzo Curcurù Mavor Parker, Giovane siriano, Erodiade
Alejandro Bruni Ocaña Salomé

luci di Nando Frigerio
suono di Luca De Marinis
produzione Teatridithalia

Anarchica, estremistica, insolente la Salomé di Wilde è poco conosciuta in Italia, forse messa in ombra dalla popolarità della versione operistica di Richard Strauss. L’autore inglese l’aveva composta nel 1891 a Parigi, pensando – pare –  a Sarah Bernhardt, al suo orientaleggiante esotismo, alla sua voce recitante.
Ferdinando Bruni e Francesco Frongia ne portano in scena una versione molto personale, intrecciando materiali diversi al tessuto di questo suggestivo atto unico, brani tratti sia dalle ultime opere dello scrittore (in particolare dalla Ballata del carcere di Reading e De Profundis) che da testimonianze, interviste e dichiarazioni.
Tra gioco e rito questa inquietante “ultima recita di Salomé”, interpretata unicamente da uomini, va in scena su di un palcoscenico atipico, il baraccone di un circo o di un luna park di periferia.  Mavor Parker (personaggio di fantasia che richiama due amanti di Wilde che divennero suoi accusatori quando fu processato per sodomia) invita il pubblico ad entrare “nel serraglio” dove potrà ammirare un prodigio (o forse un monstrum): il Poeta, “il Gran Sacerdote della Corrente Estetica Moderna che raccolse tutti i sistemi in una sola frase, tutta la vita in un epigramma”.
In uno spettacolo in cui le identità dei personaggi sono destinate a moltiplicarsi, Ferdinando Bruni si cala inizialmente nei panni dello scrittore, raffigurandocelo incatenato in carcere (dove effettivamente fu recluso dal 1895 al 1897); ma in breve al dialogo tra Wilde e Mavor si sovrappongono le battute che nella Salomé si scambiano il profeta Iokanaan, anch’egli prigioniero, e il Giovane siriano incaricato di custodirlo. E così le parole di dolore che segnano le ultime opere dello scrittore si sovrappone la recita di quest’inedita Salomé nella quale Bruni si divede tutti i ruoli con Enzo Curcurù e il giovane Alejandro Bruni.

8 dicembre ore 16,00

di William Shakespeare

uno spettacolo di Giuseppe Marini

con Sonia Barbadoro, Mauro Conte, Riccardo Francia, Fabio Fusco, Marco Grossi, Simone Pieroni, Nicolò Scarparo, Eleonora Tata, Francesco Wolf Lucas Zanforlini

Società per Attori,

in collaborazione con l’Accademia d’Arte Drammatica “Silvio d’Amico” di Roma e l’Accademia “Palcoscenico” di Padova

Al suo terzo incontro con Shakespeare, dopo il “Sogno di una notte di mezza estate” e “Amleto”, Giuseppe Marini porta ora in scena la più alta e suprema indagine poetica sulla (vera) natura dell’Amore. In tutta la letteratura mondiale di ogni epoca non è stato scritto niente di più sublime e anche nella produzione shakespeariana “Romeo e Giulietta” non ha eguali per come riesce a cantare l’irriducibilità di un amore che muore della propria intensità…del proprio “troppo”. Un amore “nato sotto cattiva stella” che, al suo primo apparire, incontra e copula con l’ombra della morte, perché soltanto il desiderio di annullamento attende e ispira una passione talmente pura e assoluta da non sospettare neppure la possibilità del calcolo, del compromesso, della convenienza (ingredienti più consoni alla Commedia). La morte, dunque, è presente e operosa in questa prima vera tragedia di Shakespeare e rivela sin da subito quale è l’oggetto preferito del suo assalto. Non i vecchi,ma i giovani nel loro desiderio erotico più intenso, nel pieno del loro tumulto ormonale, nel più dilagante trionfo di vita, di passione, di sensi. Nella “bella” Verona del Prologo, in questa città-tomba dilaniata da risse, duelli, da un odio violento di cui non si conoscono neanche più le ragioni d’origine, ma che ferve di vita, di movimento, di banchetti, di feste, di balli, di maschere… di teatro che, per contrasto, tanto più angosciosa e crudele fa apparire la “chiamata” della morte, non c’è spazio per i giovani e per l’Amore. Fiori prematuramente recisi, Romeo e Giulietta potranno finalmente stare insieme ma soltanto in una cripta, in una sorta di macabro legame eterno, raggelato e “premiato” dalle insulse statue d’oro che verranno erette a loro ricordo.

BIGLIETTI

PROSA

platea

intero  € 20

ridotto € 18

galleria

intero  € 18

ridotto  € 16

CartaPiù Feltrinelli       unico  € 16

OPERETTE

platea unico       € 20

galleria unico      € 18

Riservato alle Scuole Superiori

per gruppi di minimo 10 studenti

biglietto unico € 8

ingresso gratuito per 1 insegnante accompagnatore ogni 15 studenti.  Gli altri insegnanti potranno usufruire dello sconto Carta DOC.

per l’ingresso a minimo 4 spettacoli a scelta su tutto il cartellone:

biglietto  per ogni spettacolo € 7,50

Carta Giovani e studenti universitari

biglietto unico € 10

presentare alla cassa il tesserino universitario o la Carta Giovani.

Prevendita biglietti – Orari biglietteria Teatro Testoni

I biglietti per tutti gli spettacoli in cartellone saranno in vendita dal 2 novembre nei seguenti orari:

martedì, mercoledì, venerdì e sabato dalle 16 alle 19.

Nei giorni di spettacolo serale la biglietteria sarà aperta dalle 16 alle 19 e a partire dalle ore 20.

Nei giorni di spettacolo pomeridiano la biglietteria sarà aperta a partire dalle ore 15.

Altri punti vendita

Ticket Store del circuito Vivaticket, Touring Club Italiano, Punto d’Ascolto degli IperCoop Lame, Borgo, Nova, Emporio della Cultura – piazza Maggiore, 1 Bologna, Estragon Shop, via Zamboni 53.

Pagamenti accettati: bancomat e carta di credito.

Vendita biglietti on-line: www.teatrocasalecchio.it  –  www.emiliaromagnateatro.com

RIDUZIONI BIGLIETTI

Hanno diritto al biglietto ridotto:

spettatori fino a 29 anni e over 60;  soci di Alliançe Francaise, ARCI,  Circolo Dozza ATC,  COOP, Coop Ansaloni,  DLF,  FAI Bologna,  INPDAP,  SPI – CGIL,  Polisp. Masi,  Radio Città del Capo,  Touring Club,  Univ. Primo Levi.

Le riduzioni non sono cumulabili.

Dal 5 ottobre nuovi abbonamenti a  Testoni 14 e Prosa

Novità della stagione è l’abbonamento POLITICAMENTE SCORRETTO

che comprende gli spettacoli La casa di Ramallah, Donna non rieducabile (in scena nelle giornate della VI edizione di Politicamente Scorretto), Santos, La Repubblica di un solo giorno, 18mila giorni, Freddo e Terra matta. I sette spettacoli vengono proposti in un carnet speciale, ed è stato pensato per gli spettatori che condividono la sfida di impegno civile e di lotta alle mafie che da sempre contraddistingue il progetto di punta dell’Istituzione Casalecchio delle Culture, in collaborazione con Carlo Lucarelli e LIBERA.

Da segnalare l’abbonamento DOMENICA IN PROSA, per chi preferisce andare a teatro la domenica pomeriggio, mentre viene riconfermato l’accordo con la CGIL-CISL e UIL per l’abbonamento IN CRISI DI TEATRO, destinato ai lavoratori in mobilità, ai cassintegrati e licenziati che potranno usufruire dello sconto del 50% sul costo degli abbonamenti e dei biglietti.

Per date, prezzi e maggiori informazioni clicca qui

densa come sempre di nomi eccellenti e nuove drammaturgie, di pensieri forti e storie importanti, di fili da tessere e trame da  costruire. Sin dai primi spettacoli in calendario questi elementi emergono in maniera chiara: Giorgio Albertazzi insieme a Marina Confalone e alla giovane e bravissima Deniz Odzogan presentano La casa di Ramallah, lo spettacolo di Antonio Tarantino che racconta l’ultimo viaggio di una kamikaze verso il suo destino suicida, mentre, in occasione di Politicamente Scorretto, promosso dall’Istituzione Casalecchio delle Culture in collaborazione con Carlo Lucarelli, Ottavia Piccolo presenterà Donna non rieducabile, un testo di Stefano Massini che racconta i pensieri e le parole di Anna Politkovskaja,  la giornalista russa uccisa per aver svolto il suo mestiere senza pregiudizi e condizionamenti.

Si prosegue con uno dei classici più amati dal teatro di tutti i tempi: Romeo e Giulietta di Shakespeare, che con la traduzione di Luca Scarlini e la regia di Giuseppe Marini, riporta sul palco del Testoni la storia degli sfortunati innamorati interpretata da un cast di dieci giovani attori provenienti dall’Accademia d’Arte Drammatica Silvio d’Amico.

A gennaio, dopo la pausa natalizia, la stagione viene riaperta da  Elio Germano, premiato come miglior attore nell’ultimo Festival di Cannes. L’attore, in pausa dal lavoro cinematografico, dirige se stesso nel monologo di Will Eno, Tom Pain (basato sul niente), un’autentica cavalcata di parole al servizio del teatro.

A seguire un nuovo testo di Roberto  Saviano, Santos che racconta storie di  riscatto e di sport, di codici della strada e vite salvate, di camorra e campioni; Red di John Logan con la regia di Ferdinando Bruni, che racconta la storia di Mark Rotko, il famoso pittore  statunitense celebre per le sue tele di canapa dipinte con pochi colori intensi e morto suicida nel 1970; La Repubblica di un solo giorno, di Marco Baliani e Ugo Riccarelli, occasione per una riflessione sull’Unità d’Italia e il suo sofferto processo di costruzione. Questo spettacolo, infatti, racconta la storia della Repubblica Romana, durata un solo giorno, il 4 luglio 1849, ma portatrice di un progetto costituzionale che sarà di riferimento ai  costituzionalisti del 1945.

Si continua con Finale di partita di Samuel Beckett con la regia di Massimo Castri e Vittorio Franceschi che, nei panni di Hamm ripropone l’assurda vicenda di questi personaggi intrappolati  tra bunker senza via d’uscita e bidoni della spazzatura;  18 mila giorni, Il pitone, con  il Premio Ubu Giuseppe Battiston e il cantautore Gian Maria Testa, che racconta la difficile situazione di un uomo di cinquant’anni alle prese con la disoccupazione.  Un titolo metaforico per uno spettacolo che parla di problemi molto concreti: 18.000 giorni sono infatti i giorni che compongono cinquant’anni, mentre il pitone è la metafora di un mondo del lavoro che cambia e a volte stritola le persone.

Rusteghi, i nemici della civiltà di Carlo Goldoni, con Eugenio Allegri, Natalino Balasso e Antonia Spaliviero diretti da Gabriele Vacis, riporta sul palco del Testoni un classico del teatro, ma il testo goldoniano, frutto della maturità dell’artista, riesce ad essere attuale parlando al nostro tempo di intolleranza travestita da moralismo, della difficoltà di mettersi in relazione, della mancanza di comunicazione.

La Stagione viene chiusa da due progetti di teatro contemporaneo che affondano le radici nel recente passato:  Freddo di Lars Norèn, con la regia di Marco Plini, un testo durissimo che parla del fenomeno del neonazismo giovanile  nei paesi del Nord Europa, dove in nome di una purezza della razza vengono ancora commessi crimini efferati e Terra Matta, con la regia e l’interpretazione di Vincenzo Pirrotta,  racconto epico che parte dalla prima guerra Mondiale e attraversa la storia contemporanea d’Italia con le parole dello scrittore semi – analfabeta Vincenzo Rabito, che dal 1968 al 1975, si chiuse in casa di fronte a una  vecchia Olivetti per raccontare la sua “sventurata e maletratata vita”.

Sono ovviamente confermati gli appuntamenti con l’operetta e la Compagnia di Corrado Abbati. Quest’anno al Testoni di Casalecchio La vedova allegra su Musica di Franz Lehàr e Hello Dolly! su musiche di Michael Stewart e Jerry Herman rallegreranno il pubblico di affezionati al genere.

Giovedì 15 aprile ore 9,30 e 11,30

Da un’idea di Luca Boschi, Stefano de Luca, Giulio Giorello
Regia Stefano de Luca
Scene Marco Rossi
Costumi Luisa Spinatelli
Luci Claudio De Pace
Con Clio Cipolletta, Gabriele Falsetta, Andrea Germani, Andrea Luini, Silvia Pernarella
Produzione Piccolo Teatro di Milano

“ Il teatro è come una macchina del tempo, può portarci ovunque, duecento anni sono un’inezia!” dicono in Darwin…tra le nuvole, e hanno ragione.
Scienza e teatro non sono andati spesso in viaggio insieme, ma qui, per raccontare di Darwin e  delle sue teorie, partono da un’esperienza interessante, organizzata da compagni inusuali: un epistemologo, Giulio Giorello, un professore di fumetto, Luca Boschi, un regista, Stefano de Luca.
In occasione del bicentenario della nascita di Charles Darwin lo spettacolo entra nella vita del grande studioso non con l’intento di divulgarne le teorie, ma con il desiderio di impiegare il linguaggio teatrale, la sua verità e la sua capacità di comunicazione, per rendere riconoscibile un metodo e un grande personaggio scientifico. Lo spettacolo vede in scena due ragazze dei giorni nostri che leggono alcune pagine scritte da Darwin e ne restano affascinate. Smessi gli abiti contemporanei e indossati quelli vittoriani, le due ragazze viaggiano trasportate dalla magia del teatro, con loro il capitano Fitzroy, colui che comandava il Beagle, e il marinaio Taylor, quattro giovani alla scoperta di Darwin e del suo mondo usando due parole chiave: fantasia e curiosità.
La curiosità che ti interroga, quella dei “perché”, e la curiosità dell’osservazione, quella del “guarda”, sono infatti  la base della ricerca scientifica, mentre la fantasia è la grande chiave che ti apre altre porte, che ti dà la libertà di immaginare altre strade e ti sgancia dalle vecchie teorie. Il Darwin osservato dai quattro viaggiatori è un Darwin giovane, timido e con la testa tra le nuvole, ma completamente immerso nella realtà naturale che lo circonda. “Non posso fare a meno di domandarmi il perché delle cose. Perché le giraffe hanno il collo così lungo? Gli scienziati, un po’ come i bambini, si chiedono sempre perché? Sono sempre alla ricerca di spiegazioni per le cose che vedono. Queste spiegazioni si chiamano teorie”.
Questo binomio bambini/teoria è il fascino di Darwin, perché lo studioso che ha cambiato per sempre la storia dell’uomo e della sua specie, ha mantenuto quello stupore infantile che gli ha permesso di immaginare teorie assolutamente rivoluzionarie osservando i fringuelli e chiedendosi costantemente il perché delle cose.
Avviato con insuccesso a 16 anni agli studi medici, come il padre, poi ripiegato sugli studi classici, Darwin manifesta fin da piccolo un’unica grande passione per la storia naturale, colleziona coleotteri  e minerali. Nel 1831, a 22 anni, l’amicizia con il professore di botanica gli dà l’occasione di partire sul Beagle, nave della marina reale, per un viaggio d’esplorazione che durerà cinque anni. Fin dal secolo precedente i viaggi d’esplorazione erano stati molto utili per il progresso delle scienze perché riportavano moltissimi dati sulla geografia, la flora e la fauna dei paesi visitati, allo stesso modo Darwin alle Galapagos, osservando gli uccelli, arrivò a formulare teorie del tutto innovatrici che rivoluzionarono per sempre le conoscenze scientifiche sulle specie.

Segnaliamo questa iniziativa che ha l’obiettivo di  incentivare la partecipazione delle famiglie con figli adolescenti a teatro.
Lo spettacolo, costruito  dal Piccolo Teatro di Milano per un pubblico che va dai 10 anni di età in poi, è nato in occasione del bicentenario della nascita di Charles Darwin dalla penna di Giulio Giorello in collaborazione con il fumettista Luca Boschi e il regista Stefano de Luca, allievo di Giorgio Strehler.
La passione giovanile, i contrasti con il padre e il desiderio di avventura del giovane Darwin non mancheranno di interessare i piccoli spettatori, che potranno rivedere le loro esperienze quotidiane nell’adolescenza del grande scienziato.

MERCOLEDI 14 APRILE ORE 21,00

DARWIN… TRA LE NUVOLE
da un’idea di Luca Boschi, Stefano de Luca, Giulio Giorello
regia Stefano de Luca
con Clio Cipolletta, Gabriele Falsetta, Andrea Germani, Andrea Luini, Silvia Pernarella
Produzione Piccolo Teatro di Milano

Promozione Darwin … per i giovani:
Porta a teatro un ragazzo dai 10 ai 16 anni:
Biglietto unico (adulti e  ragazzi): 8,00 €

Lo spettacolo verrà replicato mercoledì 15 alle ore 9,15 e 11,00 (posti disponibli solo alle ore 11,00)

di Bernard- Marie Koltès
traduzione di Luca Scarlini

con Claudio Santamaria

musica originale Giuliano Sangiorgi
sassofono Raffaele Casarano

scene Carmine Guarino
opera installativa Loredana Longo
costumi Caterina Nardi
installazione sonora Giuliano Lombardo
assistente alla regia Daniela Perticarà

regia Juan Diego Puerta Lopez

Un monologo senza respiro, un’unica frase, un fiume dirompente di parole, un insieme di attimi che non lasciano scampo. Un uomo tenta di trattenere uno sconosciuto che ha abbordato per strada una sera in cui è solo, terribilmente solo.
Il protagonista errante di questo intenso soliloquio rovescia parole sul mondo, sul pubblico, mentre dal cielo cade incessante una pioggia carica di valenze simboliche. Una pioggia che annebbia i contorni, che rende liquidi i confini tra il sé e l’altro, che rende spasmodica e convulsa la sequenza dei ricordi.
Ed è così, in maniera confusa ed ossessiva, che il giovane uomo racconta la sua solitudine, il suo sentirsi straniero, diverso, esiliato, vagabondando di notte, alla ricerca di una camera. Struttura quel mondo notturno e visionario in un linguaggio privo di punteggiatura, fatto di parafrasi e ripetizioni, denso di rabbia e nostalgia.
La tensione drammatica si snoda attraverso aspri odori e sensazioni dolorose, creando un percorso emozionale in cui il protagonista diventa paradossalmente leggero, quasi impalpabile, e si perde. Si perde nella sua foresta, quella del lontano Nicaragua, idilliaco territorio senza eserciti né controllo. E ci porta con sé in un abbraccio a tratti molesto e a tratti tenero,  combattuto tra la sua difficoltà di essere e la sua smania di vivere.
La notte poco prima della foresta  venne rappresentato per la prima volta al Festival di Avignone nel 1977, da un Bernard- Maria Koltès allora ventottenne.
Juan Diego Puerta Lopez, regista e coreografo colombiano, è l’artefice di questo progetto drammaturgico che, perseguendo il suo percorso di ricerca teatrale, dirige un duttile Claudio Santamaria e si avvale di linguaggi multipli in grado di attraversare simultaneamente, come la pioggia del testo, aree emozionali diverse.

Di: Sofocle
traduzione di Raul Montanari

Regia: Antonio Calenda

con Franco Braciaroli

…e Giancarlo Cortesi, Emanuele Fortunati, Gianfranco Quero, Alfonso Veneroso, Livio Bisignano, Tino Calabrò, Angelo Campolo, Oreste De Pasquale, Filippo De Toro, Luca Fiorino, Daniele Gonciaruk

Scene: Pier Paolo Bisleri
Musiche: Germano Mazzocchetti

Produzione: Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia, Teatro de Gli Incamminati, Teatro di Messina

È con grande impegno che il Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia – assieme ai coproduttori del Teatro de gli Incamminati e del Teatro di Messina – si appresta ad affrontare, per la regia di Antonio Calenda, l’Edipo di Sofocle, uno dei testi fondamentali di tutta la cultura occidentale, i cui significati non cessano di riverberare, con sempre nuovi echi nel nostro presente.
Un progetto scenico che oltre ad aprire la nuova collaborazione con Messina, permette contemporaneamente all’Ente di proseguire la propria ricerca nel filone dei grandi classici (si ricorderà, alcune stagioni orsono l’imponente lavoro critico e artistico costruito attorno all’Orestea eschilea), e di continuare l’intenso e proficuo scambio con una struttura – quella del Teatro de Gli Incamminati – e con un protagonista della levatura di Franco Branciaroli, con cui sono stati già raggiunti importanti risultati con il recente allestimento di Vita di Galileo.
«In un mondo smarrito, minaccioso, delle cui ombre sentiamo costantemente l’incombere – commenta il regista – è emblematico rielaborare il percorso, dal buio verso la chiarezza che Edipo compie nella tragedia sofoclea: un percorso nella coscienza che allo stesso tempo è individuale, di intima analisi e collettivo, di grande profondità…».
Scritta probabilmente nel 430 a.C., la tragedia si incentra sul mito di Edipo, che dopo aver risolto gli enigmi della Sfinge ha ottenuto di regnare sulla città di Tebe e la mano della regina Giocasta, vedova del re Laio. Con lei concepisce quattro figli, Eteocle, Polinice, Antigone ed Ismene e potrebbe vivere felice, come sovrano giusto e padre amato. Ma il testo si apre in realtà su uno scenario cupo: la città di Tebe infatti è devastata da una violentissima pestilenza. Edipo si rivolge all’Oracolo di Delfi, nella speranza di poter ottenere qualche consiglio per accattivarsi il favore degli dei e salvare la città dall’epidemia. L’oracolo suggerisce di scoprire chi abbia ucciso il Re Laio, solo dopo aver fatto giustizia, la pace ritornerà a Tebe. Edipo dunque, si impegna subito ad indagare: ascolta il saggio e cieco Tiresia e altri, ignaro che sarà egli stesso la vittima di quelle ricerche. Si viene a conoscenza infatti che, per una serie di fatti complessi e imprevedibili, Edipo è figlio di Laio (e dunque sarebbe il suo giusto successore al trono) ma in seguito ad una lite sulla strada per Tebe è stato egli stesso a uccidere il genitore. Assassino del padre, sposo della propria madre e a sua volta padre di quattro frutti di un amore incestuoso… Edipo è sopraffatto da tali terribili rivelazioni e altresì deciso a sottomettersi alla più giusta punizione: sul cadavere della sfortunata Giocasta, suicidatasi nel comprendere il misfatto da lei commesso, si acceca. Sconterà il proprio gesto in un eterno esilio, che egli stesso aveva deciso per l’assassino di Laio. Abbandona dunque Tebe, affidando il regno ed i figli al cognato Creonte.
Il mito di Edipo, dopo la celebre versione sofoclea, è stato in ogni tempo oggetto di rivisitazioni, dall’età medievale, rinascimentale, moderna, suscitando un interesse che non ha conosciuto soste. Ma è la contemporaneità che – soprattutto a seguito della lettura freudiana – ha donato più di ogni altro momento storico al mito edipico una centralità assoluta, nell’ambito scientifico come in quello delle arti e in particolare della letterature, del teatro di prosa  musicale.
La vicenda di Edipo è infatti diventata il simbolo del legame dell’uomo verso i propri genitori un legame che si sviluppa fra gli opposti di amore e odio. Nel Novecento, il mito edipico diviene quasi archetipo di ogni dinamica drammaturgica del passato (lo si riconosce addirittura nell’Amleto di Shakespeare) e della scrittura coeva. Anche se Freud e la sua concezione psicoanalitica sono stati fortemente discussi, tuttavia hanno dato il La ad una serie di riflessioni in cui hanno trovato origine fondamentali momenti della storia della narrativa e del teatro europei: fra essi i lavori di von Hofmannsthal, di Cocteau di Gide e di Eliot, fino ad arrivare a Pasolini.

da Amleto di William Shakespeare
ideazione e regia Oscar De Summa

con Oscar De Summa, Armando Iovino, Angelo Romagnoli, Roberto Rustioni

Produzione Emilia Romagna Teatro Fondazione/Compagnia De Summa

Amleto a Pranzo e a Cena, divertente rivisitazione dell’Amleto shakespeariano curata e diretta da Oscar De Summa, è uno spettacolo già premiato da un ottimo consenso di critica e di pubblico il cui successo non mancherà di ripetersi.
Oscar De Summa, attore di solida formazione teatrale, dopo aver affrontato numerosi testi shakespeariani come attore è qui ideatore, regista nonché interprete  di questa  insolita versione della tragedia shakesperiana.  Progetto nato in origine per ‘Teatro Errante’ progetto promosso da Emilia Romagna Teatro volto a rilanciare la sfida di un teatro che fosse sia popolare e di qualità l’Amleto qui proposto da classico tra i classici viene riletto e messo in scena da De Summa in una versione di rara originalità.
Dato per acquisito nella memoria collettiva lo stereotipo di un uomo in calzamaglia nera con un teschio in mano, e la celeberrima  frase ‘Essere o non essere’  De Summa propone un lavoro che riesce a parlare sia  a chi solitamente non è abituato al frequentare il teatro ed il suo linguaggio  ma anche ad un pubblico solitamente avvezzo a frequentare le platee teatrali. La scena è essenziale, un piazzato di luci ed una tastiera a bordo palco, suonata a turno dagli stessi attori. Proprio come accadeva nelle compagnie di commedia dell’arte, gli attori decidono sul luogo cosa mettere in scena. Sul palco insieme a De Summa, tre attori, ‘una piccola e sgangherata compagnia di attori’ come ironicamente la definisce lo stesso regista. Una bella sfida: uno spettacolo che ci fa scoprire quanto di Amleto abiti a tutt’oggi  nel nostro quotidiano. Il sipario si alza e la compagnia, tra invidie e gelosie tenta di mettere in scena Amleto. Tra liti e complicità gli attori si scambiano consigli non propriamente disinteressati e lasciano venire a galla velenosi grovigli familiari.

La storia c’è tutta (o quasi), e i dialoghi, ritmicamente serrati secondo la grande tradizione comica nostrana, ci guidano a conoscere le molte facce di un personaggio inesauribile attraverso un linguaggio tutto contemporaneo. Nella vicenda, apparentemente lontana, del principe danese emergono così questioni semplici, che riguardano il comune animo umano, e che mettono in luce quanto nulla sia cambiato dentro di noi, quanto quel dentro di noi sia possibile nominarlo anche grazie a Shakespeare, quanto Amleto abiti il nostro quotidiano, costantemente presente a pranzo e a cena. Oscar De Summa

Biglietto unico  matinée: 5,00 €

scritto e diretto da Stefano Massini
liberamente ispirato al libro di Mary Shelley

scene Laura Benzi
costumi Micol Medda, Caterina Bottai
proiezioni Maddalena Ammannati, Cristina Andolcetti
luci Roberto Innocenti

Sandro Lombardi dà viso e voce alla Creatura

con (in ordine di apparizione)
Luisa Cattaneo, Silvia Frasson, Amerigo Fontani,Alessio Nieddu,
Daniele Bonaiuti, Simone Martini,    Antonio Fazzini, Roberto Posse

produzione Teatro Metastasio Stabile della Toscana
/Teatro delle Donne-Centro Nazionale di Drammaturgia
in collaborazione con Festival della Creatività 2008

Il mito di Frankenstein è un colossale ingorgo di equivoci. Intanto nell’immaginario collettivo Frankenstein è per tutti il nome della Creatura, mentre nell’originale è il cognome dello scienziato creatore. E a tutto questo si sommi la portentosa quantità di deviazioni e confusioni narrative che si sono depositate sulla formidabile storia di Mary Shelley dopo decenni di versioni cinematografiche, rivisitazioni, riscritture, caricature e parodie.
Fedele invece al materiale originale, messa da parte l’icona horror e la ricerca gotica della paura a tutti i costi, Massini mette in primo piano la sconcertante umanità della Creatura, scaraventata nel mondo con un bagaglio di inestricabili domande. La sua dolorosa solitudine è la chiave del testo e illumina a posteriori perfino il tortuoso percorso del giovane Victor verso la creazione.
In un gioco continuo di ribaltamenti e di rimandi, si scopre la tormentata continuità che lega la passione prometeica del ventiquattrenne Victor alla desolata diversità della sua Creatura, la cui rabbiosa protesta è la protesta dell’Uomo contro i limiti – di ogni tipo – che lo stringono.
Dice l’autore: “Ho scritto la mia versione teatrale di Frankenstein con irrispettoso rispetto. Del testo originale mi sono sforzato di mantenere le atmosfere, i colori, la decadente freddezza dell’ultimo Settecento, optando però per una radicale rivoluzione di punto di vista: a tessere le trame della storia è stavolta la Creatura, il cui umanissimo viso impera sulla scena in un lungo primo piano, capace di evocare – come in un lucido atto d’accusa – perfino la nascita del suo stesso Creatore”.
Nello spettacolo le tappe dell’esperimento di Victor prendono forma un indizio dopo l’altro e vanno a comporre un mosaico fitto di personaggi, che nello sguardo della Creatura assommano tutte le miserie della condizione umana. Sarà il racconto della Creatura, grande maschera dominante sulla scena attraverso la proiezione del volto di Sandro Lombardi, a far prendere vita ai personaggi di questo “Prometeo moderno”.

Il Frankenstein di Stefano Massini si interroga sul labile confine che separa la scienza dal territorio inesplorato dell’oltre. Oltre la vita. Oltre il tempo circoscritto della mortalità fissata. Oltre il conto alla rovescia della clessidra rovesciata e implacabile.
Dopo il successo di pubblico e i prestigiosi premi ricevuti in Italia, Massini sta ora raccogliendo consensi sempre maggiori anche nel resto d’Europa, dove i suoi testi vengono rappresentati con frequenza  – di recente a Parigi il suo Donna non rieducabile, dedicato alla memoria di Anna Politkovskaia.
Edito in Italia dalla Ubulibri, il teatro di Stefano Massini è tradotto e pubblicato in Francia, Portogallo, Germania, Repubblica Ceca.

regia
GIANCARLO SEPE

con
Giovanni Esposito, Antonio Marfella, Luna Romani, Antonella Romano,  Giampiero Schiano, Antonio Spadaro, Simone Spirito, Pino Tufillaro,

La vicenda è ambientata in un periodo storico non molto lontano, la seconda guerra mondiale ed in particolare l’anno 1943 quando si pensava che, con l’armistizio dell’8 settembre la guerra fosse finita ed invece fu solo l’inizio di una fase peggiore a causa degli scontri tra i tedeschi in ritirata e gli “alleati” che venivano a liberare il paese. Ci affidiamo nuovamente alle parole del regista “… Si tratta di una storia che mette insieme persone in fuga dalla guerra, persone spaventate dai bombardamenti che squassano Napoli. Rifugiate in un ricovero, si incontrano le più diverse realtà umane, dalla più umile al generale in pensione. È un testo che pone sotto il fuoco dell’attenzione la solidarietà, intesa come vera e propria anima partenopea. Se è vero che i napoletani sono molto capricciosi e combattivi, è vero anche che nel momento della difficoltà e del bisogno, della solidarietà umana, subito scattano e aprono una “concettualità” del vivere assieme che sfocia nella lotta contro il nemico comune. Questo è il cuore dello spettacolo: una Napoli prima distratta, in cui ognuno pensa ai fatti suoi, e che quando però identifica un male che può aggredirla ecco scattare una solidarietà incredibile, quel legame speciale che rende forte il suo popolo. È questo il concetto di teatralità che ho voluto mettere insieme: da una Napoli di fantasmi, di persone provate anche nel fisico in quanto assediate dai bombardamenti, da questa Napoli così disperata ecco dunque nascere il guizzo che porta gli uomini a mettersi insieme per dar vita a quella riscossa che ha poi consentito l’entrata degli alleati e la liberazione della città. Il tutto è ambientato in una cantina, un sotterraneo dove si sviluppa in nuce quella che sarà poi la rivolta che scaccerà il nemico…” Il testo di Erri De Luca non è un saggio storico ma solo il racconto degli stati d’animo, dei sentimenti, delle angosce, delle speranze di chi viveva in prima persona e sulla propria pelle, l’esperienza drammatica della guerra. «I protagonisti del libro sono persone, non personaggi. Hanno facce e voci che mi sono state tramandate da mia madre. Nei suoi incubi, però, non c’è il fragore dei bombardamenti ma il suono della sirena, che dava l’allarme, spezzava i sonni e costringeva tutti a scappare nei rifugi … Morso di luna nuova, è nulla più che l’atto di un erede al quale sono stati affidati in lascito quei racconti».(Erri De Luca)
Ricordare la nostra storia, anche quella più recente, è un segno di rispetto nei confronti di chi ha dato la propria vita per la libertà ed è un monito per i posteri affinché si impegnino per evitare nuovi conflitti.

di Harold Pinter
traduzione Alessandra Serra

con Nicoletta Braschi, Enrico Ianniello, Tony Laudadio
e Nicola Marchitiello

regia Andrea Renzi

scene e costumi Lino Fiorito
luci Pasquale Mari
suono Daghi Rondanini

Fondazione del Teatro Stabile di Torino/OTC Onorevole Teatro Casertano

Tradimenti (Betrayal), commedia che Harold Pinter scrisse nel 1978, è stata celebrata fin dagli esordi come uno dei maggiori testi del premio Nobel inglese, grazie ai dialoghi stringati, alle ambigue emozioni che filtrano attraverso il fair play dei protagonisti, all’ipocrisia dei rapporti personali e professionali. La pièce parte dall’appuntamento tra due ex amanti che, anni dopo la fine del loro affaire, si incontrano in un pub. In nove, rapide scene si riavvolge il nastro della storia clandestina dei due, fino al bacio che sigla l’inizio della relazione tra Emma, sposata con Robert, e Jerry, miglior amico dell’uomo. Tra viaggi all’estero e riferimenti al mondo sofisticato in cui si muovono i protagonisti, Tradimenti mette in scena personaggi poco amabili e profondamente egotici, le cui parole vengono smentite dai fatti, scena dopo scena, in un brutale viaggio nel tempo ma anche viaggio alla ricerca dell’identità di ciascuno, che sembra strutturarsi proprio partendo dai ricordi. Jerry ed Emma si amano, e il loro amore fluttua in un labirinto di bugie, che avvolge ogni cosa e semina menzogna ovunque: Emma tradisce il marito, Jerry tradisce il miglior amico e la propria moglie Judith, ma anche Robert ha tradito Emma con altre donne. E c’è quasi una prospettiva interna al testo che riguarda il tradimento: Jerry, agente letterario, e Robert, editore, sono figure di successo, ma Pinter insinua che le loro carriere siano la mistificazione delle loro aspettative di un tempo. La civile accettazione dei rispettivi tradimenti permea di una soffocante amarezza l’intera vicenda, insinuando nello spettatore il dubbio sottile che tutti e tre i protagonisti siano complici nelle loro menzogne. In un’intervista rilasciata a Furio Colombo, Pinter spiegava la struttura drammaturgica in questi termini: «È solo il trucco della memoria, La memoria è così. Comincia tutto dall’ultimo istante, si riavvolge all’indietro. Solo che sopra c’è la testa o il cervello o la logica o l’abitudine a pensare. Mettendo tutto alla rovescia, in Betrayal, io ho preso la memoria alla lettera, la memoria senza logica, che è una macchina stupida, come tutte le macchine».
E la crudeltà del testo non si ferma qui: Tradimenti è anche la storia del rapporto durato sette anni tra Harold Pinter e la giornalista televisiva Joan Bakewell, una relazione consumata dall’ombra dei matrimoni di entrambi, resa pubblica sulla scena da questa commedia e, infine, storicizzata da Michael Billington nella biografia del commediografo inglese a metà degli anni ’90. E proprio Billington, a proposito di una ripresa del 2003 della commedia, commenta: «Questo è anche un testo che parla del potere della memoria e delle diverse aspettative di uomini e donne. Ogni incontro nel testo è oscurato dal passato: c’è un pranzo amaramente divertente tra i due uomini quando il ricordo di Jerry della sensualità di Emma è sovrastato dalla dolorosa scoperta di Robert del tradimento della moglie. Ma ciò che fa di questo testo più di un gioco ironico è la consapevolezza di Pinter della differenza tra i due sessi: non avevo capito quanto Emma consideri l’appartamento di Kilburn come un nido d’amore, mentre per Jerry si tratta di un semplice pied-à-terre per il sesso. C’è un momento mozzafiato nella scena a Venezia quando Emma fissa immobile la pagina di un romanzo, consapevole che Robert ha scoperto il suo segreto. E quando la commedia torna indietro nel tempo, lei emana colpevolezza e si torce come un serpente quando muta la pelle».

” C’era una volta La presidentessa, un classico del vaudeville, scritto da Maurice Hanniquin e Pierre Veber, un tandem del teatro di divertimento che ai suoi tempi trovava un impatto anche per la derisione politica. Massmo Castri riprende ora il teatro per l’ERT con il suo fedele compattissimo gruppo di 11 giovani 11, pronti a scatenare risate tra le coloratissime scene di Caudia Calvaresi, resuscitando una tecnica espressiva di forsennati incastri da orologeria con una vicenda di infiniti scambi di persona (e ovviamente pure di letti), insediati, guarda caso, in un pazzesco ministero dove bazzica a suon di musica pure una escort e manca solo lo scandalo della stampa per trasformare gli imprevedibili aspetti della vicenda in uno scandalo dei nostri giorni.” Franco Quadri

di Maurice Hennequin e Pierre Veber

regia Massimo Castri

personaggi e interpreti (in ordine alfabetico)

Marco Brinzi, Giorgia Coco, Francesca Debri, Michele Di Giacomo,  Federica Fabiani, Alessandro
Federico, Vincenzo Giordano,  Diana Hobel, Alessandro Lussiana, Davide Palla, Antonio Peligra

scene e costumi  Claudia Calvaresi
musiche originali  Arturo Annecchino
luci  Robert John Resteghini
suono Franco Visioli

Emilia Romagna Teatro Fondazione, Teatro Stabile dell’Umbria

La stagione 2009/10 del Teatro Testoni di Casalecchio di Reno apre con La Presidentessa, nuova sfida registica di Massimo Castri, qui alla guida di un gruppo di undici giovani  attori, che si confrontano con un  testo apparentemente inconsueto ma sorprendentemente attuale. Una commedia spregiudicata sul rapporto sempre vivo tra seduzione e potere.
Hennequin scrisse La presidentessa, un testo del 1912, insieme al suo abituale collaboratore Pierre Veber ottenendo uno straordinario successo. Connotato da  una trama salace e dal linguaggio boccaccesco tipico del vaudeville nonché da un andamento scenico molto vivace,  il testo cerca  il puro divertimento dello spettatore.
Il vaudeville beneficiò, nei primi decenni del secolo scorso, di un periodo di fortuna tale da portare alla creazione di veri e propri team di autori  in grado di confezionare, nel giro di pochi mesi, testi pronti per la messinscena: da un certo punto di vista vi si possono rintracciare i prodromi di un’industria della scrittura, vocazione alla moderna serialità, oggi rappresentata ed esemplificata dai serial televisivi.
La Presidentessa narra le vicende di Gobette, spregiudicata e maliziosa soubrette che,  dopo essere stata allontanata dall’albergo dove alloggiava in occasione di una tournèe teatrale, trova ospitalità nell’austera casa del presidente Tricointe, giudice  di provincia  non più giovanissimo. Qui, il caso vuole che  venga scambiata per Aglae, la legittima consorte. Da cui l’abbrivio di un’irresistibile girandola di equivoci che porteranno il magistrato ad ottenere il tanto agognato trasferimento a Parigi.
Dopo il grande consenso di pubblico e critica  ottenuto dal pirandelliano Cosi è se vi pare prodotto da Emilia Romagna Teatro, commedia prediletta da Massimo Castri,  nella cui regia era possibile rintracciare alcune vaghe allusioni al genere vaudeville, il regista toscano sceglie oggi  di lavorare su un classico di questo genere storico del teatro leggero, La presidentessa,  appunto. Nell’occasione  Castri ritorna a dirigere  lo stesso gruppo di giovani interpreti. La piéce, nel suo perfetto meccanismo teatrale, permette di valorizzare al meglio le doti di ciascuno degli undici attori in scena, ed è frutto di un  lungo laboratorio condotto sulla ricerca dell’invenzione del personaggio, come è consueto nel lavoro del regista, molto attento alla cura del lavoro di attore.
Il lavoro registico di Castri si avvale dell’elaborazione sonora di Arturo Annecchino musicista e compositore, fra i più apprezzati autori di musica per il teatro già collaboratore di numerosi maestri della scena. Claudia Calvaresi  ne cura l’allestimento scenografico ed i costumi originali.

Per vedere il programma clicca qui

ABBONAMENTI FISSI

PROSA DUE TURNI: La presidentessa, Tradimenti, Morso di luna nuova, Interiors, Le nuvole, Copenaghen

PROSA TURNO UNICO: Frankenstein, Amleto a pranzo e a cena, Pali, La notte poco prima della foresta, Darwin… tra le nuvole.

COMPLETO (Prosa due turni e prosa turno unico + operetta) 13 titoli

PROSA (Due turni e turni unico) 12 titoli

CLASSICO (Prosa due turni + Operetta) 8 titoli

CARNET DUE TURNI: (La presidentessa, Tradimenti, Morso di luna nuova, Interiors, Le nuvole, Copenaghen)

CARNET TURNO UNICO – (Frankenstein, Amleto a pranzo e a cena, Pali, La notte poco prima della foresta, Darwin… tra le nuvole)

ABBONAMENTI LIBERI

QUARTETTO GOLD (4 titoli a scelta tra La presidentessa, Tradimenti, Morso di luna nuova, Interiors, Le nuvole, Copenaghen)

QUARTETTO SILVER (4 titoli a scelta tra Frankenstein, Amleto a pranzo e a cena, Pali, La notte poco prima della foresta, Darwin… tra le nuvole)

QUARTETTO  FREE (2 titoli a scelta da Prosa Classico e 2 da Prosa Contemporaneo)

Maggiori dettagli e prezzi su info biglietteria

Inizio spettacoli: giorni feriali ore 21, domenica ore 16.
A spettacolo iniziato non sarà consentito l’accesso alla sala.

La Direzione si riserva di apportare al programma modifiche che si rendessero necessarie per cause di forza maggiore.

Per informazioni
Teatro Comunale A. Testoni
piazza del Popolo, 1 – 40033 Casalecchio di Reno (BO)
autobus: linea 20
tel. biglietteria: 051/573040
tel. uffici: 051/6112637 – 051/6133294
fax: 051/6133790
info@teatrocasalecchio.it

www.teatrocasalecchio.it
www.emiliaromagnateatro.com

Scarica la Stagione

testo e regia di Cesare Lievi

scene di Josef Frommwieser
costumi di Marina Luxardo
luci Gigi Saccomandi

con Ludovica Modugno
Emanuele Carucci Viterbi, Leonardo De Colle, Paola Di Meglio, Giuseppina Turra

PREMIO UBU 2008 a Cesare Lievi come miglior autore di novità italiana
PREMIO della CRITICA TEATRALE 2008 a Ludovica Modugno quale Migliore attrice dell’anno

Una Produzione CTB Teatro Stabile di Brescia

Dopo Fotografia di una stanza e Il mio amico Baggio, Cesare Lievi ci regala l’ultimo atto di un’ideale trilogia che parla di noi, della società odierna e dei cambiamenti che rapidamente e, a volte malvolentieri, si insinuano nel nostro quotidiano, sgretolando abitudini e convenzioni. E così, il tema dell’immigrazione irrompe anche sui palcoscenici di questo Bel Paese che rimane sgomento di fronte alla presenza dello “straniero”, foriero di lingue e culture altre.
Un salotto borghese, una famiglia come tante, soffocata dal benessere e impoverita nell’anima, si trova a fare i conti con una giovane donna dell’est, La badante, elemento scatenante di una serie di conflitti latenti; cartina al tornasole di una società, la nostra, vittima di un impoverimento affettivo e relazionale, di un mondo che ha costruito la propria fortuna sull’avere piuttosto che sull’essere.
Cesare Lievi, autore e regista, sviluppa questo tema sottoforma di giallo, giocando con gli attori e gli spettatori; insinuando dubbi e sbriciolando certezze.
Due figli, oramai adulti, si preoccupano per la salute dell’anziana madre; entrambi hanno poco tempo da dedicarle e così assumono una badante dell’Europa dell’Est. Ma l’anziana signora non l’accetta. Dice che è disonesta, che è una ladra.
Amareggiata dai figli e dalla presenza della “straniera”, la signora muore. Ma, quando viene letto il testamento, il lutto dei figli si tramuta in rabbia perché l’eredità della madre è scomparsa nel nulla. Ma come e perché è avvenuto questo?
L’ultima parte della pièce svelerà tutti i retroscena; un flashback conclusivo rivelerà le ultime ed inaspettate volontà dell’anziana che, per colpire l’inettitudine dei figli naturali, prenderà decisioni inaspettate…
Tre atti, una scena austera e una donna anziana (interpretata magistralmente da Ludovica Modugno) dalla cattiveria ancora giovane e dalla delusione antica, divengono specchio della nostra società attraverso un testo che si tramuta in un’impudente accusa